ARTE

PICASSO : TRADICION Y VANGUARDIA

LOS REYES Y EL PRESIDENTE DEL GOBIERNO INAUGURAN EN LOS MUSEOS DEL PRADO Y REINA SOFÍA LA EXPOSICIÓN “PICASSO. TRADICIÓN Y VANGUARDIA” 

Los Reyes Don Juan Carlos y Doña Sofía, acompañados del Presidente del Gobierno, José Luis Rodríguez Zapatero, inaguraron el pasado 5 de Junio la exposición Picasso, Tradición y Vanguardia.
A través de esta muestra los dos museos nacionales rendirán homenaje a Picasso celebrando el 25 aniversario de la llegada del Guernica a España, en un año en que también se conmemoran los 125 años del nacimiento del pintor. La exposición, coproducida por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), adscrita al ministerio de Cultura, y patrocinada por la Fundación Winterthur, presentará más de un centenar de obras del artista en un recorrido irrepetible.

En 1981 llegó el Guernica de Pablo Picasso y su legado a España procedente del Museo de Arte Moderno de Nueva York donde se encontraba confiado temporalmente por el propio artista. Con ello se cumplía la voluntad de Picasso de que el monumental lienzo, creado por encargo del Gobierno de la República para el Pabellón de España en la Exposición Universal de París de 1937, en plena Guerra Civil, terminara en su país una vez que éste recuperara las libertades democráticas. Pocos acontecimientos como la llegada del Guernica marcaron, dentro y fuera de nuestras fronteras, un antes y un después en la transición política española. Veinticinco años después, el Museo del Prado, que recibió en primera instancia el cuadro, y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, que actualmente lo custodia, aúnan sus esfuerzos para celebrar de una forma conjunta este aniversario tan singular.

La exposición
Picasso. Tradición y vanguardia, patrocinada por la Fundación Winterthur, propondrá una retrospectiva esencial del pintor español más influyente del siglo XX a través de un recorrido por más de un centenar de obras maestras realizadas a lo largo de su longeva y productiva trayectoria que se exhibirán simultáneamente en las galerías principales de los dos museos nacionales.

Todas las etapas del pintor estarán representadas permitiendo recorrer los hitos más importantes de su producción: desde los períodos azul y rosa, el cubismo, la recuperación del orden clásico en los años 20, su relación con el movimiento surrealista, los difíciles años entre la Guerra Civil española y la II Guerra Mundial hasta las fértiles últimas décadas de su producción. Una completa retrospectiva que, a tenor de la importancia de las obras reunidas, iguala en significación a las más importantes retrospectivas consagradas en las últimas décadas a Picasso. Para esta ocasión, se han convocado algunas de las obras más relevantes de museos y colecciones internacionales, gracias a cuya generosidad la mayor parte de ellas se presentan por primera vez en España, incluidas algunas como Tres músicos, del Museo de Philadelphia, que únicamente se han expuesto en Europa en dos ocasiones, la última hace casi cuarenta años.

Fuente: Museo del Prado

PHoto ESPAÑA 2006 SE CELEBRA EN MADRID DEL 1 AL 23 DE JULIO

 La novena edición del festival se inaugura el 1 de junio

PHotoEspaña 2006 descubre las relaciones entre naturaleza y cultura a través de la mirada de 375  otógrafos y artistas visuales

PHE06 acoge entre el 1 de junio y el 23 de julio 62 exposiciones, 25 en la Sección Oficial y 37 en el Festival Off, con obras de artistas y creadores de 33 nacionalidades diferentes.

Naturaleza, tema de PHotoEspaña 2006, se articula en torno de dos temáticas:la relacion entre naturaleza y cultura y las nuevas interpretaciones del conceptode paisaje.

Matadero Madrid y el Museo Thyssen-Bornemisza entre los nuevos centros que se incorporan al festival.

PHotoEspaña 2006, Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales, comienza en Madrid el 1 de junio. Museos, centros de arte, salas de exposiciones y galerías acogen 70 exposiciones con imágenes de destacados artistas visuales contemporáneos y de todos los tiempos.

La gran fiesta de la fotografía: exposiciones, encuentros profesionales, visionado de porfolios, proyecciones nocturnas, talleres, clases magistrales y acciones en la calle son algunos de los ingredientes de un festival que convierte a Madrid en la capital mundial de la imagen por espacio de un mes y medio. Naturaleza es el título escogido por Horacio Fernández en su tercer y último año como comisario general del festival. Un tema que pone punto y final a un ciclo que ha abordado cuestiones de interés común, cercanas a todo tipo de públicos. Las tres ediciones —Historias (PHE04), Ciudad (PHE05) y ahora Naturaleza— se han caracterizado por la reivindicación de los lenguajes documentales.

Además, PHEdigital.com se convierte un año más en un festival paralelo donde poder ver las imágenes de todas las exposiciones. Además de obtener información de primera mano sobre ésta y todas las ediciones del festival, en esta ocasión los internautas podrán participar en PHotoBlog, una iniciativa de PHotoEspaña y Greenpeace para denunciar las actuaciones negativas para elmedio ambiente. 

::MENTES-INQUIETAS::

PROGRAMACION MUSEO DA2 (SALAMANCA)

TODA LA PROGRAMACION QUE EL DOMUS ARTIUM 2002 DE SALAMANCA NOS OFRECE

6 de Junio – 24 de Septiembre

DARREN ALMOND.  ( Inglaterra)

“If  I Had You” ( Si te tuviera)  ( Vídeo, Instalaciones,  Fotografías)

Exposición en coproducción con el II Festival Internacional de las Artes de Castilla y León 

Comisario: Javier Panera 

Darren Almond. Wigan (Inglaterra), 1971, es uno de los más aclamados creadores de aquella  famosa generación de artistas británicos conocidos como Young British Artists, que revolucionaron el panorama artístico internacional a principios de los años noventa. El tiempo, el concepto de “duración”, la melancolía y la noción de memoria histórica pública y privada, son los ejes sobre los cuales se desarrolla su trabajo.

A través de esculturas, fotografías, vídeos, instalaciones y un innovador uso de la tecnología sus obras envuelven al espectador en una experiencia temporal en la que sonido e imagen, ambiente, reflexión y relato se revelan dentro de una atmósfera cotidiana muy particular. El DA2 será el primer centro de arte español que reúna una selección de sus videoinstalaciones más significativas de los últimos  6 años destacando entre todas ellas: “Traction”, (1999) una ambiciosa proyección en tres pantallas, que retratan al padre y la madre del artista. En una de ellas se ve al padre contestando a las preguntas de Almond sobre los daños que sufrió trabajando como albañil, en la pantalla que está en frente su madre es grabada escuchando la entrevista y en la pantalla central, a cámara lenta, una máquina excava y remueve la tierra. La película se convierte en un retrato íntimo de la familia, dejando al descubierto cicatrices internas y externas, mientras revela la preocupación del artista por las marcas físicas y sicológicas que deja en las personas el paso del tiempo.  “Schacta”, 2001,  muestra en dos pantallas enfrentadas a un grupo de trabajadores y una cámara avanzando por un  túnel con una música de fondo que recuerda el tambor de una tribu africana, concretamente de Uganda al mismo tiempo que la voz de una mujer acompaña la música. 

La poética y  monumental videoinstalación If I Had You ( Si te tuviera), (2004) seleccionada recientemente para los prestigiosos Premios Turner, se ha  adaptado específicamente a las particularidades arquitectónicas de la “antigua cárcel” del DA2 y podría entenderse como la continuación lógica de “Traction”. 

La Instalación “If I Had You”, 2003, es como un álbum familiar en movimiento, como caminar por la historia de una vida que es la vida del propio Darren Almond y particularmente de su abuela. Según el propio Almond recuerda: ” (...) If I Had you comienza cuando visité a mi abuela hace unos años. Ella estaba en el hospital y al verme  me confundió con mi abuelo y ese fue el punto de partida de la pieza. Decidí llevarla a visitar una sala  en la torre de Blackpool, donde ella acostumbraba a bailar con mi abuelo. Mi abuela me dijo al oído que le echaba mucho de menos y que le gustaría volver a bailar con su marido, no tenía su cuerpo pero su mente aún estaba con él (...)” Las cuatro proyecciones de la instalación muestran en primer lugar una fuente iluminada de agua, el elixir de la vida, en segundo lugar una pareja desconocida de bailarines..., en tercer lugar una larga pantalla con un molino que simboliza el paso del tiempo. Por último, la imagen de su abuela preside las cuatro pantallas, mirando y recordando su pasado mientras descubrimos en las expresiones de su cara diversos estados de ánimo que van de la tristeza a la melancolía.  Darrend Almond siempre evoca y juega con sentimientos básicos, en el caso de If I Had You se trata de sus propios recuerdos, su visión personal de su familia, sus fantasmas íntimos... pues  existe algo fantasmal en los movimientos de los bailarines, en la música distante, en las extrañas luces de ese molino que da vueltas... se trata pues de un tributo a su propia familia, a su recuerdos juveniles, a esa distante voz del pasado que le llama (y nos llama) una y otra vez.   

6 de Junio – 24 de Septiembre

MASBEDO / HOUELLEBECQ.  ( Italia – Francia)

“Il Mondo non é un panorama” (El mundo no es un panorama).  ( Vídeoinstalación - Cine)

 

Exposición producida por el Festival Internacional de las Artes de Castilla y León.

 Comisario Javier Panera

 El dúo de jóvenes videoartistas italianos Jacopo Bedogni y Nicolo Massaza, ( Masbedo) vuelve a colaborar con el iconoclasta escritor francés Michel Houellebecq para crear un relato postapocalíptico que tiene bastantes puntos de conexión con su última novela: “La posibilidad de una isla”.   La exposición  está integrada por una triple videoinstalación y una película con el Making-off del film. Poesía visual y existencialismo tecnológico al servicio de una iconografía inquietante y dolorosa que tiene a la aclamada actriz francesa Juliette Binoche como principal protagonista. Maria 23, clon de Maria1, habita en un mundo post-nuclear donde los neohumanos viven sin emociones, sin risas ni lágrimas, sin humor.Como ellos Maria 23 solo puede comunicarse en un mundo virtual y sufrir por la falta de contacto y de deseo. Tal vez un cambio es posible, como la Hermana Suprema, la superconciencia y el conocimiento, anuncia e inspira.Maria 23 abandona la búsqueda de su original pero cuando encuentra a Maria1 no existe otra posibilidad  que destruirla. El amor y la reconciliación son imposibles. Las modificaciones ocurridas en los neohumanos son irreversibles. Una forma superior de ser se espera en una nueva oportunidad de redención.En el libro “La posibilidad de una isla” hubo una esperanza de felicidad  pero en “Il Mondo non é un panorama”, el mundo es evocado en un lugar de sufrimiento donde cada derrota y eliminación ha sido vista y decidida y es necesaria e inevitable.  

   23 DE JUNIO / 17 DE SEPTIEMBRE DE 2006

“50 Jahre / Years documenta 1955 – 2005. archive in motion” (50 AÑOS DE DOCUMENTA) 

Esta muestra ha sido posible gracias al esfuerzo común de diversos colaboradores: Documenta GmbH, documenta Archiv, Kunsthalle Fridericianum und Institut für Auslandsbeziehungen.IFA, Goethe Institut y la Fundación Federal de la Cultura en Alemania. 

Comisario: Michael Glasmeier 

El Domus Artium 02 de Salamanca será el primer y único centro de arte contemporáneo español que muestre un recorrido retrospectivo por una de las citas mas influyentes del arte contemporáneo internacional. La mítica Documenta de Kassel celebró el pasado año 2005 su 50 aniversario y para ello la organización de la misma ha preparado una exposición didáctica que analiza los contenidos de cada una de las 11 ediciones.   Cuando el 15 de julio de 1955 Arnold Bode inauguró en Kassel una exposición denominada Documenta, no podía imaginar que se convertiría en uno de los acontecimientos culturales más relevantes de la historia del arte del siglo XX. Sin embargo la Documenta ha sido objeto de viva polémica desde el día de su nacimiento y todavía hoy,  debería plantearse varias preguntas: ¿Representa un panorama exhaustivo de la escena artística actual o sólo la estrecha perspectiva de cada uno de los comisarios de las distintas ediciones? ¿Es un festival independiente del arte de vanguardia o más bien un espectáculo organizado para el turismo como tantas bienales?   Para hacer justicia a la singularidad de cada una de las Documentas, la exposición se presentará, en once salas independientes, que reúnen un completo archivo de documentación bibliográfica, fotográfica, sonora y videográfica en algunos casos inédita, lo que le confiere un especial valor de cara a los investigadores en arte contemporáneo. Por otra parte, Michael Glasmeier, comisario del proyecto, ha invitado a 11 jóvenes artistas alemanes a realizar una obra que rinda homenaje a cada una de las 11 Documentas.Sus obras proponen una visión ampliada de las cosas y demuestran un enfoque creativo en relación con el archivo, paralelo al enfoque documental, estableciendo con ello un fructífero diálogo entre el pasado reciente y presente. Los 11 artistas que participan en este proyecto son: Friederike Feldmann, Kai Vöckler, Katrin von Maltzahn, Katharina Meldner, Sabine Groß, William Engelen         , Tilo Schulz, Andreas Seltzer, Heike Vogler, Jonathan Monk, Alexander Roob, Heidi Specker.

