ARTE

LA DONACIÓN SE HUMANIZA EN EL MUSAC,CON SUSHI INCORPORADO 

Con esta pieza la artista pretende demostrar que el acto de donar sangre podría ser parte de una decisión diaria, como lo es la de decidir a dónde ir a cenar. La donación de sangre hoy en día se relaciona a menudo con la sensación sospechosa de enfermedades, o con el riesgo de infecciones. Esto hace que nos olvidemos de la naturaleza del precioso acto de dar vida a una persona anónima. Con motivo de esta exposición, el MUSAC invita a sus visitantes a participar en esta propuesta de Alicia Framis a través de la donación de su sangre. Una vez realizada la donación, el donante recibe un refrigerio a base de sushi, lo que enlaza con la temática planteada en esta pieza Remix Buildings-Bloodsushibank. Para la realización de esta iniciativa, se ha realizado un convenio de colaboración con la Hermandad de Donantes de Sangre de León y el Centro de Hemoterapia y Hemodonación de Castilla y León, que provee el personal médico y sanitario, así como el equipo y material necesarios para el desarrollo de la misma con las debidas condiciones higiénicas.

Esta iniciativa pretende dar sentido a la propuesta lanzada por esta obra, que forma parte de la exposición FUSION. Aspectos de la cultura asiática en la Colección MUSAC, que se inauguró en el MUSAC el pasado sábado. Remix Buildings-Bloodsushibank es una obra de Alicia Framis que consiste en una estructura arquitectónica que incorpora las funciones de alimentación (a través de una barra de sushi) y donación de sangre. Ambas funciones se refieren a lo más fundamental: la vida.

Desde que el pasado 17 de diciembre en se inauguraron las nuevas exposiciones, 9 personas han donado ya su sangre en la pieza de Alicia Framis Remix Buildings-Bloodsushibank.

ENRIQUE MARTY EN EL MUSAC

 

El artista Enrique Marty realizará un proyecto específico de instalación en el MUSAC Título: Flaschengeist lacaseta del alemán Artista: Enrique Marty (Salamanca, 1969) Lugar: Sala 2, MUSAC Fechas: 17 de Diciembre – 16 de abril 06 Comisaria: Estrella De Diego Coordinación: Tania Pardo, María Soria Enrique Marty (Salamanca, 1969) construirá en el MUSAC a través de una gran escenografía creada específicamente para este proyecto el ambiente de las Ferias de antaño. Distintas casetas albergarán a los personajes de esta particular Parada deos Monstruos: la niña que levita, el hombre de las siete cabezas, la mujer serpiente, el macroencefálico, el hombre perro, etc. Personajes de la Feria nos introducirán en un mundo que conjuga la sorpresa y lo mágico, con la realidad y la trampa.

Flaschengeist, la caseta del alemán
Cada vez es más raro tropezarse en las ciudades con alguna feria de las de antes, quizás porque quedan pocos solares libres para instalarlas. O es posible que sí lleguen, monten su casa ambulante en un descampado del extrarradio, cuyo nombre sea una noticia pequeñísima, si acaso, en las páginas locales del diario. Porque las ferias, igual que el circo y los antiguos zoos, parecen hoy figuras retóricas del pasado, síntomas de otro tiempo, un tiempo de escasas abundancias en el cual no había parques temáticos, ni Safari Parks.

Y, sin embargo, cuando en el paseo nos damos de bruces con el perfil de una feria instalada a lo lejos, sentimos cómo ese encuentro inesperado con el lugar nos traslada hasta una sensación poderosa y antigua: un desamparo más profundo que el propio regreso a la infancia, tal vez porque las ferias tienen algo de destierro permanente, un exilio que acaba por ser el alejamiento de la casa de la memoria.

Y tienen, sobre todo, una esencia indiscutiblemente radical, pues si es cierto que, igual que los circos o los zoos de antes, las ferias son los sitios donde las diferencias –los “otros”– se exhiben tras domarlas y darles un baño de civilización, no lo es menos que allí también se construyen esas diferencias en el juego infinito de asaltar el espacio del espectador. Hemos llegado hasta la feria para formar parte de una peculiar transgresión y dejarnos ir, indefensos, al menos mientras dura el recorrido. Las ferias tienen, de hecho, bastante de arquetipo, esa franja de deseos y temores compartidos donde se manifiestan el prodigio y lo extraordinario, con mucho de lo “siniestro” freudiano, que no es sino lo familiar que de pronto se hace extraño –o todo lo contrario–, pues en el fondo es lo mismo.

Precisamente esos arquetipos son uno de los intereses recurrentes en la producción del artista Enrique Marty (Salamanca, 1969). Igual que en la obra La familia, que los visitantes tuvieron ocasión de ver en la muestra Emergencias del MUSAC, Enrique Marty investiga sobre las relaciones en el ámbito de lo cotidiano y el modo en el cual a menudo ocultan esos desplazamientos de significación que implica lo familiar cuando se hace extraño, la propuesta que ahora se presenta y que toma su nombre de una de las atracciones que más fascinación ha producido a Marty a lo largo del tiempo en las visitas de la feria a su ciudad natal, Flaschengeist, la caseta del alemán, retoma esos mismos desplazamientos de significado para enfrentar al espectador –e igual que ocurre en las ferias– con sus propias contradicciones que no son, al fin, sino las que plantea la construcción de la realidad.

