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REVISTA DIGITAL MENTES-INQUIETAS

FESTIVAL DE MUSICA AVANZADA. DÍA 2

Un cartel muy heterogéneo preveía un sábado vibrante. Fangoria hizo vibrar a sus fans de manera excitante y provocadora. Un escenario simétricamente ocupado por Alaska (Olvido Gara) en el frente y dos guitarristas escoltándola.

En el fondo, Nacho Canut y el corista dejaban claro que llegaban a León con la lección bien aprendida en cuanto al peso de un escenario se refiere. Dos gogoteras copaban los laterales del escenario, donde un par de bailarin@s de sexo ambiguo harían las delicias del público con bailes, gestos y grandes dosis de sarcasmo. El concierto se dividió en dos partes de performance. La primera, una atmósfera puramente blanca, vestuario, fondo del stage, las guitarras de los músicos…y una segunda performance donde se convirtió todo en negro en la misma medida que el parte anterior, excepto Alaska y Nacho Canut que vistieron prendas naranjas demoniacas al estilo Guantánamo.

En el plano musical no hubo novedades, desarrollando temas tan conocidos como Eternamente Inconsciente, No sé que me das o el single de su último álbum, Criticar pro Criticar, con un pero: la voz de Alaska estuvo durante todo el concierto en un volumen más bajo que la música., el porqué no lo sabemos. 

Todo comenzó a pedir de boca con Fangoria, y los británicos Audiobullys no fallaron. Simon & Tom dejaron fluir sus ritmos electrónicos y palabras limítrofes con el hip-hop. Engreídos, interactuaron con el público de manera perfecta, hasta que un hombre de gabardina les pidió que fueran acabando…a partir de ese momento, media hora más de show dio por finalizado el gran concierto de los ingleses. 

La noche más salvaje aún estaba por llegar. La Electronic Body Music (EBM) dio la bienvenida a León, de la mano de  los belgas Front 242-nombre tomado del acto decreto que estableció la ONU en 1979 para establecer lo que sería la primera semana de paz después de la guerra de los seis días que tuvo su origen en el conflicto arabo-israelí-.  Dejaron temblando al personal extendiendo la esencia de la música que les hiciera famosos en los años 80 y 90: óxida, potente y cruda. De nuevo, el resultado de los audiovisuales con la música de Front 242 hicieron vibrar al público. 

¿Qué más podríamos esperar? Pues que Fixmer&McCarthy echaran abajo la plaza con el espíritu de los míticos Nitzer Ebb que está aún vivo en ellos, y poco faltó para que las estructuras cediesen.Una presencia abrumadora en el escenario de McCarthy. Una elegancia y violencia absoluta en la mesa por parte del galo Terence Fixmer.Un sumatorio igual a éxito abrumador entre el público.Si queréis saber cómo se las gastan escuchad su primer álbum “Between the Devil”. 

En síntesis, dos días cargados de máximos y mínimos. La comparaciones son odiosas, pero es inevitable constatar que la edición pasada –y primera- del FIMA obtuvo mejores resultados. En cualquier caso, todo nuestro agradecimiento  al MUSAC y su dirección, por la revolución cultural que están generando en León y por ende, en el norte de España. 

::Víctor Rodríguez:: 

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FIMA´07. DÍA 1

Dos días de diferentes tesituras se vivieron en la Plaza de Toros de León. Un viernes de ritmos eclécticos se combinó con la potencia de un sábado donde Front 242 y Fimer & McArthy tomaron las riendas del máximo protagonismo.

La DJ chilena Fernanda Díaz abrió un festival que comenzaba con la primera y única decepción: por enfermedad, Matthew Herbert no asistiría a su cita con el FIMA´07. Este hecho hizo presagiar un viernes bastante gris, y así sucedió en lo que a asistencia de público se refiere. Sin embargo, la música brilló por encima de ausencias estelares y  Fernanda Díaz mejoró los pronósticos, con una gran sesión.

Digital 21 se dejó ver todo el fin de semana por el ruedo de la Plaza, y en el momento que se tuvo que subir al escenario, no dejó títere con cabeza. Él mismo dirige todo lo que a su show concierne (imagen, música, diseños,..) y  acertó en casi todo. Su conjugación de rock y electrónica no deja indiferente, y añadiendo los audiovisuales que presentó, conformó una hora de concierto estupenda con temas como The Killer, agresivo al máximo exponente.

También hubo tiempo para regalar a los centenares de fans un par de versiones: Where is my Mind y Creep. Quizás el pequeño error fue que  el escenario estaba demasiado huérfano con su única presencia.

La gran fiesta del viernes llegó a cargo de Motor. Olivier Grasset y Bryan Black (han compuesto para Marilyn Manson o Depeche Mode) desplegaron velas y  su violento techno de aires metálicos cautivó a todos. Puesta en escena cuidadamente chulesca, ritmos pegadizos , bailables y audiovisuales imaginativas fueron los detalles de la presentación de su álbum debut titulado “Klunk”, que no debéis perder de vista.

John Tejada tenía el peso de cabeza de cartel tras la ausencia de Matthew Herbert, y no la supo aprovechar. Una sesión somnífera, que sólo mejoró en los compases finales dejaron un poco alicaídos al público que asistió el viernes.

