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REVISTA DIGITAL MENTES-INQUIETAS

ARTE

santralistambul, el nuevo museo de arte contemporáneo de Estambul, realiza un recorrido por la Colección MUSAC

Proyecto: Un viaje interpersonal.

Lugar: santralistambul, Estambul, Turquía

Fechas: 11 de julio – 30 de julio, 2007

santralistambul, el nuevo museo de arte contemporáneo en Estambul, realizará una pre-inauguración oficial con tres exposiciones sobre los fondos videográficos de las colecciones Georges Pompidou (Paris, Francia), ZKM (Karlsruhe, Alemania) y MUSAC, que con Un viaje interpersonal, lleva a la vieja Constantinopla el próximo 11 de julio obras de Ana Laura Aláez, Shoja Azari, Patty Chang, Carles Congost, Jon Mikel Euba, Dora García, Pierre Huyghe, Jesper Just, Kimsooja, Shirin Neshat, Tony Oursler, Pipilotti Rist, Markus Schinwald y Fiona Tan.

santralistambul es un gran proyecto cultural que recoge la transformación de Silahtaraga (1934), la primera central eléctrica del Imperio Otomano, en un Museo de Arte Contemporáneo, un Museo de la Energía y un Centro educativo y cultural. En este sentido, Santral, actuará como vivero de más de 1.000 jóvenes talentos, creadores e investigadores a través de residencias convocadas cada año. Por otro lado, se apuesta especialmente por la creación de una imponente biblioteca, instalada en dos grandes espacios. La reconversión, asimismo contribuye al desarrollo económico y social a través del potencial creativo y transformador de las artes y la educación. La institución depende de la Universidad Bilgi de Estambul (BILGI), y de patrocinadores locales, regionales e internacionales.

Un viaje interpersonal

Un viaje interpersonal es la exposición con la que MUSAC presenta una selección de vídeo de su Colección para la pre-inauguración del nuevo museo de arte contemporáneo santralistambul (Estambul, Turquía). La muestra pretende, en primer lugar, revelar la riqueza de formatos en los que se ha venido desarrollando en los últimos años el mundo del vídeo, de lo que la nueva Colección de la institución española ha querido hacerse eco desde sus mismos preceptos fundacionales. Desde vídeo-instalaciones que incluyen objetos, pasando por multi-proyecciones o esculturas que utilizan el vídeo, una selección de 14 piezas de artistas de reconocido prestigio internacional harán sentirse más cercano al espectador a un medio que es ya un clásico dentro de los parámetros artísticos.

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EXPOSICIÓN GALERÍA RAFAEL ORTIZ (SEVILLA)

GUILLERMO PÉREZ VILLALTA

Os presentamos la obra de Guillermo Pérez, expuesta hasta el 21 de Julio en la Galería Rafael Ortiz de Sevilla. Obras de pensamiento sin alardes.

“Procesos 2003-2006”

Cuando el espectador contempla el cuadro no hace otra cosa que ver los recuerdos acumulados en el viaje del pensamiento artístico. Es en este periplo donde verdaderamente se gesta el artista. Es este lugar mezcla de laboratorio, archivo, factoría y lugar de muchas horas solitarias, el otro envoltorio de la cabeza del artista.

El dibujo quizás sea mi quehacer artístico preferido. En estos tiempos bajos para la pintura los agoreros no han logrado eliminar un ápice de esa fascinación. La aparatosa tecnología no ha podido deslumbrarnos ante la desarmante sencillez del dibujo.

 

Aquí muestro un corpus extenso de ello por primera vez. Vuelvo a insistir: no son bocetos, son obra en sí misma. Nacidas casi todas de una idea previa pero que fueron desarrollándose, apareciendo ante mis ojos, en un proceso en que pensamiento y creación eran simultáneos.

 

 

Con estas obras quisiera que el espectador viera un poco de lo que para mí significaron: el momento de descubrir e imaginar y ver puertas que se abrían a caminos.

 

 

Nunca han sido vanos divertimentos sino el ir plantando, en ese mundo cerrado y solitario del estudio, macetas que esperan con impaciencia ver florecer. Muchas se quedaron en intentos, otras dieron sus frutos y algunas se quedarán en deseos no realizados.

 

 

Ya lo he dicho: No da tiempo para hacer todo aquello que se imagina

 

 

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NUEVA EXPOSICIÓN EN EL REINA SOFÍA (MADRID)

AMY CUTLER

Amy Cutler (Poughkeepsie, Nueva York, 1974) ha venido presentando en el transcurso de la última década un singular trabajo plasmado en dibujos y acuarelas de minuciosa factura, recreando un sugestivo universo habitado por mujeres, en el que planea en clave alegórica, surreal y feminista cierta idea fundacional de un nuevo mundo. La inesperada tensión narrativa que se desprende de sus dibujos llamó enseguida la atención de la crítica especializada, seleccionándola para participar en relevantes exposiciones, como la Bienal de Whitney de 2004, Greater New York en el PS1/MoMA en 2005, y a ser incluida en importantes colecciones, como las del Hammer Museum de UCLA; Walter Art Center de Minneapolis; Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art y New Museum of Contemporary Art de Nueva York, entre otras.