 Algunas historias del vídeo en Documenta.

Comisarios: Javier Panera / Bodo Rau 

De un modo paralelo, el DA2 de Salamanca mostrará  una selección de programas de video que recorren la historia de este medio en las diferentes Documentas. Desde los primeros pasos en el uso de este soporte en los años 60 y 70 con piezas históricas de Vito Acconci, Peter Weibel, Bruce Nauman o Nan June Paik, pasando por  las revisiones videográficas de performances “míticas”  de artistas como Joseph Beuys, Marina Abramovic o Valie Export, hasta creadores actuales como Isaac Julien,  Eija Liisa Ahtila o William Kentridge.

 24 de Junio – 24 de Septiembre

PALOMA PÁJARO. ( Espacio Emergente)  “Quédate día feliz” (Pintura).  

 Comisario: Javier Panera 

Gran parte de la energía consumida  por Paloma Pájaro en los últimos cinco años se ha dedicado a resolver el conflicto interno entre los aspectos formales y semánticos de la imagen.“Quédate día feliz” se presenta en este sentido como un compendio de los resultados obtenidos durante este estudio, en un esfuerzo de revisión y síntesis de las motivaciones estéticas que dieron origen a proyectos precedentes como “Occitente”, centrado en  los procesos de universalización de los “paisajes-tipo”, sobre todo de aquellos en los que el individuo asume su rol de “consumidor de ocio”, a lo que se suma la cuestión trascendente de la ineficacia de los sistemas heredados para acceder a los estados de felicidad emocionales y biológicos. El propio título de este proyecto, “Quédate, día feliz”, hace referencia a ese pensamiento convencional, perfectamente instalado aún hoy día en nuestra cultura, según el cual el ser humano está abocado a perpetuar su particular búsqueda de la felicidad hasta más allá de la muerte. Los paisajes-tipo son modelos en expansión, una suerte de “paisajes ficción” y “no lugares” que hacen referencia directa a la sociedad del ocio. La revolución científica ha prolongado en más de cuarenta años la esperanza de vida en los países desarrollados, al tiempo que se ha generalizado el llamado “estado del bienestar”; con el resultado de que “por primera vez la humanidad tiene futuro para plantearse objetivos más allá de los programados biológicamente, como es el caso de la reproducción, y se marca como meta el llegar a ser felices aquí y ahora”, misión ésta que en una sociedad compleja y acomplejada como la nuestra se revela delicada y difícil aunque inaplazable. El proyecto “Quédate, día feliz” no se inspira en la “incapacidad de los seres humanos para ser felices” sino más bien en su inextricable “capacidad para ser infelices”. Todas las piezas están trabajadas en acrílicos y lápices de colores  sobre tabla DM de 4mm de espesor. Las grandes masas de vegetación y piel se presentan muy modeladas (acrílico y lápices) para conseguir calidades orgánicas y sensuales. Los cielos, los volúmenes arquitectónicos y el asfalto así como los fondos, la ropa y el pelo de las figuras humanas son resueltas de forma sintética: los volúmenes se estructuran a partir de dos únicos planos de luz y sombra que son rellenados con acrílicos en color plano y uniforme. La parte dedicada a la arquitectura se centra en retratos de apartamentos de playa de la comarca de Gandia fotografiados en invierno, por lo que aparecen vacíos y cerrados. Frente a las grandes moles arquitectónicas de personalidad diluida que suelen proliferar en estas zonas de veraneo, he optado por ese otro tipo de “casa de verano”  generalmente adornada con jardines, patios o terrazas y que poseen un carácter más “paradisíaco”. Para realizar las fotografías he elegido puntos de vista en los que la masa arquitectónica queda prácticamente anulada, desaparecida tras la exuberante vegetación, generalmente de tipo tropical, que les antecede. He elegido asimismo fuertes contrastes de luz y sombra. A la hora de transferir el dibujo a la tabla hago una selección de elementos de manera que a veces desaparecen edificios colindantes, antenas, cables, farolas… con la intención de neutralizar (e idealizar) la identidad de esos lugares.La parte dedicada  a la figura humana se centra en retratos de cabeza y torso de individuos en bañador con un fuerte contraste de luz y sombra. En estas instantáneas hay una intención de radicalizar el gesto para obtener una expresividad impostada, teatralizada, que se agudiza más aún al aislar la figura de su contexto natural (la playa o la piscina, por ejemplo) y proyectarla sobre un aséptico fondo plano (color blanco) sin sombras: los personajes están posando delante del objetivo forzando gestos de dolor o tragedia, de tensión contenida, de inquietud, de desagrado … La deformación conseguida otorga una gran plasticidad a los rostros al tiempo que facilitan el acceso a los niveles de lectura emocionales de la imagen.

  

Julio – Septiembre

Proyecto “Pantallas Sensibles”             

                      

            2 Artistas por confirmar  6 – 13 Junio De 20 a 23 horas

POST.PERFORMANCE. (Noches de performance en el DA2.)

MARCEL-LI ANTÚNEZ ( España) ULRIKE ROSENBACH ( Alemania)ISABELLA BEUMER ( Alemania)TOBIAS BERNSTRUP ( Suecia)  Producido por el Festival Internacional de las Artes de Castilla y León.

 En los últimos años asistimos a una redefinición del concepto de performance. Lo que inicialmente era concebido como una práctica efímera y presencial ha pasado a convertirse en  una actividad que se presta a ejercicios de postproducción e interacción con las nuevas tecnologías y los mass media. Los artistas seleccionados en este ciclo experimentan con los nuevos medios, vídeo, ordenadores, música electrónica y dan  una nueva dimensión –en general más espectacular- del hecho preformativo sin perder sus señas de identidad semánticas ni la comunicación con el público. Cuerpo, identidad, metamorfosis, posthumanismo, nueva espiritualidad, son algunos de los conceptos desarrollados por una selección de performers en  las que destacan pioneros de prestigio internacional como la alemana Ulrike Rosenbach o el español Marcel-li Antúnez y nuevos valores como el sueco Tobias Bersntrup.  6 de Junio. 9.30 h. Sala 7 DA2..

ULRIKE ROSENBACH / SUSANNE SCHORR ( Alemania) “Illusion Bars”

Mítica artista alemana, formada con Joseph Beuys,  pionera de la performance y el videoarte desde los años setenta (Ha participado en dos ocasiones en la Documenta de Kassel) Ha destacado por la aplicación de las nuevas tecnologías a las prácticas más comprometidas de la performance en las que abordaba  cuestiones de política y feminismo, que en los últimos años han derivado hacia la búsqueda de una nueva espiritualidad. Illusion Bars es una    nueva performance en colaboración con Susanne Schorr concebida específicamente para el DA2.

6 de Junio. 22.30 h. Patio del DA2.

MARCEL-LÍ ANTÚNEZ. (España)  “Transpermia”

 Marcel-lí Antúnez es internacionalmente conocido por sus performance mecatrónicas y por sus instalaciones robóticas. Fundador de la Fura dels Baus, colaboró con este colectivo hasta 1988. Desde los años 90 combina conceptos como los Bodyrobots ( Robots de control corporal), Sistematurgy, (narración interactiva con ordenadores) y Dreskeleton ( interfaz corporal en forma de vestido exoesquelético). Sus performances tratan temas como la transgresión de los límites físicos y perceptivos del ser humano a través de la manipulación de elementos científicos y tecnológicos, desarrollados en performances, ya míticas como Epizoo, Afasia, Réquiem o Transpermia. Identidad, cosmogonía, escatología, nacimiento, muerte, adquieren en su obra una dimensión irónica y humana que provocan una espontánea reacción por parte del espectador.  13 de Junio. 20 h – 22,30 h  Salas de exposiciones del DA2.TOBIAS BERNSTRUP ( Suecia) "Killing Spree"Tobias Bernstrup elabora una obra polimorfa en la que el cuerpo y el espacio urbano como protagonistas son reveladores de las angustias inherentes a la sociedad contemporánea. E n sus vídeos y performances no duda en ocupar los escenarios adoptando distintos roles que van desde el cantante pop hasta el gigoló, pasando por el travesti. Su cuerpo, transformado, pervertido y a menudo de aspecto andrógino por los vestidos y el maquillaje, proyecta una ambigüedad que desvirtúa referentes esenciales de la sociedad. Mezcla dosis de sadomasoquismo, fetichismo o dandismo con ambientes de cabaret alemán, potenciando la imagen de artista mutante, humano a la vez que inhumano.  

13 de Junio. 20 h – 22,30 h  Salas de exposiciones del DA2

ISABELLA BEUMER. ( Alemania) “Sub Rosa”

Esta artista alemana destaca por sus performances sonoras en las cuales experimenta con la voz, la música electroacústica y la imagen vídeo. El cuerpo se convierte en  un territorio en el que se dirimen cuestiones  relacionadas con el amor, el deseo y la búsqueda de una nueva espiritualidad, partiendo de los hermosos pero ambiguos textos del Cantar de lo Cantares.

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SALA REKALDE DE ARTE CONTEMPORÁNEO (BILBAO)

BAR NO, SÓLO BOTELLAS DE CAN ALTAY (TURQUÍA)

Comisaria: Leire Vergara

 Bajo el formato de instalación, el artista turco Can Altay recoge la evolución de una investigación sobre el fenómeno de los minibares en su ciudad natal, Ankara.

A partir de una batería de imágenes presentadas en un diaporama de diapositivas, una biblioteca personal con lecturas claves para el artista y otros elementos efímeros con los que se anima a la audiencia a interactuar con el trabajo, Altay nos invita a reflexionar sobre los usos informales del espacio urbano.

El minibar no es una apropiación radical del espacio, más bien se trata de un ejercicio de socialización donde la funcionalidad y la regulación de áreas residenciales sin exacta delimitación se ven interrumpidas.  En definitiva, el minibar es una estructura social creada a partir de un vacío arquitectónico, una reunión que originalmente no busca una finalidad comercial, una oferta de servicio específico, sino que solamente cuenta con la presencia de la gente que allí se reúne, que lleva consigo su propia consumición.

El trabajo de Altay se asienta de manera conceptual sobre las dinámicas sociales, económicas y representacionales que configuran la producción del espacio. Para ello, desarrolla investigaciones atentas a largo plazo que normalmente se asientan sobre la ciudad de Ankara como geografía urbana específica. Sus estudios apuntan a lo que se denomina psicocartografías, o mapas psicosociales, abiertos por tanto a una escritura y a una lectura múltiple. Por esto, el ejercicio de autoría no reside tanto en la selección del material, fruto de la investigación que el artista en ocasiones ha compartido de manera colectiva, sino en la manera en la que dichos objetos se organizan en el espacio expositivo, es decir, en la forma en la que éstos establecen nuevas conexiones interpretativas cuando se presentan a la audiencia.

En El Gabinete Abstracto, Can Altay retoma parte del material presentado anteriormente en otras instalaciones al mismo tiempo que introduce una última fase de la investigación. Varias fotografías documentan la aparición reciente de nuevos bares que se asientan en algunos puntos normalmente ocupados por usuarios de los minibares. Estos nuevos comercios reproducen una estructura efímera a partir de una arquitectura abierta, proyectando una imagen de engañosa provisionalidad.

Apuntes biográficos sobre el artista:

Can Altay

Ankara, 1975

Azkenengo erakusketak (aukeraketa) / Exposiciones recientes (selección) / Recent exhibitions (selection)

2005

“Eindhovenİstanbul”, Van Abbemuseum, Eindhoven. 