::Víctor Rodríguez::

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MUSEO MAC (CHILE)

ROSER BRU: TRABAJOS DE IDA Y VUELTA 
MAC Parque Forestal, Santiago de Chile
Inauguración jueves 15 de marzo. Hasta domingo 22 de abril.  
Pinturas, dibujos y grabados que tocan las temáticas que siempre han obsesionado a la artista española residente en Chile. Su faceta de cronista, su interés por la temática femenina y por la prohibición, son algunos de los ejes de esta muestra que abarca toda su trayectoria artística como una forma de homenajearla en el aniversario 60 del MAC.  
La extensa trayectoria artística en Chile y el extranjero de Roser Bru ha estado marcada por distintas etapas. La primera se inicia en los años 50 y durante la década de los 60 se caracteriza por una cercanía al informalismo abstracto, en especial a la obra de Antoni Tàpies que conoció a través de sus constantes viajes a Barcelona.
El dolor y el sufrimiento humano la conectan con su infancia y la España franquista de la cual huyó junto a su familia. Durante la década de los 80 su obra comienza a combinar motivos de sus períodos anteriores, incorporando también nuevas temáticas y técnicas gráficas. Los retratos de personajes históricos a los cuales admira: Kafka, César Vallejo, Miguel Hernández, Frida Kahlo, Gabriela Mistral, Virginia Woolf y Rimbaud son incorporados como protagonistas de sus obras, algunas veces con citas literarias.
Roser Bru (Barcelona, 1923). Llegó a Chile exiliada junto a su familia en 1939, proveniente de Francia, escapando de la dictadura franquista. Ese mismo año ingresó a la Escuela de Bellas Artes de Santiago, donde estudió acuarela, dibujo y pintura. En 1947 se incorpora al Grupo de Estudiantes Plásticos y en 1956 al Taller 99 de grabado de Nemesio Antúnez. Fue profesora de dibujo y pintura en la Escuela de Arte de la PUC de Santiago desde 1964 hasta 1968, y profesora invitada al taller de pintura de esta misma institución en 1989. Desde 1957 ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas y obtenido importantes premios que la han hecho merecedora de un destacado lugar dentro de la historia del arte nacional. 
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LA PÉRTIGA DEL FUNAMBULISTA

La ópera prima de una autora de gran madurez literaria

 Hay momentos en que una mujer o un hombre miran dentro de sí y se dan cuenta de que llevan tiempo caminando por la cuerda floja.

La vida los ha transformado y, abocados a la tragedia o quizás a la felicidad, ya no son quienes creían ser.

Elaboradas con la materia prima de esos momentos de crisis, que nutre la gran literatura desde siempre, las historias de los personajes de La pértiga del funambulista conforman un álbum de familia, un puñado de instantáneas que nos muestran la intrahistoria más reciente de esa España indefinible que se asoma a Europa: desde la Segunda República hasta los atentados del metro de Londres. 

Berta Tabor (Madrid, 1958) es socióloga y licenciada en Literatura Francesa. Ha publicado ensayos, entrevistas a escritores y relatos en revistas especializadas. Vive en la actualidad en Madrid, donde colabora con varios medios de comunicación. La pértiga del funambulista es su primera novela.

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POLICE, EL 27 DE SEPTIEMBRE EN ESPAÑA

THE POLICE

27 SeptiembreEstadio Olímpico, Barcelona 

The Police han confirmado las fechas para su gira Europea que comenzará el 29 de Agosto en Globe Arena de Estocolmo después de haber agotado todas las entradas para sus fechas en Norteamérica.También han sido confirmadas las fechas de los concierto en el Reino Unido, Alemania, Francia, Holanda, Austria, Italia, Bélgica, Dinamarca y Suiza, pendientes de aprobar fechas adicionales y recintos, en una combinación de estadios exteriores e interiores.Durante el tiempo que pasaron juntos The Police consiguieron llevar al nº1 cinco álbumes, una sucesión singles en el Top10 y recibieron seis Premios Grammy. La primera fecha en Birmingham será también la primera aparición de la banda en directo en el Reino Unido desde la Víspera de Año Nuevo de 1983 cuando actuaron en el Wembley Arena durante el Synchronicity Tour. 

Las entradas para el tour Europeo se pondrán a la venta el viernes 9 de marzo en Birmingham, Londres, Manchester, Cardiff y Ámsterdam, con días de venta para el resto de ciudades pendientes de confirmar. 

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IN MEMORIAM...

Stanley Kubrick (Director) 

Stanley Kubrick nació en un barrio de Nueva York el 26 de julio de 1928. 

A pesar de su inteligencia, no se caracterizaba precisamente por ser un alumno brillante, por lo que su padre intentaba estimularle con el ajedrez (al que acabó aficionándose). Otro de estos estímulos fue la fotografía, su padre le regaló una cuando cumplió los 13 años. En un principio fotogrababa la ciudad de Nueva York solo como afición, pero terminaría trabajando para la revista “Look” que sería su sustento durante un tiempo, hasta que en los 50 se empezó a interesar mas afondo por el mundo del cine.  

En 1953 rueda su primer largo “Fear and desire”, un drama bélico de la que mas tarde declaró no sentirse muy orgulloso. Entre su filmografía podemos encontrar películas tan impresionantes como Senderos de gloria (1957), Lolita (1962), Teléfono rojo?, Volamos hacia Moscú (1963), 2.001: Una Odisea del espacio (1968) o La naranja mecánica (1971). 

Fallece un 7 de marzo de 1999 en Reino Unido. 

Podéis colaborar con nosotros mandando vuestros “In Memoriam” a nuestro correo: somos.mentes.inquietas@gmail.com    

::Andrea Cabrero:: 

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CRONICA CONCIERTO NINE INCH NAILS

NINE INCH NAILS + The PO PO

16 de Febrero/07. Pabellón de La Casilla (Bilbao)

Hacia las nueve y media de la tarde, salían al escenario unos desconocidos que se hacían llamar PO PO. Minimalismo industrial con algún que otro – desafortunado-  toque de hip hop era su propuesta para el público que se iba agolpando en las primeras filas del Pabellón,y que posteriormente coparían de forma completa para ver a Trent Reznor y su banda.

Puntuales a rabiar, la fiesta NIN comenzó con tres trallazos que no han perdido ni un ápice de intensidad desde que se publicase el imprescindible álbum Downward Spiral allá por 1994: Sin, Terrible Lie y March of the pigs una tras otra, sin tregua.

Tras la orgía sónica en la que nos sumió la maquina NIN, Mr.Reznor –alma mater de la banda- se sacó de la manga una interpretación soberbia de la bellísima SOMETHING I CAN NEVER HAVE provocándonos la paz con una ambientación cuidadísima a la que siguieron las maravillosas THE FRAIL+ THE WRETCHED. Fueron momentos excepcionalmente sosegados, con un extraordinario protagonismo de las luces.