En esta exposición en, con la que Amy Cutler se presenta por primera vez en Europa, la artista ha trasladado la imaginería de sus pinturas y dibujos a la tridimensionalidad. El dibujo se transmuta en instalación, su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Nunca anteriormente había abordado la escultura y cuando se le propuso realizar un proyecto específico para el Museo, el propio espacio le sugirió la utilización de esta técnica. Para realizar las esculturas ha trabajado con un taller de Nueva York especializado en cerámica.

A partir de los moldes originales que ella realizó se produjeron cientos de figuras. La conexión entre todas las mujeres, una red de solidaridad femenina, es claramente el tema de esta instalación en la que, como en toda la obra de Amy Cutler, hay una referencia a la construcción de la identidad a partir del trabajo y esfuerzo común. En este caso, a través de una labor tan habitual en muchas culturas como es el devanar las madejas de hilo para poder tejer, se conforma una metáfora de gran efectividad escénica.

Las mujeres alrededor y sobre una mesa rústica, cual si fuera otra lectura de la última cena de la iconografía cristina, participan con su trabajo en ese proceso de transformación liberadora, deshaciendo el capullo que aprisiona el cuerpo de una mujer nueva.

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NUEVO EXPOSICIÓN EN LA GALERÍA MALBOROUGH (MADRID)

La Galería Marlborough presentó el pasado 28 de junio como cierre de temporad una nueva exposición colectiva de verano que intenta dar la bienvenida a esta época estival con una nota de humor que impregna a la mayoría de las obras expuestas en la muestra.

En esta ocasión la exposición contará con pinturas y esculturas de muchos de los artistas que trabajan con las Galerías de Madrid y Nueva York, se mostrarán por primera vez en Madrid los collages de Michael Anderson, así como los peculiares individuos escultóricos de Will Ryman.

Paralelamente, en la sala pequeña se expondrá obra gráfica de Francis Bacon, Luis Gordillo, Bill Jacklin, Red Grooms, Abraham Lacalle y Tom Otterness.

Además de fotografías de McDermott & McGough, Chema Madoz y Jean

Pagliuso. El espacio se inunda de un gran vitalismo e ingenuidad procedente de las imágenes mostradas, que parece jugaran y dialogaran entre sí, imponiéndose un contraste que pretende seducir y contagiar al espectador de una actitud positiva e ingeniosa de cara al verano.

SUMMER SHOW

Sobre el humor

Michael Anderson, Carlos Franco, Luis Gordillo,

Red Grooms, Bill Jacklin, Kcho, Abraham Lacalle, Julio Larraz,

Francisco Leiro, Chema Madoz, McDermott & McGough,

Pelayo Ortega, Tom Otterness, Jean Pagliuso,

Daniel Quintero, Larry Rivers, Will Ryman,

Sergio Sanz y Manolo Valdés

28 de junio – 8 de septiembre, 2007

Inauguración: jueves, 28 de junio de 2007

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EL MUSAC PRESENTA OTRO ESPECTACULAR PROYECTO DE LA MANO DE ENRIQUE MARTY

EL SÁBADO 7 DE JULIO SE INAUGURA ÓRBIGO 07

Del 7 de julio al 31 de agosto de 2007, un total de 11 diferentes espacios a lo largo de seis poblaciones de la Ribera del Órbigo serán intervenidos por casi una veintena de obras pertenecientes a la Colección MUSAC. La versatilidad de la creación artística contemporánea posibilita la integración de ésta en los más insólitos contextos, por lo que se han buscado lugares emblemáticos de la zona cuyo carácter significativo los hace idóneos para la experimentación y el diálogo con el entorno humano y natural en el que se encuentran. La localidad de Benavides, sede del Mercado de los Jueves –cuyo centenario es el motor de todo el proyecto–, se establece como centro neurálgico de este proyecto, con varias intervenciones entre las que cabe destacar la producción específica de Enrique Marty y su taller Club Matadero en el antiguo matadero de Benavides de Órbigo. De cara a esta intervención se ha concebido un taller, en el que un grupo de 11 alumnos que han trabajado durante tres semanas bajo la dirección de Enrique Marty para la realización de una obra artística colectiva (la intervención del edificio del matadero abandonado). Otras poblaciones en las que se llevarán a cabo intervenciones con obra de la colección MUSAC son Turcia, Carrizo de la Ribera, Villanueva del Carrizo, Velilla de la Reina y Palazuelo del Órbigo

MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, cederá en préstamo parte de su Colección hasta completar los fondos necesarios para la propuesta artística Órbigo 07. Igualmente, el comisariado de esta muestra corre a cargo de Carlos Ordás, Coordinador de Exposiciones y Proyectos del MUSAC.

Los espacios intervenidos con obras de la Colección MUSAC permanecerán abiertos al público de 10. 00 a 14.00 y de 16.00 a 21.00 h. Para la ocasión se ha editado una guía didáctica con la información necesaria para la realización de la ruta que aporta las claves para la comprensión de las obras. La guía se distribuye gratuitamente en el MUSAC y en Benavides de Órbigo (Plaza de Conde Luna, 1)

El viernes 6 de julio tendrá lugar la fiesta de inauguración/ show burlesque, a la que está invitado todo el que lo desee a partir de las 22.00 h. en el antiguo matadero de Benavides de Órbigo, ya convertido por Enrique Marty y su equipo en el nuevo Club Matadero.