“Now Here Europe”, Polo Museale Veneziano Alla Misericordia, collateral event of the 51^st Venice Biennial.

“Arbeitshaus: Einatmen, Ausatmen (House of Work: Inhale, Exhale)”, Kunsthaus Dresden.

“Normalization”, Platform Garanti Contemporary Art Center, İstanbul.

“How Latitudes Become Forms: Art in a Global Age”, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey.

“Art for…”, Platform Garanti Contemporary Art Center, İstanbul.

2004

“How Can You Resist? – L.A. Freewaves 9^th Biennial Festival of Film, Video and New Media”, Los Angeles.

“Can Altay, Bauer and Krauss, New Beginings”, Signal, Malmö.

“Call me İstanbul”, ZKM Center for Art and Media, Karlsruhe.

2003

“4D: four dimensions, four decades - 8^th Havana Biennial”, La Habana.

“Poetic Justice: 8^th İstanbul Biennial”. İstanbul.

“Making Space”, Platform Garanti Contemporary Art Center, İstanbul.

  

NO BAR, JUST BOTTLES / TABERNA EZ, BOTILAK BAKARRIK / BAR NO, SÓLO BOTELLAS

Del 25 de mayo al 9 de julio de 2006

sala rekalde

El Gabinete Abstracto

Alameda de Recalde, 30

Bilbao 48009

http://www.salarekalde.net/

SALA DE ARTE SOLEDAD LORENZO (MADRID)

Nueva Exposición: Jose María Sicilia//Del 9 de Mayo al 11 de Junio

Jose María Sicilia Nace en Madrid en 1954, cursando estudios en la escuela de Bellas Artes de San Fernando.Entre otros,ha recibido el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1989.

Como gotas de lluvia han ido llegando, golpeando el cristal, atraídas por la luz del cuarto, un abrevadero, tac, tac, como si alguien nos llamase agitando la mano, adiós o ábreme, pero es de noche, y sólo son ellas, aturdidas, entre el abismo y la ascensión de los pétalos, dibujan un collar que nunca se cierra, una red de espejos, un tapiz de agujeros donde asomarse. Quisieras levantarte, coger el dibujo con las manos, injertar las yemas de tus dedos, un ojo, ser su compañero, pero el temor de que el espejo bascule y la ruina se desvanezca te lo impide. Hay algo de inacabado en el dibujo, un hacer inmóvil, es y no es, necesita algo, ese algo no está en ti, tu aportas el asombro. Una bola de cera asciende a través de tu cuerpo hacia el calor de la boca, la moldeas con la lengua, quieres gritar, dices que el cristal es barro que espera el rayo, unos kilos de luz muerta, que eres tú, esa imagen y su disolución. Ahora los ojos en los ojos, ahí en el reflejo estás, sin sal, desnudo, sentado al borde de la cama, los brazos rígidos, hacia atrás. José María Sicilia

 

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LA GRAN APUESTA DEL MUSAC (Museo de Arte de Castilla y León)

Medio centenar de artistas se van a dar cita en en el MUSAC

 El sábado pasado fue presentada la nueva exposición que alberga el MUSAC llamada Trial Ballons/Globos Sonda, una “pseudo-bienal” de arte con casi medio centenar de artistas de todo el mundo. Como representación de la capital leonesa estarán presentes graffittis del enigmático Dr.Hoffman – información extendida más abajo- 

GLOBOS SONDA es una propuesta producida por MUSAC y comisariada por Yuko Hasegawa (Directora Artística del 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa), Agustín Pérez Rubio (Conservador Jefe, MUSAC) y Octavio Zaya (Comisario independiente, Co-editor de la revista ATLÁNTICA y miembro del Comité Asesor de la Colección MUSAC), junto a Tania Pardo como comisaria adjunta. Globos Sonda es una exposición que trata de examinar las corrientes artísticas diversas y complejas que ocupan e interesan hoy a una selección de practicantes internacionales del arte que llevan trabajando desde principios del nuevo siglo. Esta muestra colectiva que reúne a 48 artistas y otros creadores –incluyendo diseñadores, arquitectos, músicos y performers– ocupará todas las salas y dependencias expositivas del MUSAC.

La muestra se inaugura el 6 de Mayo y se clausura el 10 de Septiembre. Para la apertura, MUSAC publica una guía de la exposición que recoge una breve nota de cada uno de los artistas seleccionados (listado adjunto) y el marco conceptual en el que se presenta la exposición. Durante la segunda semana de Julio el museo presentará el catálogo de la muestra, que recogerá ilustraciones de todas las instalaciones de las obras en el espacio de MUSAC y los textos teóricos de los comisarios. El logotipo de la muestra ha sido diseñado por Vasava y el catálogo es una publicación conjunta de ACTAR y MUSAC.

En palabras de Agustín Pérez Rubio, Conservador Jefe de MUSAC y uno de los tres comisarios de esta nueva propuesta, “el MUSAC, con este proyecto, además de festejar su año de apertura y de celebrar los buenos resultados obtenidos que superan con creces todas las espectativas iniciales, pretende poner su granito de arena aún más allá”

Para Octavio Zaya, comisario de la exposición de Shirin Neshat que presentó el MUSAC el otoño pasado y miembro del comité de adquisiciones del Museo, “Globos Sonda/Trial Balloons es un espacio, una ‘condición’, un compromiso o situación donde convergen y se enfrentan intenciones competitivas y efectos, tendencias y resoluciones estéticas, sociales e intelectuales diversas y diferentes líneas de fuerza”

LISTADO DE ARTISTAS PARTICIPANTES

DINO ALVES
1967, Anadia-Aveiro, Portugal
Vive y trabaja en Lisboa, Portugal

AMID* architecture [cero9]
Cristina Díaz Moreno + Efrén García Grinda
1971, Madrid, España + 1966, Madrid, España
Viven y trabajan en Madrid, España

JULIETA ARANDA
1975, México DF, México
Vive y trabaja en Nueva York, EEUU

AVAF – Assume Vivid Astro Focus
Nacidos en un tiempo entre el siglo XX y el XXI en varias partes del mundo
Nómadas

AVPD
Aslak Vibæk + Peter Døssing
1974, Svendborg, Dinamarca + 1974, Juelsminde, Dinamarca
Viven y trabajan en Copenhague, Dinamarca

EELCO BRAND
1969, Rótterdam, Holanda
Vive y trabaja en Ámsterdam, Holanda

TOBIAS BUCHE
1978, Berlín, Alemania
Vive y trabaja en Berlín, Alemania

DOUBLE STANDARDS/CHRIS REHBERGER
1970, Ruit a.d. Fildern, Alemania
Vive y trabaja en Berlín, Alemania

DR. HOFMANN
León, España
Vive y trabaja en León, España y Madrid, España

SMADAR DREYFUS
1963, Tel Aviv, Israel
Vive y trabaja en Londres, Reino Unido y Tel Aviv, Israel

HADASSAH EMMERICH
1974, Heerlen, Holanda
Vive y trabaja en Maastricht, Holanda y Londres, Reino Unido

INAZIO ESCUDERO
1972, Bilbao, España
Vive y trabaja en Bilbao, España

HEBA FARID
1966, El Cairo, Egipto
Vive y trabaja en El Cairo, Egipto

LARA FAVARETTO
1973, Treviso, Italia
Vive y trabaja en Torino, Italia

GUNDA FÖRSTER
1967, Berlín, Alemania
Vive y trabaja en Berlín, Alemania

FUNKY PROJECTS
2000, www.funkyprojects.com
Sede en www.funkyprojects.com

RYAN GANDER
1976, Chester, Reino Unido
Vive y trabaja en Londres, Reino Unido

ERIK GÖNGRICH
1966, Kirchheimbolanden, Alemania
Vive y trabaja en Berlín, Alemania

JESPER JUST
1974, Copenhague, Dinamarca
Vive y trabaja en Copenhague, Dinamarca

KING/DÍAZ DE LEÓN
Jay King + Mario Díaz de León
1978, Cincinnati/OH, EEUU + 1979, St Paul/MN, EEUU
Viven y trabajan en Nueva York, EEUU

ELLEN KOOI
1962, Leeuwarden, Holanda
Vive y trabaja en Haarlem, Holanda

KYUPI KYUPI
Unidad visual + preformativa formada por Yoshimasa Ishibashi (director) + Mazuka Kimura (artista 3D) + Mami Wakeshima (performer) + Koichi Emura (diseñador gráfico, dibujante)
Fundada en 1996, Kyoto, Japón
Sede en Kyoto, Japón

LANG/BAUMANN
Sabina Lang + Daniel Baumann
1972, Berna, Suiza + 1967, San Francisco/CA, EEUU
Viven y trabajan en Burgdorf, Suiza

TONICO LEMOS AUAD
1968, Belém, Brasil
Vive y trabaja en Londres, Reino Unido

PABLO LEÓN DE LA BARRA
1972, México DF, México
Vive y trabaja en Londres, Reino Unido

SHU-MIN LIN
1963, Taipei, Taiwán
Vive y trabaja en Nueva York, EEUU y Taipei, Taiwán

JEN LIU
1976, Smithtown/NY, EEUU
Vive y trabaja en Nueva York, EEUU

KATARINA LÖFSTRÖM
1970, Falum, Suecia
Vive y trabaja en Berlín, Alemania y Estocolmo, Suecia

JUAN LÓPEZ
1979, Alto Mailaño/Cantabria, España
Vive y trabaja en Barcelona, España

MONA MARZOUK
1968, Alejandría, Egipto
Vive y trabaja en Alejandría, Egipto

TAKAGI MASAKATSU
1979, Kyoto, Japón
Vive y trabaja en Kyoto, Japón

ÁNGEL MASIP
1977, Alicante, España
Vive y trabaja en Bilbao, España

JOSEPHINE MECKSEPER
1964, Lilienthal, Alemania
Vive y trabaja en Nueva York, EEUU

SHAHRYAR NASHAT
1975, Teherán, Irán
Vive y trabaja en Paris, Francia

ALEXANDRA NAVRATIL
1978, Zurich, Suiza
Vive y trabaja en Barcelona, España y Zurich, Suiza

OLIGATEGA NUMERIC
Colectivo de artistas formado por Mateo Amaral + Maximiliano Bellmann + Alfio Demestre + Mariano Giraud + Leandro Tartaglia
Fundado en 1999, Buenos Aires, Argentina
Sede en Buenos Aires, Argentina

ANGEL NÚÑEZ POMBO
1969, Madrid, España
Vive y trabaja en Ponferrada/León, España

PSJM
Pablo San José + Cynthia Viera
1969, Mieres/Asturias, España + 1973, Las Palmas de Gran Canaria, España
Viven y trabajan en Madrid, España

FERNANDO RENES
1970, Covarrubias/Burgos, España
Vive y trabaja en Nueva York, EEUU

FRANCESC RUÍZ
1971, Barcelona, España
Vive y trabaja en Barcelona, España

MARKUS SCHINWALD
1973, Salzburg, Austria
Vive y trabaja en Viena, Austria

STEVEN SHEARER
1968, New Westminster, Canadá
Vive y trabaja en Vancouver, Canadá

SUPERM (Slava Mogutin & Brian Kenny)
Slava Mogutin + Brian Kenny
1974, Kemerovo/Siberia, Rusia + 1982, Heidelburg, Alemania
Viven y trabajan en Nueva York, EEUU

KOUICHI TABATA
1979, Tochigi, Japón
Vive y trabaja en Tokio, Japón

TOPACIO FRESH
1973, Rosario, Argentina
Vive y trabaja en Madrid, España

BANKS VIOLETTE
1973, Ithaca/NY, EEUU
Vive y trabaja en Nueva York, EEUU

NADAV WEISSMAN
1969, Hifa, Israel
Vive y trabaja en Tel Aviv, Israel

TINTIN WULIA
1972, Bali, Indonesia
Vive y trabaja en Maribymong, Australia y Bali, Indonesia

::MENTES-INQUIETAS::

NUEVA EXPOSICION EN LA GALERIA PILAR PARRA & ROMERO (MADRID)

HEIDE TREPANIER POR PRIMERA VEZ EXPONE EN ESPAÑA

En esta nueva serie de cuadros en esmalte sobre lienzo y madera la artista continúa explorando los límites entre abstracción y representación. La artista crea formas biomórficas a través de la técnica del  dripping, que luego limita con pintura negra otorgándoles una cualidad narrativa que emana de fuentes como el cómic. Así lo que inicialmente puede parecer un gesto inmediato e impulsivo es enfriado por un segundo gesto dirigido y controlado donde el azar tiene poco espacio. Es en este último proceso donde nace la representación en forma de metáfora o alegoría.
Estas formas viscosas que recuerdan a las del  surrealismo abstracto de Roberto Matta o Ives Tanguy actúan sobre un fondo monocromo de intenso color que funciona como escenario o pantalla de la narración. Las manchas aparecen frecuentemente de los límites del cuadro – escenario.