A partir de este momento, un servidor se sumió a la guerra de codazos de las primeras filas totalmente absorbido por la rabia de Closer. La siguieron temas como “THE ONLY TIME”, “DEEP”,”NO, YOU DON´T” o “EVEN DEEPER”.

Tras Into The Void, la exitosa The Hand that Feeds hizo las delicias de los fans tardío de NIN, single de su último álbum With Teeth.

A penas una hora y media de maestría que supo a poco, ya que finalizó de forma seca sin ningún tipo de “bis”, lo cual produjo miradas entre le público con un pequeño sentimiento de decpción, pero eso es NIN, un espectáculo diferente y singular.

De NIN ya se ha dicho absolutamente todo aunque personalmente creo que lo que no se puede explicar con palabras es lo que ha hecho realmente grandes a esta banda. Si tenéis la oportunidad de disfrutar de está experiencia en un futuro no lo dudéis ni un instante.

Para los que no disfrutasteis de su paso por España os recomendamos el DVD que acaba de salir a la venta LIVE: BESIDE YOU IN TIME, y el próximo proyecto de NIN: Zero Years, que está a punto de publicarse.

::Pablo Rodríguez::

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ANDY RECOMIENDA...

UN TRANVÍA LLAMADO DESEO  

Siempre he creído en la bondad de los extraños…

Frase que siempre recordaré tras haber visto Un tranvía llamado deseo de Elia Kazan. 

Elia Kazanjoglous, nace el 7 de septiembre de 1909 en Estambul.Su familia debe emigrar a Estados Unidos, ya que en su país de origen, el conflicto con los turcos era demasiado peligroso.Su padre George abre allí un negocio de alfombras y el joven Elia, acostumbrado a no poder salir de su casa por los ya mencionados conflictos, prefiere pasar el tiempo leyendo en su habitación bajo la supervisión de su madre, Athena.

Comienza a estudiar en el William Collage, hasta que el crac del 29, arruina a su familia y debe compaginar sus trabajos de camarero y friega platos, con sus estudios. Una vez finalizados se inscribe en el Yale Drama School, donde gana experiencia como actor, director, con producción, con los decorados, iluminación… 

En 1932 se casa con Molly Day Thatcher, con ella será padre de cuatro hijos: Judy, Chris, Nick y Katy. Tras su enviudez volvió a rehacer su vida con la actriz y directora Barbara Loden.  

En 1938 viaja a Hollywood donde consigue un papel como actor junto a James Cagney en la película "City for Conquest”. Tras unas malas críticas y como descubrió que tenía aptitudes para ser director de cine, regresa a Broadway, donde obtendrá unas cuantas obras de éxito, que le permitirán en 1944 rodar su primera película profesional. En 1947 funda el Actor´s Studio junto a Cheryl Crawford y Robert Lewis.


El éxito más rotundo lo obtiene ese mismo año con la obra de teatro "Un tranvía llamado deseo", en ella emplea a actores que aprendían en sus clases del Actor´ s Studio como Marlon Brando. En 1934 se afilia al partido comunista, y aunque lo dejó dos años mas tarde, fue convocado en 1952 por la Comisión de Actividades Antiamericanas presidida por le senador Joseph McCarthy. Kazan, reconoce haber militado durante 19 meses en el Partido Comunista Americano, cuando se le pidieron los nombres de otros integrantes, Kazan se niega a dar más información.

Tras esta primera declaración Elia Kazan será sometido a fuertes presiones tanto por la industria cinematográfica como por el Estado y ser amenazado con ir a la cárcel por desacato al congreso. Son unos meses mas tarde, cuando él mismo pide una segunda comparecencia, donde delata a 15 de sus camaradas, entre los que se encuentra el actor John Garfield (El cartero siempre llama dos veces), que fallecería de un ataque al corazón, provocado por tanta presión. Muchos de los componentes de la famosa “Lista negra” son incapaces de encontrar trabajo, teniendo que recurrir a pseudónimos para poder vender sus guiones. De hecho uno de ellos obtuvo el Oscar a mejor guión original, pero evidentemente, nadie fue a recogerlo. Esta situación finalizaría cuando en 1960, John F. Kennedy es nombrado presidente.  

Nunca se arrepintió de lo que había hecho, defendía sus actos alegando que el estalinismo amenazaba con envenenar el mundo del espectáculo americano, tanto en Broadway como en Hollywood.Este hecho le persiguió durante toda su vida, destaca cuando en 1999 fue a recoger el tan merecido Oscar honorífico, y la mitad del teatro decidió no aplaudirle.  

Un tranvía llamado deseo obtuvo 4 Oscars de los 9 a los que estaba nominado.Por mejor actriz (Vivien Leigh), actor secundario (Karl Malden), actriz secundaria (Kim Hunter) y dirección artística. Esta obra teatral, fue escrita por Tennessee Williams. 

Brando está sublime, como con un gesto suyo, o una mirada provocan el miedo y el odio hacia el violento Stanley. Vivien Leigh, nos vuelve a transportar (como ya hizo en Lo que le viento se llevó) a la vida de una mujer sureña, que bien podía ser la continuación de la vida de Scarlett O'Hara.Blanche resulta ser una presa fácil para el rudo Stanley.Un tranvía llamado deseo fue llevada a la gran pantalla con todos los personajes de Broadway menos con Blanche. Elia Kazan afirmó sobre Vivien:

"Era capaz de arrastrarse sobre un suelo de cristales rotos con tal de dar vida a su personaje...Nadie como Viv podía sentir dolor y nostalgia por un mundo perdido. Personalmente creo que nunca estuvo mejor, aunque le costó mucho aceptar el sistema de trabajo, debido a la influencia por lo aprendido con Olivier, pero en cuanto lo hizo todo marchó sobre ruedas y aunque en principio pensé que carecía de talento, debo reconocer que nunca estuvo mejor" .

Su marido, Lawrence Olivier, relató en sus memorias la gran influencia que causó este personaje en Vivien. “Había noches en que se levantaba totalmente cargada de calmantes y recitaba una y otra vez su monologo entre gritos y sollozos”   

Sinopsis 

Blache Dubois (Vivien Leigh), una mujer anclada en el pasado y obsesionada con la juventud, viaja a Nueva Orleans a visitar a su hermana Stella (Kim Hunter) y su marido Stanley Kowalski (Marlon Brando). Blanche, trastornada por su matrimonio fracasado debido a la homosexualidad de su marido, decide escudarse junto a su hermana y huir de los rumores.