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LUIS GORDILLO. COMISARIO DE SU PROPIA EXPOSICIÓN EN EL MUSEO REINA SOFÍA (MADRID)

“ICEBERG TROPICAL.”

Luis Gordillo. Antológica, 1959-2007”, organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, se compone de cerca de 180 obras realizadas por Luis Gordillo a lo largo de toda su trayectoria.

Gordillo, que ha querido ser el comisario de su propia exposición, ha desarrollado un proyecto expositivo diferente, en el que ha contado con la ayuda imprescindible del museógrafo y artista Paco Pérez Valencia. Más allá de la exhibición claramente ordenada de una selección de piezas elegidas en función de su calidad, la muestra ha sido concebida como un espacio vivo, un campo dinámico de acciones y reacciones entre las obras que sacude al espectador. Fiel a la idea de potenciar al máximo la activación de cuadros y espacios, y consciente al mismo tiempo del sentido didáctico que acompaña a una muestra antológica, Gordillo nos propone una exposición muy singular, que se convierte en sí misma en una obra más.

El montaje incluye trabajos de distintos periodos bajo el denominador común del concepto que, a decir del artista, mejor define su proyecto: el de la “tensión narrativa”, y en su base el uso de una cronología heterodoxa.

La exposición podrá visitarse hasta el 15 de octubre de 2007 en la primera planta del edificio Sabatini.

ICEBERG TROPICAL. Luis Gordillo. Antológica, 1959-2007

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

19 de junio-15 de octubre de 2007

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EXPOSICIÓN VAN GOGH, MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA (MADRID)

LOS ÚLTIMOS PAISAJES

El 20 de mayo de 1890, Vincent van Gogh se bajó del tren en Auvers-sur-Oise, un pueblo a treinta y cinco kilómetros de París. Recién salido del manicomio de Saint-Rémy, llegaba a Auvers en busca de salud y de calma, con la esperanza de comenzar una nueva vida y un nuevo ciclo en su trabajo como pintor. Pero sólo dos meses después, el 27 de julio, en los campos cercanos al château de Léry, se disparó un tiro de revólver que le causaría la muerte, tras una larga agonía, en la madrugada del 29 de julio.

Desde la época en que Vincent se encontraba internado en Saint-Rémy, Theo había estado buscando un lugar tranquilo en el campo pero no muy lejos de París, donde su hermano pudiera llevar una vida independiente pero sometido a la vigilancia amistosa de alguien de confianza. Fue el pintor Camille Pissarro quien sugirió el nombre de Paul-Ferdinand Gachet, médico y artista aficionado, viejo amigo de algunos pintores impresionistas, como el propio Pissarro, Cézanne y otros. Gachet vivía en Auvers-sur-Oise, a una hora en tren de la capital.

La etapa de Auvers fue breve pero increíblemente fecunda: en sólo
setenta días Van Gogh produjo más de setenta cuadros y una treintena de dibujos. Ese ritmo frenético sugiere un combate furioso contra el tiempo, como si el artista presintiera que tenía los días contados. Antes de llegar a Auvers, Vincent había pasado tres días en París, en casa de su hermano, donde pudo contemplar sus cuadros, que cubrían literalmente las paredes del apartamento y se acumulaban incluso debajo de la cama, el sofá y los armarios. La experiencia de ver por primera vez toda su obra reunida afectó profundamente al pintor y determinaría su trabajo en las semanas siguientes, las últimas de su vida, que serían una recapitulación, una suerte de epílogo al conjunto de su carrera.

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MUSEO REINA SOFÍA (MADRID)

HOMENAJE A GUERNICA.

CONCURSO DE MURALES DE GRAFFITI

 

 

El próximo viernes 22 de junio en el Museo Reina Sofía se presentará el libro

El acto contará con la actuación en vivo del MC EL Chojin


Desde la base de que cualquier acercamiento del Museo a los jóvenes debe respetar sus códigos culturales y estéticos, el Departamento de Educación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía tuvo la original iniciativa de dar a conocer Guernica a las últimas generaciones mediante un concurso de murales de graffiti.

 

En junio de 2006, coincidiendo con la exposición “Picasso. Tradición y vanguardia” y con el 25 aniversario de la llegada de Guernica a España, los cuatro ganadores del concurso BOA MISTURA, BRAKE1, MAX 501 y SUSO33 materializaron sus proyectos en el patio de la ampliación del Museo, donde permanecieron expuestos durante diez días.

“Homenaje a Guernica. Concurso de murales de Graffiti” cuenta con el personal testimonio de uno de las principales figuras de la escena urbana de nuestro país en los 80 como Pastron#7, además de un texto inédito escrito por Francisco Reyes profesor de la Universidad Complutense de Madrid y autor de una tesis doctoral sobre graffiti, en el que analiza el significado del graffiti y narra su historia desde sus orígenes en Nueva York hasta su llegada a España.

 

El atractivo diseño del catálogo ha sido realizado por los graffiteros BOA MISTURA, quienes han desplegado en esta publicación un innumerable número de imágenes a todo color del evento y de diversas obras clave de la historia del graffiti en nuestro país.