 

Las composiciones de Heide Trepanier (Richmond, 1970) se pueden entender como metáforas de la naturaleza humana sin control: deseo, destrucción, perversidad, envidia. Las manchas biomórficas que se desenvuelven  y respiran sobre un fondo monocromo que actúa como pantalla o escenario, nacen del dripping que luego Trepanier modela y dirige hasta conseguir las formas y la escenografía deseada. Ella pinta como si fuese una coreógrafa o directora: una vez que estas formas orgánicas están concebidas y emplazadas donde ella lo desea, interactúan entre ellas como si fueran actores narrando historias que, debido a su abstracción, son abiertas.  Estas formas en continuo cambio muestran en su piel los "fallos" de la pintura (grietas e imperfecciones), como si fueran seres vivos en continuo cambio. La viscosidad de sus formas acentúa este tipo de pasiones, no sabemos cómo van a evolucionar en cada momento.
Heide Trepanier ha expuesto en "More Life-Performance", Regency Mall, Richmond; "New Paintings", Stefan Stux Gallery, 2004 y "Altered Interiors", Second Street Gallery, Virginia, 2004.

El MUSAC presenta la performance “Technocharro”

El MUSAC presenta la performance  “Technocharro” de la artista Kaoru Katayama con motivo de la clausura de la exposición FUSION

Fecha: Domingo 16 de abril

Hora: 19:00 horas

Lugar: vestíbulo de la entrada

El próximo 16 de abril, con motivo de la clausura de la muestra FUSION, aspectos de la cultura asiática en la Colección MUSAC, este Museo presenta una performance de la artista japonesa Kaoru Katayama. Se trata de la performance Technocharro, una obra en la que un grupo de bailarines tradicionales de Salamanca bailan al son de una sesión de música techno a la vez que intentan mantener los ritmos y pasos originales, en un intento de romper la frontera entre lo tradicional y lo contemporáneo.

La obra surge de la propia condición vital de la artista, una japonesa que lleva viviendo 15 años en Salamanca y que pretende “reflexionar sobre la cultura como elemento fundamental para la identidad colectiva de un lugar”. Katayama reinterpreta la cultura de su país de acogida a través de tópicos atribuidos a su nacionalidad, el resultado es una obra que muestra la evolución de la cultura debido a la globalización.

La performance ha sido realizada anteriormente en el Domus Artium en el año 2004 (Salamanca), en la Feria de arte contemporáneo Art Salamanca en 2005 y en el stand de la  galería T20 en la última edición de ARCO.

FUSION, aspectos de la cultura asiática en la Colección MUSAC es una exposición que pretende establecer un diálogo entre dos mundos Oriente y Occidente que desde los albores de la civilización han estado visiblemente separados a la par que han mantenido una continua relación simbiótica de influencias. Inaugurada en diciembre de 2005, la clausura de esta muestra tendrá lugar el próximo 16 de abril de 2006.

Después de la performance se servirá un cóctel en el vestíbulo de entrada del MUSAC

::MENTES-INQUIETAS::

ENRIQUE MARTY en MUSAC hasta el 16 DE Abril. Date prisa o te lo perderás¡¡¡¡ Menuda Experiencia¡¡¡¡

El artista Enrique Marty: un proyecto específico de instalación en el MUSAC Título: Flaschengeist la caseta del alemán.
Artista: Enrique Marty (Salamanca, 1969) Lugar: Sala 2, MUSAC Fechas: 17 de Diciembre – 16 de abril 06.
Enrique Marty ha construido en el MUSAC a través de una gran escenografía creada específicamente para este proyecto el ambiente de las Ferias de antaño.
Distintas casetas albergarán a los personajes de esta particular Parada deos Monstruos: la niña que levita, el hombre de las siete cabezas, la mujer serpiente, el macroencefálico, el hombre perro, etc. Personajes de la Feria nos introducirán en un mundo que conjuga la sorpresa y lo mágico, con la realidad y la trampa.
El MUSAC es una iniciativa de la Junta de Castilla y León a través de la Fundación Siglo.

 

Flaschengeist, la caseta del alemán.
Cada vez es más raro tropezarse en las ciudades con alguna feria de las de antes, quizás porque quedan pocos solares libres para instalarlas. O es posible que sí lleguen, monten su casa ambulante en un descampado del extrarradio, cuyo nombre sea una noticia pequeñísima, si acaso, en las páginas locales del diario.

 

Porque las ferias, igual que el circo y los antiguos zoos, parecen hoy figuras retóricas del pasado, síntomas de otro tiempo, un tiempo de escasas abundancias en el cual no había parques temáticos, ni Safari Parks. Y, sin embargo, cuando en el paseo nos damos de bruces con el perfil de una feria instalada a lo lejos, sentimos cómo ese encuentro inesperado con el lugar nos traslada hasta una sensación poderosa y antigua: un desamparo más profundo que el propio regreso a la infancia, tal vez porque las ferias tienen algo de destierro permanente, un exilio que acaba por ser el alejamiento de la casa de la memoria. Y tienen, sobre todo, una esencia indiscutiblemente radical, pues si es cierto que, igual que los circos o los zoos de antes, las ferias son los sitios donde las diferencias –los “otros”– se exhiben tras domarlas y darles un baño de civilización, no lo es menos que allí también se construyen esas diferencias en el juego infinito de asaltar el espacio del espectador.

 

Hemos llegado hasta la feria para formar parte de una peculiar transgresión y dejarnos ir, indefensos, al menos mientras dura el recorrido. Las ferias tienen, de hecho, bastante de arquetipo, esa franja de deseos y temores compartidos donde se manifiestan el prodigio y lo extraordinario, con mucho de lo “siniestro” freudiano, que no es sino lo familiar que de pronto se hace extraño –o todo lo contrario–, pues en el fondo es lo mismo.

 

Precisamente esos arquetipos son uno de los intereses recurrentes en la producción del artista Enrique Marty (Salamanca, 1969). Igual que en la obra La familia, que los visitantes tuvieron ocasión de ver en la muestra Emergencias del MUSAC, Enrique Marty investiga sobre las relaciones en el ámbito de lo cotidiano y el modo en el cual a menudo ocultan esos desplazamientos de significación que implica lo familiar cuando se hace extraño, la propuesta que ahora se presenta y que toma su nombre de una de las atracciones que más fascinación ha producido a Marty a lo largo del tiempo en las visitas de la feria a su ciudad natal, Flaschengeist, la caseta del alemán, retoma esos mismos desplazamientos de significado para enfrentar al espectador –e igual que ocurre en las ferias– con sus propias contradicciones que no son, al fin, sino las que plantea la construcción de la realidad. Se trata en este caso –y como en las ferias también– de una realidad deformada e inquietante que Marty construye a través de murales de tela, carteles, bombillas, atracciones, laberintos o esculturas con ciertas reminiscencias de las barracas del siglo XIX, que resume el trabajo de Tod Browning Freaks. La parada de los monstruos (1932). La niña que levita, el hombre de las siete cabezas, la mujer serpiente, el macroencefálico, el hombre perro…conforman el universo turbador con el cual Marty enfrenta a los espectadores. Concebida como una instalación in situ, para la cual el artista salmantino ha creado ex profeso cada uno de los elementos, la muestra refleja la experiencia y pasión escenográfica del autor y convoca, a través de esa confrontación de los espectadores con el reparto de diferencias, e igual que sucediera en las barracas de otro tiempo, una reflexión más general: ¿quién mira a quién, el espectador al “diferente” exhibido o todo lo contrario?

 

La feria, espejo impertinente que nos devuelve una imagen insospechada de nosotros mismos, nos hace reflexionar, entonces como ahora, sobre el problema de lo distinto y cómo se trata siempre de un territorio impreciso ya que un paso atrás o delante, un episodio súbito, y la vida nos coloca del otro lado. Todos somos los otros.

 

Edición de un Libro de Artista. Con motivo de esta muestra se editará un libro con los dibujos y anotaciones que ha ido realizando Enrique Marty durante el proceso de creación del proyecto. El diseño corre a cargo de Eduardo Szmulewicz y la editorial es TF. Será como un diario personal del artista y tendrá alrededor de 200 páginas. Imágenes disponibles para Prensa MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE CASTILLA Y LEÓN