La violencia psicológica a la que Stanley somete a Blanche cada vez es más notable, la tensión va creciendo por minutos. Su actitud tan arrogante hará que surjan problemas entre Stella y su marido, y que a ella le lleve hasta la locura.    

FICHA TÉCNICA:  

Dirección: Elia Kazan 

Guión: Tennessee Williams 

Fotografía: Harry Strandly 

Música: Alex North 

Intérpretes: Vivien Leigh, Marlon Brando, Kim Hunter, Kart Malden, Rudy Bond, Nick Dennos, Peg Hillias, Richard Garrick, Ann Dere    

::Andrea Cabrero:: 

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MONOGRÁFICO DAVID BOWIE. CAPITULO FINAL

BOWIE

Segunda parte del monográfico de David Bowie, si no habéis leído la primera sólo tenéis que pinchar aquí

Su distanciamiento y escenificación teatral, hacía preguntarse donde se acababa su personaje. El critico Tom Carson afirmaba: “Bowie prefiere tratar los sentimientos como tecnología y la tecnología como sentimientos.”

En 1971 sale a la venta sin apenas éxito (en aquel momento), Hunky Dory, con un tema dedicado a Bob Dylan (Life on Mars), su primer trabajo para la RCA.

En 1972 lanza el album The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.

Se reinventó y se vendía como un extraterrestre bisexual llegado de otro mundo que había sido destruido por el fanatismo que el mismo había inducido. Se bautizaría como Ziggy Stardust (su alter ego), que se creía el Mesías. Este hecho esta inspirado en el roquero Vince Taylor, quien un día, colocado por las drogas, despidió a todo su quipo y dijo que era el Mesías.

Se vestía con plumas, maquillaje, lentejuelas…

Aladdin Sane (1973) le llevaría a ser alabado tanto por el público como para la crítica.A finales d el mismo año Ziggy desaparecía para no regresar nunca más.

En Pin-ups (1973), quiso hacer un homenaje a grupos de los 60 a los admiraba, haciendo versiones de temas como “I’ can´t explain”, “Anyway, anyhow, anywhere” (The Who), “Everything allright” (The Mojos), “Where have all the good times gone” (The Kinks), “Friday on my mind” (The Easybeats), “Let's spend the night together” (The Rolling Stones), “See Emily Play” (Pink Floyd).

Interesado por el teatro se inscribe en Troupe de Lindsay Kemp, en el que permanece casi 2 años, hasta que decide formar su propia compañía “Feathers”.

Mas tarde llega Diamond dogs, inspirado en el libro de George Orwell, “1984”. La portada fue censurada ya que aparecía Bowie transformado en perro (Con todo lo que un perro macho posee).

Young Americans se publica en 1975 y alcanza el numero uno en Estados Unidos con el tema Fame, compuesto por el propio Bowie y John Lenon.

David empieza a sentirse abrumado por el éxito y deja verse menos, su matrimonio estaba fracasando y además tenía una dependencia total con las drogas.

Llegó a afirmar su simpatía hacia el nazismo, hecho que mas tarde atribuía a las drogas.

Empezó a temer llegar a la locura como le sucedió a su hermano Ferry, que años mas tarde se suicidaría.

Abandonó su casa en Bail Air para instalarse en Berlín, donde grabaría Berlin Trilogy, con el ex Roxy Music, Brian Eno.

Está compuesto por tres álbumes, Low (1977) colaborando con Iggy Pop, Heros (1977), inspirada en el muro de Berlín, y Lodger (1979).

Con Scary Monster (1980) se despide de los 70 y todo lo que conlleva. La canción Ashes to ashes, es una despedida del Mayor Tom (do you remember a guy that's been, in such an early song, i heard a rumour from ground control, oh no, don't say it's true)

En la década de los 90, su vida personal fue mas tranquila, contrajo matrimonio con la modelo somalí, Iman (The wedding song, del disco Black Tie White Noise, fue un pequeño homenaje), con la que tiene una hija, Alexandria.

Ha colaborado con diversos músicos como Queen (Ander Pressure) Mick Jager (Dancing in the street), Placebo (Without you i’m nothing), Lou Reed (Walk on the wild side).

Pero no solo se ha limitado a la música, sino que ha participado en películas como The Man Who Fell to Earth de Nicolas Roeg, Feliz Navidad, Mr Lawrence de Nagisa Oshima, Dentro del laberinto de Jim Henson, La última tentación de Cristo de Martin Scorsese, Twin Peaks: Fuego camina conmigo del genial David Lynch, y mas actual Glastonbury de Julien Tempe y El truco final, de Christopher Notan.



David Bowie, no se equivocaba diciendo que el siglo XXI había empezado en 1972. Un genio con mayúsculas.

::Andrea Cabrero:

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TENERIFE Y MÁLAGA SON LAS CIUDADES ELEGIDAS

Nick Cave en España  

El artista australiano publica el 5 de marzo nuevo álbum

Nick Cave llega a España. El día 21 de abril actuará en el Spring Festival de Tenerife (Auditorio Municipal) y el 22 en el Spring Festival de Málaga (Teatro Cervantes). Dos conciertos del emblemático artista australiano siempre son una buena noticia para los aficionados a la música y su anuncio coincide con la publicación el 5 de marzo del álbum de su nuevo grupo Grinderman. Nick Cave y algunos músicos de The Bad Seeds (Warren Ellis, Martyn Casey y Jim Sclavunos) se encerraron en 2006 en varios estudios de Londres para crear Grinderman, una nueva banda, y grabar un disco con el mismo nombre. “La intención era hacer algo realmente abierto y liberador”, dice Warren Ellis. “Fuimos por sitios por los que normalmente no iríamos... y luego intentamos llegar incluso más allá”. Y Nick Cave continúa: “El nombre parece encajar con la banda [Grinderman = Hombre trituradora]. Resume el tipo de música que hacemos. Trituramos”. 