 

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CONFERENCIA DE KEN LOACH EN LA CASA ENCENDIDA

Podréis seguirla en Second Life y el portal web

El Martes 19 de junio el cineasta Ken Loach hablará sobre cine y compromiso social en el auditorio de La Casa Encendida dentro del ciclo “Los retos del siglo XXI: Otro mundo es necesario”. Moderará el acto la presidenta de la Real Academia de cine Ángeles González Sinde

El ciclo de Conferencias "Los retos del S: XXI: Otro mundo es necesario" promovido por La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid, parte de la idea de que entender la realidad en la que vivimos es un primer paso para el cambio. Las paradojas de nuestro estilo de vida, el valor de las personas que son diferentes o la multitud de verdades son el punto de partida. El de llegada: un planeta y una sociedad más habitables. El Ciclo está coordinado por IC Iniciativas.

La conferencia de Ken Loach será retransmitida en directo por la web de La Casa Encendida y por la sede virtual del centro en Second Life. En la isla de La Casa Encendida en Second Life, inaugurada en mayo de 2007, los visitantes pueden recorrer la reproducción virtual del edificio ubicado en el madrileño barrio de Lavapiés, sentarse a disfrutar en sus cuatro auditorios de conciertos y actuaciones, participar en cursos y talleres, relajarse en los distintos jardines que recorren la isla, leer las micropoesías de la madrileña Ajo, reciclar en el punto limpio, perderse por el laberinto, pasar un rato en la playa, etc, entre otras muchas actividades. Para aquellas personas que quieran crearse un avatar La Casa Encendida ofrece el

Ken Loach: “Cine y compromiso social”

La defensa de los oprimidos, la pobreza, la denuncia constante de los traumas que provoca en los seres humanos la vida en las sociedades industriales, la injusticia social, etc, son temas constantes en la cinematografía de Ken Loach. El compromiso social que ha estado presente siempre en su trabajo será el contenido fundamental de esta conferencia.

Ken Loach ha desarrollado su trabajo dentro de las artes audiovisuales tanto en televisión como en cine y en ambos campos ha trabajado con un gran nivel de compromiso. Es heredero de las tendencias de cine realista europeo, consolidando una excelente carrera internacional, como prueban los numerosos premios que ha recibido.

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EL REINA SOFIA ACOGE LA EXPOSICIÓN MAS AMBICIOSA DEL ARQUITECTO FRANCÉS

LE CORBUSIER EN EL MUSEO REINA SOFÍA (MADRID)

Desde el pasado 5 de junio, El Museo de Arte Contemporaneo Reina Sofía acoge la exposición LE CORBUSIER. Museo y Colección Heidi Weber.

La muestra, que podrá visitarse en la sala de exposiciones de la primera planta del edificio de la Ampliación hasta el 3 de septiembre de 2007, se compone de 160 obras entre pinturas, esculturas, dibujos, mobiliario y documentación.

El montaje incluye una amplia selección de las obras plásticas de Le Corbusier reunidas con gran dedicación desde finales de los años cincuenta por la coleccionista suiza Heidi Weber. Aunque gracias a la labor divulgativa de esta Colección muchas de ellas han sido prestadas para distintas exposiciones, ésta es la primera muestra unitaria que se le dedica a este conjunto en España.

Asimismo, se ha incluido un apartado dedicado al edificio del Museo Heidi Weber, la denominada Maison de l’Homme, última obra del arquitecto. La construcción ofrece una síntesis de las concepciones arquitectónicas de Le Corbusier como son la construcción modular, el empleo de materiales prefabricados o la atribución a un mismo espacio de usos alternativos.

Con esta exposición, el Museo Reina Sofía ha querido participar en la difusión de la faceta menos conocida del genial arquitecto, que se revela como un artista renacentista, abierto a todas las disciplinas y técnicas artísticas. Para Le Corbusier, la experimentación en la plástica era una parte fundamental de su creación, clave incluso para entender su trabajo arquitectónico.

LE COrbusier. Museo y Colección Heidi Weber

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

5 de junio-3 de septiembre 2007

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GALERÍA MARLBOROUGH (MADRID)

EXPOSICIÓN DE MANOLO VALDÉS

24 de mayo - 23 de junio de 2007

En la sala pequeña de la Galería Marlborough se mostrarán la última serie de grabados en gran formato de Manolo Valdés, los llamados Perfiles. Junto con estas piezas se presentarán a su vez algunos grabados de tamaño inferior de su serie Silvanas, a ambas series les une la protagonista siempre femenina del retrato, con un porte alusivo a la pintura italiana del renacimiento, y su imponente representación de perfil.

Manolo Valdés fue sustituyendo la serigrafía, técnica favorita cuando formaba parte de por el Equipo Crónica, por el grabado al aguafuerte y resinas con collage, que se convierte en una constante en su obra gráfica desde 1991.

El aguafuerte favorece la incursión de la impronta tan personal del artista, al permitir la expresión libre de la línea y su trazo sobre la plancha cubierta de barniz. En el proceso de creación, suele emplearse al menos dos planchas, una para las resinas, que se emplea para estampar los fondos y zonas de mancha, y otra más para el dibujo del perfil de la figura; sobre el papel se incorpora el collage (lamina serigrafiada) con su habitual repertorio iconográfico de fragmentos de pinturas de grandes maestros de la pintura internacional.

Valdés vuelve la mirada hacia los clásicos para dar una nueva orientación estética a través de la materia, la luz y el color. Los trabajos de los grandes creadores, le sirven de “pretexto” para sus planteamientos estéticos, en los que la textura, la materia, la representación del cuerpo humano y la expresividad son palpables en su pintura. En sus trabajos escultóricos refleja una profunda reflexión sobre la materia y el espacio, que le ha llevado a la creación de obras ciertamente monumentales.