MUSAC: Nueva EXPOSICIÓN

GLOBOS SONDA / TRIAL BALLONS
Una propuesta de Yuko Hasegawa, Agustín Pérez Rubio y Octavio Zaya / A proposal by Yuko Hasegawa, Agustín Pérez Rubio and Octavio Zaya
Una propuesta producida por MUSAC y comisariada por Yuko Hasegawa (Directora Artística del 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa), Agustín Pérez Rubio (Conservador Jefe, MUSAC) y Octavio Zaya (Comisario independiente, Co-editor de la revista ATLÁNTICA y miembro del Comité Asesor de la Colección MUSAC), junto a Tania Pardo como comisaria adjunta. Globos Sonda es una exposición que trata de examinar las corrientes artísticas diversas y complejas que ocupan e interesan hoy a una selección de practicantes internacionales del arte que llevan trabajando desde principios del nuevo siglo. Esta muestra colectiva que reúne a 48 artistas y otros creadores –incluyendo diseñadores, arquitectos, músicos y performers– ocupará todas las salas y dependencias expositivas del MUSAC.
La muestra se inaugura el 6 de Mayo y se clausura el 10 de Septiembre. Para la apertura, MUSAC publica una guía de la exposición que recoge una breve nota de cada uno de los artistas seleccionados (listado adjunto) y el marco conceptual en el que se presenta la exposición. Durante la segunda semana de Julio el museo presentará el catálogo de la muestra, que recogerá ilustraciones de todas las instalaciones de las obras en el espacio de MUSAC y los textos teóricos de los comisarios. El logotipo de la muestra ha sido diseñado por Vasava y el catálogo es una publicación conjunta de ACTAR y MUSAC. El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León es un proyecto de la Junta de Castilla y León a través de la Fundación SIGLO.
En palabras de Agustín Pérez Rubio, Conservador Jefe de MUSAC y uno de los tres comisarios de esta nueva propuesta, “el MUSAC, con este proyecto, además de festejar su año de apertura y de celebrar los buenos resultados obtenidos que superan con creces todas las espectativas iniciales, pretende poner su granito de arena aún más allá, sin desviarse del masacá, de su propio proyecto, de su idea de Colección, asumiendo, en definitva, el plan museográfico bajo el que se sustenta. Así, con mucho riesgo, Globos Sonda prueba a reflexionar en dos direcciones: por un lado en torno a la re-generación del evento artístico donde el museo es el protagonista capital, y por otro, adentrándose en nuestras obsesionessobre lo emegente y novedoso, sobre la fugacidad y rapidez dentro de la sociedad vigente, y más concretamente en aquella que atañe al arte contemporáneo. Es muy importante que el MUSAC realice, como institución, una apuesta de este tipo siendo fiel al presente, mostrándose como un nuevo modelo de museo parael Siglo XXI. De esta manera, el proyectoda un paso más y autoreflexiona sobre la institución como generador de energías y colectividades dentro de un sector como el artístico".
La propuesta parte de la propia definición de los globos sonda, globos no tripulados que efectúan a diferentes alturas mediciones automáticas de la temperatura, los vientos, presiones y otros datos medioambientales, y del uso social y político del término, que expone una idea o plan anticipado tentativamente para probar la reacción pública. A partir de aquella definición y de este uso, y en el contexto de algunas importantes corrientes y prácticas que se han venido desarrollando durante los últimos cinco años en la escena del arte contemporáneo, los comisarios persiguen elaborar, según Pérez Rubio, "una metáfora que abra vías, experimente sensaciones, individualice colectividades y vuelva a considerar esa otra realidadperdida tras los años de la verité y el documento. La propia atmósfera del proyecto es la queaglutina a estos globos que, y teniendo en cuenta que quizá la obsesión por lo nuevo y la evidencia de un presente inédito que ya nos pesa están muy cercanas, deben elevarse y captar estas u otras ideas, conceptos y personalidades que emergen del amplio panorama de arte actual".
Para Octavio Zaya, comisario de la exposición de Shirin Neshat que presentó el MUSAC el otoño pasado y miembro del comité de adquisiciones del Museo, "Globos Sonda/Trial Balloons ni es una entidad homogénea ni un "movimiento" conscientemente dirigido. Es, por el contrario, un espacio, una "condición" un compromiso o situación donde convergen y se enfrentan intenciones competitivas yefectos, tendencias y resoluciones estéticas, sociales eintelectuales diversas y diferentes líneas de fuerza. Globos Sonda es un proyecto abierto y por lo tanto inestable, contradictorio, parcial y que se esfuerza en diferentes direcciones. No existen jerarquías ni preferencias porque flirtea y se entreteje igualmente con lo seguro, con loimpredecible y con el fracaso. Globos Sonda es un proceso de lo potencial de lo todavía posible: escenarios con los que podemos especular y con estructuras que pueden cruzarse, cambiarse intercambiase y reinterpretarse. No son representaciones fijas sino espacios de colaboraciones y encuentros espontáneos y sensibles. Globos Sonda es una polifonía de la actualidad. Esta polifonía no es un proyecto eficiente sino lleno de complejidades, de accidentes, de errores y de cuestiones irresueltas, dudosas e indefinidas".
En este contexto, en la situación confusa y desequilibrada provocada por el flujo de información que ocasionan los medios de comunicación, además de la globalización que amenaza con la homogeneización de las culturas, “¿Cómo uno puede mantener la libertad de espíritu y relacionarse con el mundo exterior?”, se pregunta Yuko Hasegawa. “Los artistas de esta exposición”, se contesta la propia Directora Artística del 21st Century Museum of Contemporary Art de Kanazawa, Japón, “nos presentarán sus simples soluciones a esta cuestión. La manera aguda que tienen de observar lo usual, lo común, lo doméstico o lo peculiar, se equilibra con la transformación inusual y extraordinaria a partir del sorprendente modo en el que realizan sus intervenciones y yuxtaposiciones. Esto no creará una armonía preestablecida, sino que, por el contrario, generará una expresión transformada y exuberantea través de la exposición de sus sensibilidades más desnudas en la realidad, al tiempo que se se nutren de ésta. Es como la supervivencia de la sensibilidad”.
...
A proposal produced by MUSAC and curated by Yuko Hasegawa (Artistic Director of the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa), Agustín Pérez Rubio (Chief Curator, MUSAC) and Octavio Zaya (independent curator, Co-Editor of ATLÁNTICA magazine and member of the Advisory Committee of the MUSAC Collection), along with Tania Pardo as Assistant Curator. Trial Balloons is an exhibition meant to explore the diverse and complex artistic trends currently engaging and concerning a selection of international art practitioners who have been working since the dawn of the current century. This group show, which comprises the work of 48 artists and other creators –including designers, architects, musicians and performers- will occupy all of MUSAC’s halls and exhibition spaces.
The show will be inaugurated on the 6th of May and it will close on the 10th of September. For the opening, MUSAC is publishing an exhibition guide including a brief note on each of the artists selected (list enclosed) and the conceptual framework in which the exhibition is presented. During the second week of July, the museum will present the catalogue of the show, which will include illustrations of all the installations of the works at MUSAC and the theoretical texts by the curators. The show’s logo has been designed by Vasava and the catalogue is a joint publication by ACTAR and MUSAC. The Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León is an initiative of the Junta de Castilla y León through the Fundación Siglo.
In the words of Agustín Pérez Rubio, Chief Curator of MUSAC and one of the three curators of this new exhibition, “Through this project, in addition to rejoicing after its first year since its inauguration and celebrating the good results obtained, which are even much better than originally expected, MUSAC aims to make a little more headway without losing sight of its original purpose, its idea of collection; in short, to embrace the museographic plan upon which it is sustained. Thus, embodying quite a venture, Trial Balloons tries to reflect in two directions: on the one hand focusing on the re-generation of the artistic event wherein the museum is the foremost protagonist, and on the other hand, probing our obsessions with everything that is emerging and innovative, the fleetingness and speed characteristic of contemporary society, and more specifically with regard to contemporary art. It is very important that MUSAC, as an institution, endeavours to meet this sort of challenge, being true to the pesent, and demonstrating itself as a new museum model for the twenty-fst century. The project therefore goes a step further by making a self-reflection about the institution as creator of energies and communities within a sector such as art.”
The proposal stems from the very definition of trial balloons, non-manned balloons that automatically measure temperatures and winds and provide other environmental data at different altitudes, and from the social and political use of the term, which means to tentatively put forth an idea or anticipated plan to test public reaction. Considering what is inherent in the term and its shifting into other applications, and within the context of some important trends and practices developed over the course of the last five years in the contemporary art world, the curators strive to elaborate, according to Pérez Rubio, “a metaphor that forges paths, experiences sensations, individualises collectives, and once again considers those other realities lost after the years of documentary and verite art. The very atmosphere of the proect is that which joins these balloons, takng into account that perhapsthe obsession with the new and the conspicuousness of a still unknown present already weighing us down are very much alike which should rise and grasp these o other ideas, concepts and personalities emerging from the broad scenery of contemporary art”.
For Octavio Zaya, curator of the Shirin Neshat exhibition which MUSAC presented last autumn, and member of the museum’s acquisitions committee, “Trial Balloons is neither a homogeneous entity nor a consciously directed ‘movement’. It is instead a space a ‘condition’, a predicament where competing intentions and effects, diverse social and intellectual tendencies and lines of force converge and clash. Trial Balloons is an open poectand therefore unstable, contradictory, partial and going in several directions. There are no hierarchies no preferences because it flirts and weaves itself equally with the unquestionable, the unpredictable and with failure. Trial Balloons is a process of the potential, of the still possible; scenarios we can speculate with and structures that can be crossed out, changed, interchanged and reinterpreted. They are not fixed representations but spaces of spontaneous encounters and collaborations. Trial Balloons is a polyphony of this moment. This is not an efficient project but one full of complexities, accidents, and errors, and unresolved, doubtfuland undefined questions.
Within this context, in the confusing and unbalanced situation caused by the flood of information brought by mass media as well as the globalization that threatens to homogenize cultures, Yuko Hasegawa wonders, “How can one maintain the freedom of spiitand relate one’s self to the outer world?” “The artists in this exhibition” --answers the Artistic Director of the 21st Century Museum of Contemporary Art of Kanazawa, Japan herself-- will present us their simple solutions to these questions. Their sharp manner of observation on something usual, ordinary, and vernacular is beautifuly balanced with their unusual and extraordinary transformation through their outstanding manner of intervention o juxtaposition. That will not create a pre-established harmony, but instead, a richly transformed expression will be generated through the exposition of their naked sensibility tothe reality while taking nourishment from it. It can be called ‘the survival of sensibility.’”

CONFERENCIA DE DAVID DELFIN

DAVID DELFIN NOS MUESTRÓ LOS FUNDAMENTOS DE LA FIRMA QUE CELEBRA MÁS DE 7 AÑOS EN ACTIVO

"SI TU TRABAJO TE GUSTA,NADIE,NADIE TE PODRÁ PARAR"

Honesta la conferencia que nos ofreció David Delfín en el MUSAC de León el pasado fin de semana. El director del mismo , Rafael Roncero, nos presentaba a David Delfín, la cabeza visible de la firma que integran 4 compañeros más.

Reconocido y popular artista de la moda, nos mostró su cara más honesta y “proletaria”, con batallas exitosas y anecdóticas que le llevaron hasta Cibeles y Circuit. Tras el palo mediático que recibió la firma en 2002 con el escándalo propiciado por los burkas que tapaban los rostros de las modelos, David afirmaba que “después de  2 noches sin dormir nos reunimos con la prensa para solucionarlo y hablarlo. A partir de ahí nos recuperamos y seguimos con más fuerza que nunca”.
Tiempos difíciles pasaron por el centro de trabajo de Davidelfin,“Ha habido temporadas de dormir apenas 3 horas durante varias semanas. Si tu trabajo te gusta, nada ni nadie te puede parar”.
También se trataron temas comerciales y económicos, como las pocas tiendas ropa de su firma aunque aseguró que  “la relación que tenemos con el usuario desde apenas un año [desde que abrieron la tienda de Madrid] nos ha enseñado más que nunca”.
Pero más que modisto David es un artista. Llegó a Madrid con el objetivo del teatro,aunque también componía cuadros.Pintó unas cuantas prendas militares y gustó, llegando en puente aéreo Teatro-Circuit de Barcelona. Años han pasado desde que aquel chico de 18 años llegara a Madrid, y actualmente no sólo la pasarela llena de proyectos a la central de trabajo de Davidelfin, sino que publicidad, proyectos cinematográficos, musicales y mucho más conforman lo que hoy en día es Davidelfin que “cada seis meses[cada pasarela] me cuestiono si merece la pena seguir con estoy cada otros seis meses siempre obtengo la misma respuesta, por eso sigo aquí, que es lo que me apasiona”.

Hora y media de conferencia, información, cortos de promo, imágenes de pasarela y una pequeña huella que deja entrever una colaboración a medio plazo entre Davidelfin y Musac.¿Una instalación?¿proyecto 987?¿o solo humos fatuos? Con el tiempo lo sabremos.

::JK::

 

Retiran la cámara de gas de Sierra instalada en una localidad alemana

 El ayuntamiento de Pulheim ha optado por cerrar temporalmente la polémica instalación del artista español afincado en Mexico, Santiago Sierra. Dicha instalación se albergaba en una sinagoga alemana convertida en “cámara de gas”, ala espera de que el artista español se reúna la próxima semana con sus críticos para explicarles el significado de la obra.Tras la reunión, el edil mayor de Pulheim decidirá que hacer con la intalación que según algunas fuentes, “atenta contra la dura época nazi que se vivió en Alemania”. Santiago Sierra considera que esta pausa es necesaria para poder reunirse con las instituciones que le han criticado de forma negativa, el consejo Central de los judíos de Alemania y la sociedad judía de la región.

::MENTES-INQUIETAS::

SALA REKALDE (BILBAO)

PARA TODOS LOS PÚBLICOS PUBLIKO GUZTIENTZAT FOR ALL AUDIENCES  Del 2 de marzo al 7 de mayo de 2006 En los últimos años la cuestión del espacio público está siendo objeto de nuevas reflexiones y definiciones que destacan el vertiginoso desarrollo que a lo largo del siglo XX han experimentado los medios de comunicación social ampliando y transformando la noción tradicional de espacio público. De hecho, los llamados mass media se han convertido en los principales transmisores y productores de “información” superan­do con creces cualquier cota de cobertura e influencia imaginable en el pasado. Se inaugura así una época en la que los mass media han alcanzado el estatus de arterias vitales para las sociedades contem­poráneas, y en la que, paradójicamente, las industrias del entreteni­mien­to y la publicidad han pasado a ocupar un lugar central en la generación y regeneración de políticas sociales. Al mismo tiempo el espacio público, transformado en un escaparate para el márketing de los intereses co­merciales, apenas deja lugar a manifestaciones espontáneas de la ciudadanía. Este complejo panorama, anegado por los mensajes publi­citarios, se estructura según el paradigma hipercapitalista, lo que a menudo dificulta la tarea de aislar las políticas económicas de las culturales.

Pero ¿qué papel juega el arte en estos procesos políticos? Buena parte de las cotas altas de la estructura jerárquica de los mundos del arte sigue asumiendo los ideales románticos que al mismo tiempo que admitían que el y la artista pueden ser críticos/as con la sociedad, fomentaban la idea de que la verdadera función del arte era su propia expresión y de que el y la artista no deberían verse reducidos/as a las preocupaciones políticas y sociales diarias. Frente a esta postura, los movimientos artísticos que han desarrollado las teorías marxistas sobre el conflicto social, y otros colectivos como el feminista formados en torno a la vindicación de derechos civiles, se han ocupado de denunciar que precisamente es disociando los términos arte y sociedad como se perpetúa el statu quo de la desigualdad. Este conflicto ha resonado en los debates del siglo XX sobre la relación entre arte y política. Debates que se han centrado en cuestiones que siguen siendo relevantes en la actualidad: ¿el uso del arte para la propaganda implica la subordinación de la calidad estética del mensaje? Por otra parte, ¿pueden separarse de los valores ideológicos los criterios para juzgar la calidad estética?