La grabación del álbum Grinderman duró seis días. “Si hubiésemos tenido más de una semana no habríamos sabido qué hacer. Quería estar con una banda sin las preocupaciones y presiones de The Bad Seeds. Nuestro último disco había ido muy bien y sentía que era el momento de ser libre y natural”. Y grabaron canciones en una sola toma, comenzaron otra con el sonido de una máquina de escribir, trabajaron sobre los feedbacks de las guitarras y controlaron el caos con la ayuda del productor Nick Launay, que había estado en los dos últimos discos de The Bad Seeds. “No queríamos ningún obstáculo entre el sonido de la banda y la producción y Launay era perfecto”, afirma Ellis. Y Nick Cave resume el espíritu de Grinderman: “Elaborar la cualidad de lo básico”. 

La actividad de Nick Cave parece frenética en los últimos tiempos. Además de su gira y de la edición de Grinderman el 5 de marzo, el pasado 29 de enero publicó junto a The Bad Seeds el doble DVD The Abattoir Blues Tour, con varias canciones de su Disco de Oro Abbatoir Blues/The Lyre of Orpheus y una selección de temas clásicos de la banda. El primer DVD está grabado en noviembre de 2004 en la Brixton Academy de Londres y el segundo en junio de 2003 en el Hammersmith Apollo durante la gira Nocturama. Sin duda un buen adelanto que nos prepara para el lanzamiento de Grinderman, el debut de su nueva banda homónima, y para sus conciertos del 21 y 22 de abril en Tenerife y Málaga.  

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DISCO FUNDAMENTAL PARA ENTENDER EL JAZZ

SONNY ROLLINS ("Tenor Madness", 1956) 

Duelo o, más bien, encuentro en la cumbre. El único del que haya constancia discográfica entre Sonny Rollins y John Coltrane. Doce minutos de éxtasis, ¿para qué tres tenores operísticos decadentes cuando una pareja puede formar semejante huracán?

El consolidado Rollins, en el mismo año en que graba "Saxophone Colossus", la que muchos tenemos por su obra maestra absoluta, y el emergente Coltrane se emplean a fondo sobre una composición del primero. "Tenor Madness" (el tema) es un bruñido manantial de propuestas, senderos melódicos, convergencias, duelos al sol. Algo así como un tercio de quites de los de antaño entre dos matadores picados: Rollins provoca por gaoneras, Coltrane se ciñe a la verónica, Rollins por chicuelinas frontales sin alivio, Coltrane en una sinfonía de galleos y recortes garbosos... el acabóse de la tauromaquia saxual (que diría Paquito D'Rivera). 

Es legítimo entender que "Tenor Madness" (el LP), como proyecto conceptual acusa desequilibrio. No en el contexto de aquel tiempo, sí décadas después, cuando el mito de Coltrane se ha agigantado hasta comerse, a veces injustamente, lo que hacían otros artistas aledaños. Lo que sucede al órdago de apertura no es relleno, pueden estar seguros. Arropado por Red Garland (piano), Philly Joe Jones (percusión) y Paul Chambers (contrabajo), Rollins es elegante, nocturno y muy sobrio ("When Your Lover Has Gone"). Rollins se divierte, extrovertido y melódicamente preciso ("Paul's Pal"). Rollins deslumbra con un maravilloso cuadro impresionista ("My Reverie"). Y Rollins se pone el traje de etiqueta y explica lo que es el swing ("Most Beautiful Girl in the World").

::Alfonso García , Loft Área::

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GALERÍA ESPACIO MÍNIMO (MADRID)

IAN BURNS

The End, el Fin de las películas es el título de la primera exposición individual en España, en la galería Espacio Mínimo, del artista australiano residente en New York IAN BUNS cuyo primer trabajo en nuestro país ha podido verse en el stand de la misma galería en la reciente última edición de ARCO.Podréis ver la exposición a partir del 7 de Marzo. 

No es casual la elección del título de la exposición, ni su evocación cinematográfica, ya que gran parte de las piezas que la componen, sobre todo las tituladas Off Season y On Screen, buscan ridiculizar la explotación de efectos cinematográficos preestablecidos en gran parte del vídeo-arte contemporáneo, esos trucos que se asocian con superproducciones en las que algunos artistas realizan narrativas nebulosas, misteriosas o abstractas fijándose en rituales chamanistas  o realizando personales reinterpretaciones de personajes o situaciones actuales o históricas. 

El trabajo de IAN BUNS huye de esos clichés y busca las raíces cinematográficas sin grandes presupuestos técnicos y mediante la utilización de un método escultórico totalmente alejado del buen diseño que caracteriza cada vez más a la escultura contemporánea. Son obras de una falsa sofisticación técnica en las que todos los elementos están a la vista. El artista mezcla con ingenio materiales de baja calidad –rústicos tablones de madera, ventiladores, cables, filtros de colores de celofán… con atrezzo de alta tecnología como pantallas de plasma, monitores, proyectores, cámaras de vigilancia en miniatura… para extraer, de ese aparente pero organizado caos, unas obras -extrañas vídeo-hibridaciones- que funcionan como un reality show entreteniendo al observador con un humor impactante y poniendo en tela de juicio la validez y la verosimilitud de las imágenes y de nuestra percepción de las mismas.  

IAN BUNS (Australia, 1964), se licenció en Ingeniería en Swinburne University en Melburne (Australia) y en Bellas Artes en la Universidad de Newcastle (Australia) y es Master en Bellas Artes en Hunter College of CUNY, New York. Ha expuesto individualmente en importantes galerías –Spencer Brownstone, New York, Hilger Contemporary, Viena…- y museos –Newcastle Region Art Museum, Australia, University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa…- y en destacadas exposiciones colectivas como Light, Sound, Art & Sccience en Miami Museum of Science (2004), Between Interconnectedness, Smack Mellon, Blrooklyn, NY (2004). Greater New York, PS1 Museum of Contemporary Art, New York (2005), Torino Triennale Tremusei, Castello di Rivoli, Turín (2005), Now Voyager, Islip Art Museum, Islip, NY (2006), New York State of Mind, Haus der Kulturen der Welt, Berlín (2007)….