Como el propio artista explica: “mi escultura tiene mucho de mi pintura; me interesan las texturas. Una vez hecho el volumen, recorro topográficamente la superficie para ver una pequeña mancha, un agujero (...). De la misma manera que nunca uso un lienzo en blanco, tampoco soy capaz de coger un bloque y sacar de él la escultura. No podría ponerme ante un bloque aséptico (...)”.

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3er FESTIVAL DE LAS ARTES DE CASTILLA Y LEÓN

FESTIVAL DE LAS ARTES EN SEGOVIA

El mes de julio se convierte en un referente para la música de calidad. Björk, Bebel Gilberto, Natacha Atlas, Chucho y Bebo Valdés y la Ópera Aída serán los encargados de actuar en el Patio de la Herradura dentro del 3º Festival Internacional de las Artes de Castilla y León "Noches Mágicas de la Granja de San Ildefonso".

BJÖRK

Domingo 15 Julio - 22:00h

Definitivamente una de las divas más exitosas e ingeniosas de la música, una musa dentro de la realidad musical de todos los tiempos, no cualquiera tiene ese talento tan escondido pero tan a flor de piel como lo es el talento que expresa esta mujer.

El Patio de la Herradura del Palacio Real de la Granja de San Ildefonso es uno de los escenarios por los que pasará la islandesa para la presentación en España de “Volta” su nuevo trabajo.

Zona 1: 150€//Zona 2: 120€//Zona 3: 70€//Zona 4: 50€

Bebel Gilberto y Natacha Atlas

sábado 21 Julio- 22:00h

Dos voces femeninas, un mismo escenario. La voz de Gilberto muestra una mágica variedad de arreglos, llena de poderosas y sutiles emociones. Con su mezcla de samba, pop, bossa y electrónica la llevan a la primera fila de artistas internacionales. Natacha es poseedora de un don especial para conseguir calar en todo tipo de público sin renunciar a la investigación y búsqueda de lenguajes musicales.

Zona 1: 30€//Zona 2: 25€//Zona 3: 20€//Zona 4: 15€

Chucho y Bebo Valdés

Sábado 28 de Julio - 22:00h

El reencuentro entre dos pianistas que son leyenda viva de la música cubana. Bebo y Chucho, padre e hijo reunidos en un espectáculo único. Repertorio exquisito, de la música cubana de todos los tiempos hasta los estandares del jazz.

Zona 1: 50€//Zona 2: 35€//Zona 3: 20€//Zona 4: 15€

Ópera “Aida”

Domingo 29 de Julio - 22:00h

Aida es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto de Antonio Ghislanzoni, estrenada el 24 de diciembre de 1871 en el Teatro de Ópera de El Cairo. Una obra espectacular, de gran despliegue escénico (grandes coros y escenas, efectos especiales, etc.).

Entrada única: 5 €

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GALERÍA ESPACIO MINIMO (MADRID)

LILIANA PORTER

La galería Espacio Mínimo cierra la temporada actual con la quinta exposición individual que programa –la tercera en su espacio madrileño- de la artista argentina afincada en New York LILIANA PORTER, que lleva por título To See Red.

Para esta muestra LILIANA PORTER ha creado una serie de nuevas pinturas en las que no dibuja o serigrafía los objetos en el lienzo, sino que éstos, reales, tridimensionales, inundan el cuadro insertos en un magma de color uniforme, rojo como el título de la exposición o azul intenso, inquietantes restos de naufragio que, como el resto de sus obras, esconden, bajo una capa de falsa ingenuidad, un transfondo agridulce cada vez más amargo.

Una vez más, en estas nuevas pinturas, la artista juega a confundir al espectador, a camuflar sus verdaderas intenciones consciente de que todas las cosas tienen el potencial de muchos significados, que de lo inofensivo a los terrible, de lo gracioso a lo triste, existe una frontera estrechísima que acerca más que separa. Lo mismo que en sus nuevos trabajos fotográficos en los que, sobre sus característicos fondos monócromos, juguetes, fetiches o figuritas inanimadas enfrentadas a similares objetos, a su propio reflejo en un espejo o a la mirada directa del espectador, componen una suerte de diálogo que se constituye, en palabras de Ana Tiscornia, en un ejercicio metalingüístico enfocado en el cuestionamiento de la frontera entre la realidad y su representación o más ajustadamente su enunciación.

Junto a las pinturas y las fotografías se muestran sus más recientes esculturas en los que el tema, en palabras de la autora sigue siendo (…) el diálogo. El diálogo entre seres disímiles, o mejor dicho, entre seres de la ficción (juguetes o figurines varios). Un diálogo entre representaciones. Pero entonces, qué se dicen? qué piensan? Qué interrogan?

La experiencia estética, dijo Borges, es la inminencia de una revelación. Ojalá.

La exposición se completa con la proyección de Fox in the Mirror / El zorro en el espejo, la tercera y, por el momento, última obra en formato cinematográfico de LILIANA PORTER, en cuya producción ha colaborado la galería y que está concebida como un concierto. Un concierto en el sentido literal (la idea de un espectáculo musical) y en el sentido figurado (la idea de situaciones que suceden al mismo tiempo).