En las décadas de los 50 y 60 del siglo XX la Internacional Situacionista (probablemente la corriente artística influenciada por el marxismo que más trascendencia ha tenido) desarrolló varias estrate­gias artísticas para combatir las tradiciones decimonónicas que, entre otros asuntos, avalaban la supuesta “inocencia” del arte. Entre estas estrategias situacionistas una, el détournement, destaca especialmente por estar sobrevolando los marcos conceptuales de la comunidad artística en los últimos años. Según Guy E. Debord y Gil J. Wolman (1956) détournement es la apropiación indebida y la descontextua­lización, con la consiguiente pérdida de significado, de elementos que nada tienen que ver entre sí y su reunión en un nuevo conjunto signifi­cativo. Tergiversación como juego que surge de la necesidad de invertir o subvertir todos los elementos del pasado cultural, como una negación del valor de esa vieja organización de la expresión que tiene que ser superada.

En Para todos los públicos 28 artistas de dentro y fuera de nuestras fronteras redefinen el concepto de espacio público tradicional. La exposición da cuenta de los diversos discursos críticos que, desde el arte y otros frentes, vienen cuestionando en los últimos años los usos y abusos impuestos a la ciudadanía por las estrategias de mercado, inci­diendo en las revolucionarias teorizaciones feministas sobre la división entre lo público y lo privado. Asimismo, la muestra denuncia los conteni­dos sexistas y otros intereses, tanto económicos como ideológicos, que, a menudo, configuran estos espacios hegemónicos. Las piezas que mostramos en la exposición se pueden considerar ejemplos contempo­ráneos de détournement. En ellas se realiza una tergiversación del mundo de la publicidad, la cartografía, el urbanismo, el cine, la propia escritura y de todo tipo de imágenes y medios de comunicación. Y lo que es más importante: se persigue tergiversar las proposiciones del propio espectáculo cuestionando incluso la creación artística y el mercado del arte. Con frecuencia estas obras están compuestas de elementos prefabricados: citas, pasajes de obras literarias, fragmentos cinematográ­ficos, de cómics, mapas, etc… Todo, descontextualizado y dotado de una significación nueva, en un ejercicio de crítica del lenguaje como ideología, es decir, del lenguaje como instrumento de dominio y de poder.

El título de la exposición, Para todos los públicos, también expresa la voluntad de reunir el trabajo de artistas preocupados y preo­cupadas por estas cuestiones, con la intención de desafiar la perversa maquinaria de la denominada "dictadura de la audiencia", según la cual los contenidos críticos no interesan al gran público.

JAKOB KOLDING (Albertslund, Dinamarca, 1971) Vive y trabaja en Berlín y Estocolmo. El artista viene desarrollando a lo largo de los últimos años diferentes proyectos de intervención en el espacio público a través de carteles o imágenes que coloca en distintos soportes con el objeto de cuestionar cómo han sido diseñados y cómo se gestionan esos espacios. Trabaja normalmente sobre las ideas del movimiento moderno en sus expresio­nes urbanísticas y arquitectónicas de los años veinte y treinta —los ejemplos clásicos de Le Corbusier, la Bauhaus, etc.— y el modo en que más tarde modelaron el desarrollo de las nuevas periferias urbanas europeas en los años cincuenta y sesenta: áreas que son prácticamente ciudades ente­ras, construidas con rapidez y con todos sus elementos planificados. Áreas que pretendieron garantizar un hogar decente para todo el mundo y donde las necesidades básicas estarían supuestamente cubiertas. Disponían de escuelas, guarderías y zonas céntricas a poca distancia, con todas las secciones del conjunto organizadas a distintos niveles de tal forma que la gente pudiera relacionarse: plazas, parques, campos de fútbol, zonas deportivas y de juegos, etc. Jakob Kolding se crió en una de esas barriadas y probablemente de ahí nace su interés por ellas. “Me sentía feliz de vivir allí siendo niño. Uno estaba seguro. Pero poco a poco empecé a sentirme a disgusto. No parecía existir la po­­sibilidad de que quisieras hacer algo no previsto, algo que no fuese empezar tu propia familia en el mismo sitio.” Al tratar de responder de antemano a cualquier necesidad de los residentes, todo estaba clara­mente pensado y predeter­minado. Y esto no sólo es válido para las vi­vien­das construidas en los años sesenta, sino que más o menos puede aplicarse a toda urbanización planificada. Si se intenta construir una ciudad ideal, o una sociedad ideal, muchas personas que no se ajustan al ideal quedan excluidas. La racionalización lleva igualmente a la división de las ciudades por zonas según características sociales y económicas, bloqueando a unas de las otras y mirando desde lejos al barrio vecino.

Para esta exposición el artista ha diseñado Contestando a la arquitectura y al espacio social, un póster específico que colocará en diferentes puntos de Bilbao y que a su vez se podrá contemplar en la sala junto a la documentación de otros seis proyectos, también especí­ficos, concebidos como intervenciones en espacios públicos que ha reali­zado en los últimos años en diversas partes del mundo.

Comisario: Xabier Arakistain

::MENTES-INQUIETAS::

 

LA RESACA DE ARCO´06

 "ARCO ES UN GRAN MERCADO DE DONDE SIEMPRE SE PUEDE SACAR ALGO POSITIVO"

::Texto:Rafael López::

::Museo DA2 Salamanca::

Quizás la feria, después de una paseo, parecía mas conservadora que otras veces, es decir llevamos un par de años en los que los galeristas no arriesgan con nuevos valores u obras de difícil comprensión para un público general e institucional que masivamente ha gastado su dinero en ARCO, es decir, las galerías están para vender y tal vez han encontrado un camino fácil que les allana el camino.

Personalmente este año tenía un interés especial por la escultura o las instalaciones escultóricas, tal vez buscando un modelo de representación que cabalga entre lo irónico, lo inquietante, lo gestual y lo icónico.

Eso no quiere decir que no me interesen otras manifestaciones como el video (Kaoru Katayama "Technocharro", premio de la Comunidad de Madrid, en la Galería T20 de Murcia), la fotografía (Nicola Vinci, Bonelli Arte Contemporáneo) la pintura (Nicola López, Caren Goleden Fine Art)), pero quizás sea la escultura figurativa actual la que en ese retorno a lo real puede perturbar al espectador con sus representaciones.

Voy a destacar en primer lugar la instalación que presentaba Enrique Marty en la Galería Espacio Mínimo, un hospital abandonado donde se pueden contemplar los cuerpos de cuatro niños, delgadísimos, con la cara demacrada y llena de pústulas, tal vez muertos, vestidos con sus ropitas y colocados dos en el suelo, uno en la mesa de exploración y otro encima de una pequeña vitrina, realmente aterrador.

Richard Stipl en la Galería Chrispopher Cutts nos muestra una instalación donde un grupo de personajes diminutos (todos ellos con el rostro del artista en diferentes actitudes) observan o participan en una bacanal de descomposición y antropofagia que sorprende por su crudeza y su turbador desenlace.

Eugenio Merino, joven artista madrileño, busca el lado más irónico de las imágenes cómicas y nos presenta un Bart Simpson negro, extremadamente delgado y con una cara de tristeza similar a la que vemos en la tele cuando nos muestran imágenes del hambre en África, es un curisoso reflejo del lado más oscuro de la sociedad de consumo, la obra se completa con un mapa de Africa en negro donde unos ojos de dibujo animado nos observan y un sonido de moscas acompañan a la figura del niño Simpson.

La Galería Japonesa Carol Lu de Tokio, presentaba un grupo de esculturas de niños sentados como en una clase. Sus rostros, muy redondos, paracen alegres pero siniestros, todos tan quietos y tranquilos parece que estén preparando algo malo.

Por último dentro de este repaso escultórico quisiera destacar un coche tuneado por Mariscal, lleno de líneas diagonales y cuyo motor expulsa muelles y valvulas, que parece más una situación de comic que una escultura para una feria de arte, pero cuya ironía hace que sea una de las piezas más curiosas del recorrido.

Interesante es sin duda la propuesta de 16 artistas españoles comisariada por Maria de Corral, supone una muestra de un arte fuerte, vigoroso y con nula presencia en el extranjero como es el español. Cualquier iniciativa de este tipo es bienvenida aunque la lista de Maria de Corral sea discutible (para mi acertada) . Una prueba de la nula presencia española en el contexto internacional es que en el último volumen de Art Now 2 (vademecum de artistas editado por Taschen) donde aparecen los artistas mas importantes del momento no aparece ni un español entre los 150 seleccionados. Mi favorito entre los elegidos por María de Corral, el videoartista Sergio Prego.

Dentro del apartado de video dos obras llaman la atención sobre el resto, por un lado el colectivo Masbedo (Nicolo Massazza y Jacopo Bedogni) en la Galería Marco Noire que en tres pantallas de proyección nos muestran su particular visión de uno de los clones que aparecen en la última novela de Michel Houllebecq (La posibilidad de una isla) y con el que han colaborado en el guión para mostrar una chica sola, en un mundo postnuclear destruido donde los neohumanos viven sin emociones, sin risa, sin humor, sin lágrimas, donde la incomunicación llena todo de sufrimiento y dolor.

Por su parte David Rokeby presenta una curiosa interpretación de lo que puede ser un paseo por la Plaza de San Marcos, trabajando con ordenador, sacando a las figuras de la imagen e insertando de nuevo el reflejo de sus pasos, consigue una imagen pictórica dentro de la pantalla de plasma.

ARCO es un gran mercado donde siempre se puede sacar algo positivo.

LA RESACA DE ARCO´06

El MUSAC ADQUIERE SIETE OBRAS EN ARCO 06

EL Comité Asesor para la Colección MUSAC ha decidido adquirir en la Feria de ARCO 06 siete obras de cuatro artistas españoles (uno de ellos de Castilla y León) y tres artistas extranjeros. El importe total de las obras asciende a 342.750 euros.

El Comité Asesor para la Colección MUSAC está compuesto por las siguientes personas:

-          D. Rafael Doctor Roncero, Director  MUSAC
-          D. Agustín Pérez Rubio, Conservador Jefe  MUSAC
-          D. Octavio Zaya, Comisario y Crítico de Arte Independiente
-          D. José Guirao, Director de la Casa Encendida, Madrid
-          Dña. Estrella de Diego, Profesora de Historia del Arte, Universidad Complutense de Madrid
-          D. Javier Hernando, Crítico de Arte y Profesor de la Universidad de León
-          Dña. María Jesús Miján, Coordinadora Proyectos Expositivos Junta de Castilla y León   
Artistas Nacionales
Carlos León (Ceuta, 1948)
Jardín perdido, 2005 (pintura)
Natividad Bermejo (1961)
Edificio Windsor, 2005 (gouache, pastel, grafito sobre papel)
Javier Arce (Santander, 1973)
Sin título (prototipo de objeto inútil), 2002-2004 (instalación)
Leopoldo Ferran y Agustina Otero (Guipúzcoa, León)
Nube, 1999 (instalación)
Artistas Internacionales
Muntean / Rosenblum (Viena, 1992)
Untitled, 2006 (pintura)
Andres Serrano (Cuba,1950)
Des americains, 2002-2004 (instalación fotográfica)
Barry McGee (EE.UU, 1966)

Untitled, 2005 (instalación)

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TODAVIA ESTÁIS A TIEMPO DE VER LA EXPOSICION EN BILBAO DE LOCKHART

 SALA REKALDE

Sharon Lockhart

PINE FLAT

Del 14 de diciembre de 2005 al 12 de febrero de 2006

La sala rekalde presentó Pine Flat, la primera exposición individual de Sharon Lockhart en el Estado. Fruto de tres años de intenso trabajo, se trata de la obra más reciente de esta reconocida fotógrafa y cineasta norteamericana.

Pine Flat es una pequeña comunidad rural situada al norte del estado de California,aunque lo que realmente cuenta para la artista es el hecho de que podría tratarse de cualquier otro lugar, de cualquier otro contexto rural en circunstancias similares. Lockhart ha indagado en el paisaje y en los habitantes de la localidad, en especial en los niños.