::MENTES-INQUIETAS::

NUEVAS CONFIRMACIONES FIB´07

MUSE, MICAH P.HINSON Y MANDO DIAO, ENTRE OTROS

Los británicos Muse con su reciente ‘Black Holes and Revelations' (Warner, 2006) estarán en la próxima edición de Beniccasim confirmando en esta segunda tirada de grupos que estarán en el FIB la gran edición 2007 que se nos presenta.A los ocho nombres que nos confirmaran hace una semana desde la organización del festival que podéis ver aquí, hay que añadir a los siguientes artistas:

El bostoniano Armand Van Helden, productor y DJ a caballo entre el house y el breakbeat y padre de hits incontestables como ‘U Don´t Know Me'.

La banda del prodigioso Conor Oberst, Bright Eyes que darán buena cuenta de su reciente ‘Cassadaga' (Saddle Creek, 2007).

Desde Tucson, Burns y Convertino o lo que es lo mismo, Calexico. Los antaño subalternos de Howe Gelb en Giant Sand y ahora poseedores de una de las discografías más robustas y directo más solvente del panorama norteamericano de rock con raíces.

Herman Düne, ciudadanos del mundo y aclamados con su álbum ‘Not on Top'. Del homenaje a Van Morrison, pasando por Sebadoh y Jonathan Richman.

El demoledor trío londinense Klaxons que han sorprendido a propios y extraños con su primer álbum, ‘Myths of Near Future' (Geffen, 2007), y sus incendiarios directos.

Más guitarras suecas con Mando Diao, una de las bandas más reclamadas por los asistentes al Festival.

Microhouse, minimal techno y pop se dan la mano en la propuesta de Matthew Dear Live & Band, uno de los nombres pujantes de la música de baile norteamericana.

Micah P. Hinson es otro de los más importantes rockeros norteamericanos actuales que bucean en la música popular y sacan pólvora del legado de Dylan, Seeger, Guthrie, e incluso Josh White.

Pero aquí no terminan las sorpresas. Por primera vez en España, los brasileños Os Mutantes. Entre Caetano Veloso y Syd Barrett se desenvuelve la banda de rock que más gloria ha proporcionado al país de la Bossa. ‘Panis et Circenses', ‘A Minha Menina' o ‘Bat Macumba' son palabras mayores.

Peter, Bjorn and John, que como buenos suecos construyen melodías pop imperecederas, llenas de vida, musicadas con lo justo y arregladas con mucho estilo.

También desde Suecia, pero vía Francia nos llegan las canciones de Peter Von Poehl que condensa en ‘Going where the tea trees are' décadas de pop europeo -desde Donovan, pasando The Korgis- y oníricos arreglos propios del mismísimo Van Dyke Parks de ‘Song Cycle' o del Nilsson de ‘Pandemonium Shadow Show'.

Simian Mobile Disco o SMD, a Benicàssim desde Londres y en riguroso directo para hacernos bailar hasta la extenuación. No os podéis perder a unos tíos que mencionan entre sus influencias a DAF, Black Sabath, Nina Simone y Can.

Two Lone Swordsmen, una de las propuestas más interesantes de la música electrónica británica amparados en Warp y dirigidos por Andrew Weatherall, que cuenta entre sus muchas coronas con la de haber parido junto a Primal Scream el clásico básico ‘Screamadelica'.

::MENTES-INQUIETAS::

CINE EN MÁLAGA

X EDICIÓN FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA 
El Festival estrena más de noventa títulos y homenajea a Carmen Maura,  Alfredo Landa, Bigas Luna y Emiliano Otegui.
  
El Festival de Málaga, que se celebrará entre el 9 y 17 de marzo, contará con una importante participación de nuevos realizadores en la sección oficial a competición. Además, en el año del décimo aniversario, el certamen homenajeará a figuras claves de la historia de todas las generaciones del cine español.  
El Festival se expande y se desarrolla en nuevos espacios como la Plaza de la Merced, donde se desarrollará Zona Zine, el territorio más ecléctico del certamen. Salomón Castiel, director del certamen, considera el Festival de Málaga como “espejo de futuro del cine español”.   
ZonaZine incluirá 7 largometrajes de los cuales 4 son Óperas Primas  -uno fuera de competición- y 25 cortometrajes a concurso. ZonaClips ofrecerá, en su segunda edición, concurso de 25 video-clips nacionales.  
Los largometrajes que forman ZonaZine son: Entre islas de Miguel Ángel Cárcano; Amigos de Jesús de Antonio Muñoz de Mesa; Shevernatze, un ángel corrupto de Pablo Palazón; Villa tranquila de Jesús Mora; No digas nada de Felipe Jiménez Luna; El Barón contra los demonios de Ricardo Ribelles. Manolín, de Manuel Valencia (Fuera de competición). 
 

La sección oficial a concurso de Documentales incluirá un total de 18 documentales seleccionados entre los 250 trabajos presentados (100 más que el año pasado), lo que demuestra el buen momento que vive este género, en el que el Festival confió desde la primera edición. La representación documental en el festival cuenta con la mejor producción española y latina que refleja temáticas totalmente actuales. 

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BRIT-POP MADE IN SPAIN

SEINE

Seine son de Madrid y a pesar de su insultante juventud les avalan más de 60 conciertos , entre ellos en  dos festivales Europeos. Un aluvión de críticas favorables  les encumbran como el mejor grupo de brit-rock de nuestro país.Su segundo álbum "Lovers never lose" , se publica  26 de Marzo.  

Pincha aquí para escuchar un adelanto en versión maqueta de su canción  Dreaming of the Picadilly Line.

Seine se formó en las calles de Madrid una fría noche de Noviembre de 2003, cuando Nacho y Ezequiel, después de intercambiarse unas cuantas miradas furtivas, se dijeron sus primeras palabras. Como cuenta la leyenda, éstas fueron: "Quiero montar una banda contigo".  