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GALERÍA TOMÁS MARCH (MADRID)

NICO MUNUERA

“llegando a Xuwan”(10 de mayo - 30 de junio de 2007)

La Galería Tomás March nos presenta “Llegando a Xuwan” la obra más reciente del artista Nico Munuera (Lorca 1974). Afincado en Valencia desde 1993 donde comienza su contacto con el mundo ha realizado diversas exposiciones individuales como ”Irrumpiendo suavemente” y “La Grosse Badaboum” en T20 Murcia, en “Bores & Mallo” Lisboa o Magda Bellotti en Madrid. También cabe destacar las tres exposiciones que realizó con Hernández Pijuán en Barcelona, Madrid y Murcia en el programa “Relevos” de Cajamadrid. Por otro lado su obra se encuentra en numerosas colecciones como Fundación la Caixa, Ministerio de Cultura, Colección Helga de Alvear, Banco de España, VAC, etc.

Pintar es asomarse a un precipicio,
entrar en una cueva,
hablarle a un pozo y que el agua responda desde abajo.

Quizá estas palabras del pintor y escritor Ramón Gaya sea un buen inicio para conocer tanto la pintura de Nico Munuera como su actitud ante ella.
Tensión e incertidumbre que la mayoría de las veces se torna en una falsa apariencia de calma.
Rotundidad y contundencia de unas masas de color que se nos muestran desnudas sin nada más que la propia superficie lisa con la que tropezamos y al mismo tiempo nos engulle como un agujero negro.
Presencias sin ausencias. No falta nada aunque nada sea.
Llegando a Xuwan nos sugiere un lugar lejano al que nos trasladan las manchas sobre papel japonés. Pero Xuwan es un concepto referido a la pintura china que nos describe un estado ideal de la muñeca para comenzar a pintar. Algo físico y por supuesto mental que aunque no sea pensado sienten a veces los pintores aunque lo nombren de otra manera.
Campos de color, líneas, gesto único, paisajes, no paisajes, mancha, ensoñaciones y todo lo que el espectador pueda vivir en un mundo de abstracción que para el pintor es más concreto que la propia vida, pues es tan sólo pintura (que no es poco) inmóvil, silenciosa.

“No tengo muy claro de qué estoy hablando pues no hablo, sino que pinto. Es esta una cuestión que me produce demasiados requiebros siempre que tengo que hablar de pintura. Suelo ser tozudo y no me gustan nada los análisis dogmáticos de obras, ya que la palabra pertenece a un ámbito distinto al de la pintura. De esta manera podemos hablar de lo que sentimos ante un cuadro o repetir lo que hemos aprendido en un libro sobre determinada obra, pero ninguna de las palabras que expresemos será el cuadro o será pintura. Cuando pinto no hay un mensaje previo en palabras que intento transcribir en color. Me relaciono con la pintura directamente desde la pintura. De su diferente luz, intensidad, tono, transparencia, etc…. si nadie me pregunta sé lo que es; pero si me preguntas y quiero explicarlo, ya no sé.”

B.Rostock.

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MUSAC SERÁ LA SEDE DE VIDEOLIFESE

SE CELEBRARÁ LOS DÍAS 11, 12 Y 13 DE MAYO

VIDEOLIFE es un concurso de videoclips, organizado por la productora cultural independiente Mo Limited y Lady Chaos, álter ego de Ruth Chao. La iniciativa, que tendrá lugar los días 11, 12, y 13 de mayo en el salón de actos del MUSAC, surge para apoyar, fomentar y dar la oportunidad a la creación y difusión de videoclips de artistas emergentes por un lado, y por otro, para aproximar al público a este género audiovisual cuyo fin es ilustrar las creaciones musicales.

VIDEOLIFE nace con la intención de generar una vertiente innovadora dentro del circuito de concursos de video creación actuales.

Desde que en noviembre de 2006 se difundieran las bases para el concurso hasta el 15 de abril, fecha límite para la recepción de los trabajos, se han recibido en torno a 100 obras, de las que se han seleccionado 26 que optarán a los dos premios que se conceden.

El Premio Pupila, con una dotación de 5.000 €, será otorgado por un jurado formado por miembros de la organización y personas del ámbito musical y artístico.

El Premio Admira, con una dotación de 2.000 €, será fallado por el público asistente a las jornadas de proyección de videoclips. El listado de finalistas y la composición del jurado se dará a conocer en rueda de prensa el viernes 20 de abril a las 12.00 en el Salón de actos del MUSAC.

MUSAC, como ya hiciera en otras ocasiones, como en la IX Edición del Certamen Nacional de Cortometrajes Ciudad de Astorga el pasado septiembre de 2006, ha cedido el salón de actos y los medios que éste dispone para la proyección de obras de interés cultural a organizaciones cuyo ánimo es difundir y potenciar la creación contemporánea.

Con VIDEOLIFE, MUSAC ofrece una alternativa cultural en su espacio durante los días de montaje de las próximas muestras de Pierre Huyghe, Ángel Marcos, Néstor Sanmiguel Diest, Carles Congost en el Proyecto Vitrinas y Pedro Paiva + João Maria Gusmão en el Laboratorio 987, ya que las salas de exposiciones permanecerán cerradas del 7 al 19 de mayo, día en que se podrá visitar la séptima etapa expositiva.