Fundamentalmente descriptivas, las imágenes casi pictóricas de la artista evitan cualquier intento de narración, dando primacía en su obra al placer de la mirada y a la noción de temporalidad.

En Pine Flat se percibe una afinidad con el género del retrato y de la pintura de paisaje, pero tratando de crear al mismo tiempo un universo propio en donde el espectador se olvide de su contexto personal y entre de lleno en esta visión particular de un mundo definido por los niños por un lado y por su manera individual de comportarse en el paisaje,por otro. Acostumbrados como estamos a que la imagen sea una fuente de información que nos permite leer e interpretar un suceso, este trabajo es una invitación a mirar de otra forma. Dejando a un lado nuestra ansia por interpretar todo lo que vemos, podremos entender mejor los mecanismos a los que recurrimos, como espectadores no ya de arte,sino de nuestro contexto cotidiano, para sacar conclusiones.

Pine Flat es una gran instalación compuesta por cuatro partes:

Untitled es una serie de dos fotografías de paisaje que muestran la naturaleza del lugar en diferentes estaciones del año.

Pine Flat Studio Portraits consiste en una galería que acoge una veintena de retratos realizados a los niños de esa comunidad en un improvisado estudio fotográfico.Untitled. En la sala se escucha la voz de un niño cantando la versión propia de sus canciones favoritas, una versión tan personal que aun aquellos que conozcan el original tendrían dificultades en reconocerlas. En esta sala se puede ver también una fotografía en color de gran tamaño con un retrato del intérprete cantando con una guitarra.Por último, un gran díptico cinematográfico, Pine Flat, que el espectador puede contemplar en dos salas de proyección. El díptico está compuesto de 12 secciones o "retratos fílmicos" de 10 minutos de duración cada uno, realizados en 16 mm. En una de las salas el visitante podrá ver lo que podríamos denominar "retrato en movimiento" de un niño en el paisaje, filmado individualmente, mientras que en la otra sala se proyecta otro "retrato fílmico" de un grupo de dos o más niños en interacción. Igual que si mirara un cuadro durante diez minutos, el espectador intentará descifrar el máximo de información visual que la imagen contiene.

Por decisión de Sharon Lockhart cada día se mostrará sólo una sección en cada una de las dos salas. Si el espectador desea ver la totalidad de la obra deberá repetir su visita a la exposición un mínimo diario de veinte minutos –diez en cada sala de proyección– a lo largo de una semana.

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DOMUS ARTIUM 2002

Os presentamos el Domus Artium 2002 de Salamanca,más conocido como el DA2,un centro de arte contemporáneo creado por y para una ciudad históricamente instalada en el mundo cultural.

Publicamos toda la información de Enero a Marzo de la que se va a componer las exposiciones del Domus Artium 2002,ahi va:

EXPOSICIONES ENERO/MARZO 2006

FERNANDO SINAGA.
ZONA. 1990-2005
Comisarios: Fernando Castro y  Javier Panera 

20 de Enero de 2006 al 29 de Marzo de 2006

ZONA. 1990-2005 es la más completa exposición sobre el trabajo de Fernando Sinaga  ( Zaragoza, 1951) realizada hasta el momento en nuestro país. Una exposición que recorre sus últimos quince años de trabajo, mostrando más de treinta obras sobre todo tipo de soportes y formatos cuyo estudio y conocimiento se nos antojan indispensables para entender los desarrollos de la escultura española de los últimos años.

 

SEPPO RENVALL
Films, videos and photographs. 1990-2005
20 de Enero de 2006 al 2 de Abril de 2006
Comisaria: Susana Santala y Maija Tanninen-Mattila
Coproducción con el Kunsthalle Helsinki (Taidehalli), Finlandia

Seppo Renvall, nacido en 1963, es uno de los videocreadores más destacados de Finlandia y uno de los pioneros en el cine experimental europeo. Su producción incluye películas, vídeos, fotografías, instalaciones y performances.

Robert Lucander.Pinturas.
Comisario: Javier Panera
20 de Enero al 2 de Abril de 2006

Primera exposición en España de este joven artista finlandés residente en Berlín que pasa por ser uno de los más significativos renovadores de la figuración pictórica europea de los últimos años. El DA2 mostrará una selección de más de 20 pinturas de diferentes formatos realizadas entre los años 2002 y 2005.

 

MUJERES DESESPERADAS.
Selección de fondos fotográficos de la colección del DA2
20 de Enero al 2 de Abril de 2006
El DA2 ha ido configurando desde su creación en el año 2002 una colección de arte contemporáneo integrada en su mayoría por trabajos de artistas que han participado en exposiciones del centro. En el momento actual estos fondos han ido adquiriendo una coherencia significativa que permiten agruparlos en diferentes segmentos formales y conceptuales que serán objeto a lo largo del presente año de varias exposiciones temáticas que permitan al público acercarse de un modo más didáctico a los fondos de nuestra colección.
Este es el caso de la muestra “Mujeres Desesperadas”, que se apropia de un modo irónico del título de la conocida serie de televisión para mostrar una selección de imágenes sobre soporte fotográfico y video en las cuales la mujer se convierte en protagonista de instantáneas de carácter narrativo un tanto enigmáticas.

ACTIVIDADES DIDÁCTICAS

25 de Enero
Presentación del CD y los videoclips del disco
BELVER YIN. “Naturaleza artificial”.
A cargo de Pedro L. Ortega y Chema Alonso
20 horas
Salón de Actos
Entrada libre

Coloquios

22 de Febrero
Conversaciones con FERNANDO SINAGA.
Presentación del libro Consideraciones discontinuas y otras conversaciones.
20 horas
Salón de Actos

Entrada libre

28 de Febrero. (Fecha sin confirmar)
Conferencia. Veinticinco años de escultura en España a cargo de JAVIER HERNANDO. Crítico de Arte y Catedrático de arte contemporáneo de la Universidad de León
20 horas
Salón de Actos
Entrada libre

TALLERES

Taller de expresión plástica y visual para niños en torno a la obra de Fernando Sinaga
Orientado para niños de 6 a 13 años
Del 18 de febrero al 25 de Marzo Todos los sábados de 11 a 14 horas
Inscripción gratuita llamando al teléfono 923 184916
Del dibujo al vídeo.
Taller de iniciación a la videocreación para niños.
Orientado para niños de 6 a 13 años.
Del 4 al 25 de Marzo. Todos los sábados de 11 a 14 horas
Inscripción gratuita llamando al teléfono 923 184916
VISITAS GUIADAS GRATUITAS TODOS LOS SÁBADOS Y DOMINGOS
VISITAS CONCERTADAS GRATUITAS PARA GRUPOS.
TFNO CONTACTO 923 184916

 

 

 

 

 

 

ARCO (y III)

Colecciones institucionales

PROYECTO SALAS reunirá nuevamente la presencia de colecciones institucionales y corporativas en ARCO. En esta ocasión, y siempre dentro del marco de promoción del coleccionismo, participan la Agencia Española de Cooperación Internacional, el Ayuntamiento de Madrid-Dirección General de Educación y Juventud; el Centro Cultural Conde Duque, el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, Centro de arte y Naturaleza Fundación Beulas, Comunidad de Madrid-Consejería de Cultura- Dirección General de Archivos, Museos y Bibliotecas, Diputación Provincial de Málaga, Fundación Caja de Burgos-Centro de Arte Caja de Burgos,  Fundación Telefónica, Fundación Unicaja, Generalitat Valenciana-Conselleria de Cultura Educación y Deporte, Gobierno de Cantabria-Consejería de Cultura,  MEIAC-Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Ministerio de Cultura,  Obra Social Caja de Madrid,   Sala de Exposiciones Rekalde, Ayuntamiento de Alcorcón, y Afinsa. Además, como es habitual el grupo Vocento y los diarios El Mundo y el Pais también contarán con un espacio en la feria.

 

Arquitectura Efímera en ARCO

La arquitectura se integra como disciplina  artística en  el marco de ARCO a través de distintas actuaciones. El eje lo constituye el Proyecto de Arquitectura y Diseño del Espacio, que en esta ocasión ha sido desarrollado por el Grupo AMMEBA, y que ha optado como principal objetivo por dotar a la Feria  de la máxima visibilidad,  de una circulación ágil y despejada y  de la posibilidad de aportar un descanso tanto físico como visual. Para ello el escenario propuesto ha sido  un espacio desprovisto de referencias y elemento ajenos, y la utilización exclusiva del blanco y el negro para concentrar  en el objeto artístico toda la atención. Diseños específicos han sido realizados para los espacios destinados a La Palabra Escrita, La Librería ARCO y, por primera vez, el espacio dedicado a la Fundación ARCO, todos ellos situados en los nexos de unión de los dos Pabellones (7 y 9) de la Feria, además del área  que albergará la sección theblackbox@arco.
Otra de las actuaciones será el diseño de los Chill-outs de arquitectura efímera, que patrocina el Ministerio Vivienda dentro del proyecto Arch Lab,  que en esta ocasión serán ejecutados por estudiantes de las Escuelas Técnicas Superiores de Arquitectura de las Universidades de Barcelona y de Viena. Los proyectos ganadores han sido “Jaburbú”, diseñado por Luis Arredondo, y ”Alive” que ha sido creado por Lukas Galehr y Rupert Zallmann.
El Grupo Ammeba está constituido por los arquitectos Pablo Berzal y Ángeles Mira, el historiador del arte David Pastor y el economista Thanos Touris.
Fundación ARCO -"Sísifo"

Por primera  vez, y con motivo de esta emblemática edición, la Fundación ARCO contará con un stand propio en el marco de la Feria.  Se trata de un diseño arquitectónico que dará cabida a una de las más recientes adquisiciones de la Fundación, la obra de Antoni Abad, "Sísifo", un vídeo temático de gran plasticidad que representa el constante  e incansable esfuerzo que ha desarrollado la Fundación ARCO a lo largo de sus veinte años de existencia a favor del coleccionismo y la creación de patrimonio.

Proyecto Avión
Por segundo año consecutivo ARCO contará con la programación del espacio cultural Proyecto Avión, que acogerá  una intervención de la artista británica Kira O’Reilly que forma parte  del programa oficial de VI  Festival de Escena Contemporánea, que organiza la Comunidad de Madrid, y que ya tuvo su primera experiencia en la pasada edición de la Feria.
 

Foro Internacional de Expertos en Arte Contemporáneo

Prestigiosos coleccionistas, artistas, directores, conservadores y comisarios de los principales museos y centros de arte del mundo, junto a críticos, coleccionistas y responsables de políticas expositivas de más de 25 países, se darán nuevamente cita  en el Foro Internacional de Expertos en Arte Contemporáneo, un evento que ha cobrado un extraordinario reconocimiento exterior, y que se ha consolidado como uno de los grandes encuentros mundiales para el análisis y el debate en torno a la actualidad y situación artística internacional.

 

El programa acoge en esta edición 9 ciclos de conferencias que se desarrollarán paralelamente a la celebración de la Feria. Los grandes temas de debate serán: el actual estado de la crítica en España; el pasado reciente y el presente de los museos; los nuevos sistemas  y canales de creación y distribución del arte; el coleccionismo; los medios y soportes; la cultura visual; la formación en el medio artístico; arte y feminismo y el arte actual austriaco.
Catálogo ARCO’06
Editado por Ediciones El Umbral, el Catálogo de ARCO'06 ofrece a lo largo de cerca de 1.000 páginas un recorrido por el programa artístico de esta nueva edición, con información específica de cada una de las galerías, instituciones y artistas representados, además de documentación gráfica que incorpora una selección aproximada de 1.000 imágenes de las principales obras expuestas. El diseño del catálogo, al igual que la imagen gráfica de ARCO'06, ha sido realizado por David Hernández Cervera. También estará disponible el Catálogo en soporte CD-ROM realizado por Ediciones El Umbral. Ambos catálogos estarán a la venta un mes antes de la celebración de ARCO, en librerías especializadas y en los principales centros comerciales del país, para apoyar una mayor difusión del contenido artístico de esta nueva edición de ARCO.