El verano no fue una excepción en su meteórica carrera, con presencia en importantes festivales sin tener un elepé publicado (Contempopranea, Lemonpop, Easypop...). Give Me a Break fue también sintonía de un spot de la compañía de telefonía Jazztel  En septiembre, publicaron su segundo single, Out of Work, confirmando que Seine eran una de las propuestas más vibrantes de la escena musical española, no siempre acostumbrada a grupos decididos a hacer las cosas a su manera y que hacen de la provocación y la libertad estética y artística su verdadero leitmotiv. Esta primera etapa de la banda culminó el 30 de septiembre de 2005 con un concierto sold out en El Sol, con más de 400 personas en el público. 

Finalmente, el 14 de noviembre salió a la venta The Voice of the Youth, el elepé de debut de Seine. En total, fueron 14 canciones urgentes, rápidas, pasionales y ensoñadoras de rock'n'roll. Además de los los singles publicados hasta esa fecha, el disco contenía clásicos como Lovely Smile, Questions o The Midfielder #14. Con su presencia en las listas de lo mejor del año de programas como Diario Pop o Disco Grande y embarcados en una gira por todo el territorio nacional (la banda ha ofrecido ya más de 60 conciertos), el año no pudo acabar mejor para Seine. 

Ahora nos traen este nuevo álbum para constatar su éxito.

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ALBUM DEBUT DE PRESIDENTE

PRESIDENTE 

El panorama rock nacional necesitaba un grupo como Presidente. No tan sólo por sus canciones, efusivos y descarnados disparos de rock ágil, directo, emocional y contagioso, sino también por la franqueza y claridad con la que se expresa esta banda afincada en Sabadell (Barcelona) que ahora, y tras haber rodado sus maquetas por conciertos en toda Cataluña, por fin puede presentarse al gran público con un primer disco, llamado La venganza de las chicas asesinas, que en un mundo justo tendría que interesar a todos los amantes del buen rock hecho en nuestro país.  

Presidente ya nace con la particularidad de ser el proyecto soñado y perseguido por John Caballés, un chaval de 29 años que ya tenía interés y pasión por el rock antes incluso de afeitarse. Y es que si bien él se encarga de la composición de las canciones, de la producción y, en general, de dar la cara y liderar el proyecto, también es cierto que sus amigos y colaboradores (Dani Boada, bajista, Betel M. Daura, batería, y Martí, guitarrista), ese séquito de gente que muchas veces algunos artistas no quieren denominar banda por sobredosis de ego, resultan indispensables en la idea que Caballés tiene de Presidente, tanto en el estudio como encima de un escenario, el gran hábitat natural de la formación.  

El álbum sale de 13 de Marzo, pero aquí en MENTES-INQUIETAS intentaremos desgranarlo para vosotros, canción a canción, mucho antes.

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JULES VALLÉS

EL BACHILLER

El joven Jacques, bachiller, busca alojamiento y trabajo en París. Sus pasos le conducen a los cuchitriles más baratos y miserables, a las tabernas populares y a las freidurías. Se emplea como profesor en colegios donde le pagan mal o no le pagan, imparte clases privadas a mujeres casadas y a los hermanos pequeños de jóvenes que desean practicar boxeo, es despedido de los talleres y de las fábricas. Escribe sus primeros artículos en revistas comerciales y frecuenta las redacciones de los periódicos. Entretanto, participa en las conspiraciones contra el régimen autocrático y policial de Napoleón III.

Autorretrato cómico y ácido de un joven contestatario, El bachiller es al mismo tiempo la autopsia de una sociedad reaccionaria, profundamente injusta, cuyas tensiones acabarían por manifestarse años después, en 1871, en la revolución de la Comuna de París. Esta novela fue publicada en libro por primera vez en 1881. Segundo volumen de su famosa trilogía autobiográfica, con El bachiller Jules Vallès confirmó ante los lectores el talento literario desplegado en El niño.

 

El autor


Jules Vallès nació en 1832 en Le-Puy-en-Velay, pequeña ciudad de Haute-Loire, en el centro de Francia. Su padre era profesor y su madre ama de casa. Alumno brillante, continuó estudios en París, donde hacia 1850 entró en contacto con medios literarios, periodísticos y políticos de la contestación contra el régimen imperial.

Encarcelado en ocasiones por sus ideas, fue condenado a muerte en 1872 en rebeldía, tras la caída de la Comuna de París. Durante su difícil exilio en Londres comenzó a escribir El niño, El bachiller y El insurrecto, novelas que juntas conforman la trilogía de Jacques Vingtras, por el nombre de su protagonista.

De regreso en París tras la amnistía de 1879, conoció el éxito literario. Falleció en 1885 a causa de la diabetes. A su entierro en el cementerio parisino del Père Lachaise acudieron decenas de miles de personas.

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MUSEO DA2 -SALAMANCA-

Franz Ackermann 

9 de Febrero- 8 de Abril de 2007 

Franz Ackermann es uno de los artistas alemanes de mayor proyección internacional y uno de los grandes renovadores del lenguaje pictórico en la última década.

Finalista del prestigioso Hugo Boss Prize en 2004, sus grandes instalaciones pictóricas se han mostrado en museos de todo el mundo como el Museum of Contemproray Art, Chicago, Kunsthalle de Basel, Bienal de Venecia, Bienal de Sao Paulo, Bienal de Arte Contemporáneo de Lyon, Palais de Tokio, París, Irish Museum of Modern Art de Dublín, Kestnergesellschaft Hannover, etc 

Ackermann ha hecho del viaje el proceso y  tema de todo su trabajo. El artista juega esencialmente a partir de dos escalas, una muy grande y una muy pequeña. Las obras de pequeño formato, de bolsillo, de viaje, llamadas Mental Maps, son mapas muy personales, con un aspecto vagamente orgánico que el artista recopila en cuanto llega a una nueva ciudad, y que caben fácilmente en una maleta; en cambio, en su estudio de Berlín, el artista se dedica a las Evasiones, cuadros gigantescos que presentan una explosión cromática casi sicodélica y una perspectiva inestable, que produce un sorprendente efecto de desviación de la realidad. 