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QUINTA GALERÍA (BOGOTÁ/COLOMBIA)

Exposición de Fredy Alzate

Una aproximación al mundo poético de objetos no funcionales recreados en espacios funcionales, cuya forma se debate entre lo abstracto y lo figurativo es el sentido de la nueva exposición “Traza” del joven artista colombiano Fredy Alzate, que se abrirá en la Quinta Galería de Bogotá, a partir del 9 de mayo y hasta el mes de junio.

“Traza” es una muestra de 18 pinturas en diversos formatos y en acrílico sobre lienzo, que el pintor muestra por primera vez en Bogotá.

Su obra

Sus cuadros tienen como punto de partida los procesos escultóricos y con ellos busca reflejar, de forma insinuante, objetos o máquinas que han perdido su valor o función original, pero que conservan en su materia las huellas de lo que fueron. Según Diego León Arango, Director del Museo Universitario de la Universidad de Antioquia, en las pinturas de Alzate, “los “objetos” hablan de una aproximación al tiempo y sus dimensiones.

Por un lado, no representan ninguno de las cosas conocidas, ni son diseños futuros destinados a un uso específico. Son indescriptibles y a-funcionales, crípticos, quizás, pero con la virtud de activar automáticamente la imaginación, en el afán de su desciframiento”.

En la serie Traza el dibujo se convierte en protagonista con formas que aún no se singularizan, pero se presienten; las acciones no se desarrollan, pero se intuyen; y donde el movimiento no se orienta, pero se advierte. Es el tránsito entre lo que ya no es y lo que puede llegar a ser.

Su trayectoria

Fredy Alzate lleva siete años incursionando en la pintura y en la escultura. Realizó estudios de Artes Plásticas en la Universidad de Antioquia, una Maestría en Artes Plásticas en la Universidad Nacional en Bogotá y una pasantía en grabado en la Universidad Castilla La Mancha, en Cuenca, España.

Entre sus exposiciones más representativas podemos mencionar su participación en el IX y en el X Salón Regional de Artistas, Zona Antioquia, Medellín; en Imagen Regional IV, aproximaciones a la pintura, Biblioteca Luis Ángel Arango, Banco de la República, Bogotá y Nexo, Encuentro de artistas jóvenes de América Latina y España, Convenio Andrés Bello, Bogotá. De igual forma, ha realizado diversas exposiciones individuales en Medellín, Manizales y Pereira.

Algunas de sus obras hacen parte de las colecciones del Banco de la República; del Museo de Antioquia; del Museo de Arte Moderno de Medellín; del Museo Universitario y de la Biblioteca de la Universidad de Antioquia; del Museo de Arte de Caldas y de Pereira. Entre las distinciones recibidas merece destacarse el primer premio del XIX Salón Arturo y rebeca Rabinovich, en el Museo de Arte Moderno de Medellín.

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NUEVO EXPOSICIÓN GALERÍA TRAMA (MADRID)

GARIKOITZ CUEVAS

Del 10 de mayo al 16 de junio de 2007

Garikoitz Cuevas (Sanlúcar de Barrameda, 1968) inaugura su segunda exposición individual en la Galería Trama. En esta ocasión, Garikoitz Cuevas nos presenta una selección de obras de pequeño, mediano y gran formato, en los que su particular técnica de superposición y arranque de telas alcanza nuevas metas expresivas profundizando en el estudio del color y la materia.

Como ha dicho de él Fernando Huici, “las composiciones de este último Cuevas apuestan por una dicción más dúctil, espontánea y festiva en el bullir expansivo de las constelaciones de manchas. El proceso de ejecución que da origen al trabajo de Cuevas tiene, como factor distintivo, el empleo de una formulación particular de la técnica del décollage. Sobre lo desarrollado en el soporte pictórico primario, pega una segunda tela, en la que interviene a su vez, para arrancarla luego selectivamente, para hacer aflorar así en parte lo previamente sepultado y generar un juego de interacción constante entre los diferentes estratos que modulan la ambivalente orografía desplegada finalmente en la composición”.

En los últimos años Garikoitz Cuevas ha presentado su trabajo con continuidad en Madrid y ha participado en diferentes ediciones de ARCO desde 1996.

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EL MUSAC RECIBE EL PREMIO EUROPEO MÁS IMPORTANTE DE ARQUITECTURA

El MUSAC, galardonado con el premio Mies van der Rohe de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea 2007

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León ha sido anunciado hoy como ganador del premio Mies van der Rohe de Arquitectua Contemporánea de la Unión Europea en su edición del 2007. Diseñado por los arquitectos Emilio Tuñón y Luis M. Mansilla, el MUSAC se ubica en una zona residencial al Oeste de la ciudad de León. El museo fue  inaugurado el uno de abril de 2005 y se ha consolidado a lo largo de los dos últimos años como uno de los centros artísticos de referencia en España. Hasta el próximo mes de mayo pueden visitarse en sus salas las exposiciones del equipo de arquitectos formado por Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa/ SANAA (hasta el 1 de mayo de 2007); las últimas producciones en video de la sudafricana Candice Breitz  y la revisión de la historia de España del S.XX de Fernando Sánchez Castillo (ambas hasta el 6 de mayo).  En Laboratorio 987 puede verse Imágenes del fin del mundo, de David Betsué+Marc Vives y en Proyecto Vitrinas se exhibe El Mundo de Hoy en veinte Libros de Fotografía .