Madrid contemporáneo, arte en febrero

La oferta artística que genera ARCO en toda la ciudad hace de Madrid una de las grandes ciudades culturales de la escena internacional. Prácticamente la totalidad de sus museos, centros de arte y salas de exposiciones reúnen en torno a ARCO su mejor programación, ofreciendo a los miles de visitantes que acceden esos días a la ciudad la mejor oferta cultural del momento. Instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Centro Cultural Conde Duque, La Casa Encendida y el Canal de Isabel II, acogerán el programa expositivo que Austria ha preparado para su presentación en  Madrid. Toda una explosión artística y cultural, que incluso sale a la calle de la mano las espectaculares propuestas de Arte Público- Madrid Abierto, que se proyectan desde algunos de los más emblemáticos enclaves de la ciudad.

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ARCO (II)

  ARCO

Tras la primera entrega que publicamos de ARCO,os presentamos ARCO(II),una continuación de los 3 capítulos que os ofreceremos para que conozcáis más a fondo lo que nos presentan en IFEMA (Madrid) este año.

On youthculture 

Otra de las novedades del esta 25º edición  es la incorporación por primera vez y de forma casi inédita al arte urbano, habitualmente marginado de grandes acontecimientos y bienales.  Para ello, ARCO ha encomendado la selección a Peter Doroschenko y Pedro Alonzo, cuyo objetivo ha sido dar entidad al arte urbano mundial dentro de los entornos de exhibición y subrayar el trabajo de artistas que están fuera de las corrientes principales y que se mueven en las áreas de estas nuevas corrientes, mediante  la selección de artistas y galerías que presentan una nueva faceta de los centros  urbanos más dinámicos como Nueva York, Chicago, Los Angeles, Londres y Moscú.

 

La selección reunirá a grandes figuras del “street art” como el californiano Barry McGee “Twist”, uno de los máximos exponentes del arte del graffiti. Junto a él, podrán verse las creaciones de la norteamericana Clare E. Rojas, con grandes formatos y elementos del Folk art; la  obra pictórica de la artista francesa Nicole Eisenman; pinturas en tableaux con elementos del “Hip Hop” del neoyorquino Tom Sanford; las propuestas del portorriqueño Dzine (Carlos Rolon), que ya estuvo presente en ARCO’04, y la venezolana Carla Arocha, dos artistas que exploran el mundo de la abstracción, a través de la música y de la biología y la moda; respectivamente; además de la obra del  californiano Ed Templeton, que transmite en sus murales la dura vida de la calle;  la moscovita Natasha Struchkova, con grandes creaciones digitales  y la joven ucraniana Janna Kadyroa, con sus espectaculares instalaciones.

 

The ARCO'06 Project Rooms

Consolidada como una de las grandes marcas de ARCO y uno de sus mayores éxitos programáticos, The ARCO'06 Project Rooms llega a esta vigésimo quinta edición renovando su apuesta por la investigación de nuevas propuestas artísticas,  de la mano de Agustín Pérez Rubio, comisario jefe del MUSAC y Octavio Zaya, critico de arte y curador independiente, dos comisarios españoles que han querido aportar a este programa internacional un especial acento español. En efecto, de los 22 proyectos seleccionados 12  son nacionales,  si bien la propuesta no será en absoluto local ya que la selección ha primado la calidad y su proyección internacional.

The ARCO'06 Project Rooms ha buscado propuestas entre galerías tanto emergentes como consolidadas, así como entre artistas de distintas generaciones enmarcados en medios artísticos y disciplinas diversas. De España han sido seleccionados los proyectos de Carmela García, Txomin Badiola,  Leopoldo Ferrán y Agustina Otero, Leandro Erlich, Abigail Lazkoz, Fernando Bryce, Fernando Renés, Itziar Okariz, Lara Almárcegui, Won Ju Lim, Javier Arce, y Shoja Azari. Por su parte, la artista española Olga Adelantado, llega desde México; Alexandre Arrechea, Julie Merethu, Josephine Meckseper, desde Alemania; Christian Jankowski, de Reino Unido; Lara Favaretto, de Italia; Kris Vleeschouwer, de Bélgica; Isa Melsheimer, de Austria; Susan Philipsz, de Países Bajos y Japón, y por último Nadav Weissman, desde Israel.

 

 

theblackbox @arco   

Las nuevas tecnologías, el vídeo y el  arte digital constituyen una de las más recientes apuestas de ARCO, a través de esta sección, que ya se reveló en su primera edición como un espacio de investigación y promoción de  los nuevos discursos y soportes electrónicos.

Son 12 los proyectos multimedia que integran la selección de theblackbox@arco, realizada  por Karin Ohlenschläher, Ángela Molina, Christiane Paul, Jemima Rellie y Mark Tribe, y los que desde distintos medios proponen una exposición que aspira a estimular el debate crítico y el apoyo a la creación dentro del New Media Art. Participan en esta edición el artista plástico y cineasta croata-holandés Dan Oki,  con  su video instalación “Oxygen4”; el brasileño y pionero en “arte genético” Eduardo Kac; el  joven artista suizo Dominik Eggermann, con su bosque digital; la creadora india Shilpa Gupta; la artista griega Jenny Marketou, que incorpora el “haking” como técnica artística;  el estadounidense Cory Arcangel, y  el  arquitecto austriaco Herwig Weiser, con su proyecto multidisciplinar. Junto a ellos, los españoles Patricia Dauder y Frederic Amat, que presentan  cortometrajes de animación; Daniel Canogar, que muestra una multiproyección,  y además, el méxicano Arcángel Constantini, que propone un proyecto net art y uno de los últimos proyectos del artistas George Legrady. Cityscapes

La promoción e investigación en torno a nuevos modelos de creación, ha llevado a ARCO una edición más a evolucionar su principal plataforma  de exhibición del arte emergente, la sección Cityscapes, anteriormente conocida como NuevosTerritorios. Su redenominación alude a su nuevo enfoque: la voluntad de evidenciar la influencia que el espacio urbano ejerce sobre las producciones de numerosos artistas, llegando incluso a convertirse en un fuerte reflejo del sentir de una ciudad y una síntesis de las diversas culturas  que conviven en ellas. La vida y la realidad diaria de distintas ciudades del mundo, todas ellas grandes centros de producción, será abordada por la selección realizada por los comisarios: Kenichi Kondo (Beijing); Carol Lu (Beijing/Shanghai); Victor Zamudio-Taylor (Bogotá/Guadalajara/México D.F.), David Liss (Calgary/Montreal/Toronto); Julieta González (Caracas); Jacob Fabricius (Copenhague); Simon Njami (Douala/El Cairo/Johannesburgo);  Rachael Thomas (Dublín);  Marilu Knode (Estambul); Antonio Zaya (La Habana); Zdenka Badovinac (Ljubjana); Christopher Miles (Los Angeles); Viktor Misiano (Moscú/Talinn); Isolde Brieimaier (Nueva York); Miguel von Hafe Pérez (Oporto); Gisela Domschke (Río de Janeiro/Sao Paulo); Camilo Yáñez y Jorge Rojas (Santiago de Chile) y Eugene Tan (Singapur).

ARCO en Cifras

La participación alcanza en esta nueva edición de ARCO 278 galerías de 35 países -193 extranjeras y 85 españolas-.  Del total, 197 stands corresponden al Programa General seleccionado por el Comité Organizador, y 81 a Programas Comisariados. En cuanto a representación, la Feria contará con presencia de establecimientos de los cinco continentes: Europa (213 galerías), Norteamérica (30), Latinoamérica y Caribe (20), Asia (13), África (1), y Oceanía (1).  Entre las presencias extranjeras más destacadas se encuentran Estados Unidos, Alemania,  Francia, Italia  y Portugal, por su alta participación, además del continente asiático -China, Corea, Japón y Singapur- por su creciente aportación. Así mismo el carácter renovador de la Feria  y su extraordinaria dimensión internacional queda plasmada  una vez más a través de la  sucesiva incorporación  de países,  que en esta ocasión serán   3   hasta ahora ausentes de la Feria -Croacia, Sudáfrica y Singapur-  a lo que se suma la presencia de 52 nuevas galerías.

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ARCO (I)

 

Madrid. Del 9 al 13 de febrero de 2006

NUEVOS PROYECTOS ARTÍSTICOS PARA CONMEMORAR EL 25º ANIVERSARIO DE ARCO

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCO, celebrará su vigésimo quinta edición del 9 al 13 de febrero de 2006, con un programa expositivo altamente representativo del panorama artístico mundial. La presencia de destacadas galerías de 33 países, la concentración de alrededor de 3.000 artistas de todo el mundo y la aportación de un amplio equipo de comisarios en torno a nuevas áreas de creación y grandes centros de producción, proponen una convocatoria de notable calidad y de extraordinario atractivo para los numerosos coleccionistas y profesionales del arte de todo el mundo que acudirán a Madrid.

ARCO, organizada por IFEMA, estará protagonizada por un hecho especialmente relevante: la conmemoración de su 25º aniversario, dos décadas y media de dinamización del mercado artístico español. Así mismo, esta emblemática edición coincidirá con la despedida de su directora, Rosina Gómez-Baeza, artífice durante casi veinte ediciones de la configuración de un modelo que se ha convertido en uno de los acontecimientos artísticos de mayor atractivo e identidad para la comunidad internacional.

Por ello, y a modo de reconocimiento de la dimensión internacional del arte español y como metáfora de su riqueza y diversidad, ARCO presenta como novedad el programa "Dieciséis Proyectos de Arte Español" cuyo contenido ha sido encomendado a una de los grandes referentes del panorama artístico nacional, María del Corral, ex directora del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía –MNCARS- y reconocida crítica y comisaria de exposiciones a nivel mundial.

También innovador es un segundo proyecto expositivo, con el que ARCO plantea una incursión hasta ahora inédita en los circuitos oficiales del arte, con una muestra que concentra algunas de más destacadas referencias del arte urbano, enmarcadas en ámbitos de la cultura del graffiti, el hip hop y el street art, que se mostrará en Madrid de la mano de los comisarios Pedro Alonzo y Peter Doroshenko, en el programa "on youthculture".

Coincidiendo con la presidencia austriaca de la Unión Europea en el primer trimestre de 2006, Austria estará presente en ARCO como invitado de honor, con un programa ampliamente representativo del panorama artístico de este país, caracterizado por un reciente proceso de internacionalización.Por este motivo la muestra, que reúne a 22 prestigiosas galerías todas ellas fundadoras del mercado artístico austriaco, así como a una amplia nómina de artistas que lideran la escena creativa del país, se ha percibido a nivel gubernamental como una ocasión única de dar visibilidad a la creación austriaca y de consolidar su mercado en el ámbito mundial.

Presentar a Austria como un país multifacético, creativo e innovador en el entorno artístico ha sido el objetivo, no sólo de la selección sino también del programa paralelo de exposiciones en las principales instituciones de Madrid, ambos dirigidos por el Secretario de Estado de Cultura austriaco, Franz Morak, en colaboración con un Comité de expertos integrado por Eckhard Schneider, de la Kunsthaus Bregenz, Christine Frisinghelli, de la Camera Austria Graz, Martin Sturm, del OK-Centrum für Gegenwartskunst de Linz, Silvia Eiblmayr, de la Galerie im Taxispalais Innsbruck, Tayfun Belgin, de la Kunsthalle Krems y Ricky Renier, como coordinadora de la Cancillería Federal austriaca.

 

Dieciséis Proyectos de Arte Español

ARCO ha querido festejar su 25º aniversario rindiendo homenaje a la creación nacional con un una nueva sección dirigida por una de las más brillantes figuras del panorama internacional, María de Corral. Un programa que pretende ser un guiño a la internacionalidad del arte español y un reconocimiento a los grandes maestros de todos los tiempos a través de la mirada actual de una selección de artistas que hoy copan el interés internacional.

La sección, que reúne proyectos individuales, y que está protagonizada muy especialmente por el vídeo y la vídeo instalación como soportes creativos, reunirá los proyectos de Jaime Pitarch (Dels Angels); Juan Carlos Brancho (Carmen de la Calle); Sergio Prego (Soledad Lorenzo); Sergio Belinchón (Distrito Cuatro); El Perro (Salvador Díaz); Jacobo Castellano (Fúcares); MP&MP Rosado (Pepe Cobo); Esther Partegás (Helga de Alvear); Simón Zabel (Sandunga); Alicia Martín (Oliva Arauna); Francese Ruiz (Strany de la Mota); Daniel Verbis (Max Estrella); Manu Muniategiaandikoetxea (Espacio Mínimo), además del artista de procedencia francesa afincado en España, Pierre Gonnord (Juana de Aizpuru), y Mabel Palacín, representada por la galería alemana Lothar Albrecht.

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