En su exposición para el DA2 de Salamanca Franz Ackermann presentará dos nuevas instalaciones pictóricas realizadas en 2006, Home, Home Again y 23 Ghost  creada específicamente para los espacios del DA2 de Salamanca y el Kestnergesellschaft de Hannover.  

En la sala VI se presenta la instalación Home, Home Again (Por fin en casa) realizada por el artista este mismo año. El título proviene de una canción  de Pink Floyd y aborda la cuestión del significado del hogar y de la patria. Junto a esa referencia descubrimos formas y motivos que estallan como si fueran formas destructivas apocalípticas: una nave en llamas, un avión estrellado, unos edifición estallando en mil pedazos... En la obra de suelo se ha instalado una conducción de agua con un bidón para llenarlo de agua potable como una metáfora del elemento esencial para la supervivencia en una situación de catástrofe. Los cuadros, de gran formato, colgados muy cerca uno de otro, forman un panorama continuo, en el que los distintos lugares se funden en un todo. 

La instalación multimedia  23 Gespenster (23 Fantasmas), creada específicamente para la sala de la “antigua cárcel” del DA2. Franz Ackermann aborda la actual problemática de los refugiados africanos que han abandonado su tierra para buscar protección de la opresión y la persecución  en Europa como los que en los últimos meses han desembarcado con precarias pateras en las Islas Canarias y otros lugares turísticos del Mediterráneo. Esto pone en conexión esta obra con uno de los temas consustanciales al trabajo de Ackermann: el turismo entre el primer y el tercer mundo con todas sus paradojas y contradicciones. 

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UNFINISHED SIMPATHY

THE UNFINISHED SYMPATHY

 

“WE PUSH YOU PULL”

 Alguien que fue el descubridor de grupos como Pink Floyd, T. Rex, New  Order, The Smiths, Pulp o White Stripes probablemente no estaba equivocado del todo. 

Ese hombre, John Peel (Heswall, Liverpool (UK), 1939- 2004), Dj en la BBC 1 de Londres durante cinco décadas, fue, precisamente, quien descubrió a The Unfinished Sympathy en verano de 2001, justo cuando se acababa de publicar su disco de debut de manos del prestigioso sello barcelonés BCore.  

Les invitó a realizar una de sus sesiones, las míticas Peel Sessions en 2001 y otra segunda sesión en 2003, siendo el único grupo del estado, y el primero, en alcanzar tal categoría, sólo reservada a unos pocos grupos internacionales.  

Ahora The Unfinished Sympathy nos presenta su cuarto disco, "We push  you pull", después de 5 giras europeas a sus espaldas en el circuito  underground y tres álbumes situados en las primeras posiciones de las  listas anuales de la prensa especializada. Un nuevo disco, el más elaborado, complejo, y a la vez desbordante de energía y frescura de su carrera, que ha introducido en su tradicional sonido de indie rock de guitarras, de raíz post-hardcore, un sinfín de elementos de la música pop, especialmente la música negra, el R'N'B o el funk, en un hecho insólito en los grupos de la escena underground internacional, una fusión absolutamente nueva y a la vez coherente con la personalidad del grupo.  

Una personalidad que en sus anteriores álbumes "The unfinished sympathy" (2001),  "An investment in logistics" (2003) y "Rock for  food" (2004) ya se había mostrado con luz propia, la de un grupo que ha conseguido llegar a un punto de libertad creativa y estilo propio como solamente pasa con los grandes grupos de renombre internacional.  No son norteamericanos ni ingleses, son de Barcelona y probablemente sean uno de los grupos de rock independiente más interesantes que haya nacido (en nuestras fronteras) en años.

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NODOBY & MYSTIC CHORDS OF MEMORY

NOBODY & MYSTIC CHORDS OF MEMORY 

Desde L.A. llegan Nobody & Mystic Chords Of Memory, toda una provocación al relax y la quietud de la vorágine diaria. El grupo lo forman Christopher Gunst, Jennifer Cohen y Elvin Estela, tres mentes inquietas de pro.

Christopher Gunst fue inscribiendo con sus proyectos anteriores la continuación de la historia del rock, en compañía de Neutral Milk Hotel, Olivia Tremor Control o The High Llamas (los heredores de Brian Wilson de azotea más perjudicada). 

Tras la disolución de su última superbanda Beachwood Sparks (autores de tres maravillosos álbumes, pastorales y cósmicos) y una intensa gira americana que agotó sus fuerzas, decidió exiliarse a Santa Cruz y desenchufar los amplificadores, lejos de los desquiciantes ecos y el tedio de la rutina promocional.

Junto con su colega Jennifer Cohen (líder de los saltarines y poppies The Aisler’s Set), descubrió una forma de componer, totalmente integrada en su nueva y apaciguada vida, fuera del estrés de los estudios, los escenarios y los camerinos. Así, lógica y paulatinamente, nació entre el silencio y bajo el sol de California, Mystic Chords Of Memory, que tomó su nombre de una cita de Abraham Lincoln de 1861, grabada para la eternidad en la roca del Monte Rushmore y que habla de la música como una memoria transferible, una fantasía universal que se difunde a través del tiempo gracias a la imaginación.


Otro amigo se apuntó a estas tardes de farniente altamente creativo, Elvin Estela, más conocido como Nobody, también cerebro inquieto de cultura musical insondable y creador desde Los Ángeles  de varios álbumes de electro-jazz para Plug Research o Ubiquity, y colaborador de The Postal Service o The Mars Volta.Y Nobody les confeccionó amorosamente una amplia panoplia de beats estivales, samples vegetales y scratches aterciopelados.

Resultado: el mágico y balsámico “Tree Colored See”, adictiva mezcla de downtempo bucólico, folk efervescente y sunshine pop introspectivo, que anuncia la vuelta a los dorados tiempos de la psicodelia, la cual es, en definitiva, una forma de posmodernidad exacerbada (y aquí vaticinamos un inminente e inevitable revival). Con los pies en un mullido césped y la cabeza entre algodonosas nubes, parece que este trío haya encontrado, tal y como lo dice el cuento infantil, el lugar en el que se esconden las semillas del árbol del que sale el arco iris (que no es otra cosa que tu lector de cd).

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