Asimismo, a partir de el próximo 19 de mayo podrán visitarse en MUSAC cinco nuevas exposiciones: Pierre Huygue presenta A Time Score, su primer evento individual en España;  Ángel Marcos muestra China, su nuevo proyecto fotográfico fruto de su viaje al Gigante Asiático a principios del 2007 y Néstor Sanmiguel Diest realiza un recorrido exhaustivo por sus obras recientes en El segundo nombre de las cosas. Los artistas portugueses  Pedro Paiva + João Maria Gusmão  han creado para Laboratorio 987 Crevasse, un proyecto específico en el que muestran sus referentes conceptuales y dentro del Proyecto Vitrinas, Carles Congost es el responsable de un libro monográfico y una instalación donde narra la historia completa de su grupo musical The Congosound. EL MUSAC es un proyecto de la Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León a través de la Fundación Siglo.

El premio Mies Van der Rohe de Arquitectura Contemporánea tiene carácter bianual, está concedido por la Unión Europea y la Fundación Mies van der Rohe de Barcelona, y su principal propósito es reconocer y recompensar la calidad de la producción arquitectónica en Europa. Además, el Premio trata de promover la arquitectura de dos maneras significativas: estimulando una mayor circulación de profesionales por toda la Unión Europea mediante el impulso de los encargos transnacionales y apoyando a los arquitectos jóvenes en los primeros momentos de su ejercicio profesional.

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NUEVA EXPOSICIÓN EN LA GALERÍA PILAR PARRA & ROMERO (MADRID)

Pilar Parra & Romero ofrece en Madrid una exposición individual de Christian Schumann. Contando con una larga trayectoria como artista, Christian (Rhode Island, 1970) presenta un total de cinco dibujos y ocho lienzos. Este grupo de pinturas, todas de una misma medida, funcionan con una misma manera interna de improvisación  a pesar de su disparatada apariencia.

En una salida de su último modo de trabajar, -con  tendencia hacia el estilo minimalista-, rompe con  este grupo de obras volviendo a técnicas de collage, pintura y papel, un método de construcción al cual el artista ha pretendido no aproximarse durante varios años debido a su espíritu de  experimentación.

En general, la obra de Christian Schumann ha sido caracterizada no sólo por el exceso de información,  sino también por el uso de diferentes grupos de procedencia. Como resultado de combinar pintura con imágenes tomadas (prestadas) y collage, las superficies de sus obras varían desde áreas lisas de color opaco, hasta  zonas que han sido calentadas por abrasión.

El artista ofrece un gran grupo de distintos estilos de dibujos, normalmente dirigidos hacia la estética de la cultura popular, prevaleciendo la imaginería de los dibujos animados y tomando como fuente de inspiración la división estructural de cómics.

Asimismo usa textos -juegos de palabras, líricas y disparatados diálogos- para sugerir narrativas sin sentido: “El contenido está formado por el acto de romper el significado”, “Corroyendo ideas, dando vida a los escombros”, “Fracturado, una naturaleza interna reformada”,  “Improvisación de la separación,”Resuelto en sus oblicuas cualidades”,”Limitaciones personales y psicológicas  es la composición y la temática de la estructura”,” Cuando una figura nemotécnica llega a ser polución”,”Normas de la inteligencia artificial dentro de un mundo inorgánico”.

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GALERÍA ESPACIO MINIMO (MADRID)

Artista: MARTIN PARR

Título de la exposición: México

Fechas de la exposición: Del 20 de Abril al 26 de Mayo de 2007

La galería Espacio Mínimo presenta la primera exposición individual en su espacio del artista inglés MARTIN PARR, que anteriormente ha expuesto en nuestro país en varias salas institucionales como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid en 2003, en la que se muestran, bajo el título de México, sus últimos trabajos fotográficos realizados en ese país americano.A partir de la década de los 70, con sus trabajos fotográficos en el campo del arte, el periodismo y la publicidad, MARTIN PARR se convirtió en un referente de la fotografía contemporánea, sobre todo por lo personal e inusitado de su mirada.

Los motivos extraños, los colores chocantes y las perspectivas inusuales caracterizaron desde los inicios su trabajo. Descubre el color a la vez que el Reino Unido descubre a Tatcher, aunque en esa Inglaterra de los 80 en la que estar politizado era bastante estricto y equivalente a ser anti-Tatche, anti-guerra de las Malvinas, anti-nucleares, pro-mineros y pro-Billy Bragg, su trabajo era difícilmente clasificable y ese desajuste se convirtió en algo significativo en su estética.

Con una mirada normalsoy tan de clase media que resulta ridículo, dijo una vez- plasma los signos más evidentes del ocio, el consumo y la comunicación, examina características nacionales y fenómenos internacionales que nos enseñan como vivimos, como nos mostramos a otros y lo que valoramos para intentar averiguar cómo de válidos serán como símbolos para ayudar a las generaciones futuras a conocer nuestro presente.

En la nueva serie que presentamos, México, vuelve a contraponer imágenes específicas con universales sin resolver las contradicciones que ello genera. Este trabajo significa un viaje hacia y a través de los clichés de México. Es su exploración fotográfica del lenguaje visual del México de hoy y la batalla de culturas que se desarrolla a pié de calle entre el catolicismo vernáculo del país y las marcas del consumismo global.

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