Se trata en este caso –y como en las ferias también– de una realidad deformada e inquietante que Marty construye a través de murales de tela, carteles, bombillas, atracciones, laberintos o esculturas con ciertas reminiscencias de las barracas del siglo XIX, que resume el trabajo de Tod Browning Freaks. La parada de los monstruos (1932). La niña que levita, el hombre de las siete cabezas, la mujer serpiente, el macroencefálico, el hombre perro…conforman el universo turbador con el cual Marty enfrenta a los espectadores.

Concebida como una instalación in situ, para la cual el artista salmantino ha creado ex profeso cada uno de los elementos, la muestra refleja la experiencia y pasión escenográfica del autor y convoca, a través de esa confrontación de los espectadores con el reparto de diferencias, e igual que sucediera en las barracas de otro tiempo, una reflexión más general: ¿quién mira a quién, el espectador al “diferente” exhibido o todo lo contrario? La feria, espejo impertinente que nos devuelve una imagen insospechada de nosotros mismos, nos hace reflexionar, entonces como ahora, sobre el problema de lo distinto y cómo se trata siempre de un territorio impreciso ya que un paso atrás o delante, un episodio súbito, y la vida nos coloca del otro lado. Todos somos los otros.

Edición de un Libro de Artista
Con motivo de esta muestra se editará un libro con los dibujos y anotaciones que ha ido realizando Enrique Marty durante el proceso de creación del proyecto. El diseño corre a cargo de Eduardo Szmulewicz y la editorial es TF. Será como un diario personal del artista y tendrá alrededor de 200 páginas

A PARTIR DEL 17 DE DICIEMBRE,MÁS MUSAC EN LEÓN CON PIPILOTTI RIST

 

"FANTASÍA NARRATIVA EN FORMATO AUDIOVISUAL"

Título Exposición: Pröblemäs büenös. 4 obras de Pipilotti Rist y amigäs
Artista: Pipilotti Rist
Lugar: Salas 4, 5 y 6, MUSAC
Fechas: 17 de Diciembre – 16 de abril
Comisario: MUSAC
Coordinación: Marta Gerveno

Pippilotti Rist, una de las artistas que ha marcado con más fuerza las prácticas artísticas durante los años 90, presenta en el MUSAC una selección de sus últimas producciones, además de un disco que recoge lo mejor de su música, siempre presente en sus piezas. Cuatro vídeo instalaciones -en versiones exclusivas para el MUSAC- más un vídeo que se proyectará en un local del centro de León completan la muestra. El trabajo de Pipilotti se inscribe dentro de un arte narrativo, cuyo tema es la memoria de la experiencia vivida que no es pasado sino que se hace presente. En cierta forma autobiográfico, pero situado más allá de la mera anécdota personal, las vídeo instalaciones de Rist hacen del cuerpo, del deseo, de lo sexual, de lo fluido, del movimiento y de la música, su leitmotiv. El MUSAC es una iniciativa de la Junta de Castilla y León a través de la Fundación Siglo.

Fantasía narrativa
Tras décadas de arte centrado en el concepto, gran parte del cual cuestionaba las normas y convenciones sobre el uso de la fotografía, en los años noventa surgió una generación de artistas que incorporaban a su obra la pura fantasía. El contar una historia, o la estructura narrativa en sí, es para estos artistas una forma de expresión en sí misma que les proporciona una nueva materia prima con la que construir su particular iconografía. La obra final es una escena o un entorno que el artista inventa para su cámara. Hoy en día, los artistas se inventan libremente sus cosmologías, tomando elementos de fuentes muy diversas que van desde los altares renacentistas hasta los videojuegos; en sus fotografías, películas y vídeos, Matthew Barney, Gregory Crewdson, Anna Gaskell, Pierre Huyghe, Mariko Mori, Sam Taylor-Wood y, nuestra protagonista, Pipilotti Rist, crean su propio universo imaginario.

Devenir en Pipilotti
En Rheitnal, Suiza, en el año 1962, nacía Elisabeth Charlotte Rist. Rist estudió en la Hochschule für Angewandte Kunst (Instituto de Artes Aplicadas) en Viena desde 1982 a 1986. En la víspera de su entrada en la escuela de arte, Rist mezcló su amor por la pequeña heroína creada por la escritora sueca Astrid Lindgren, Pipi Calzaslargas, con su propio mote cariñoso “Lotti”. Así se convirtió en Pipilotti Rist, la joven artista que reclamaría su lugar en el medio artístico durante las próximas décadas. “Pipilotti”, como su heroína, declaraba la lealtad de Rist al reino de la fantasía y al optimismo indomable de los niños.
La nueva estrella de la constelación artística y reencarnación contemporánea de Pipi Calzaslargas, piratea la cultura pop y la historia del arte de vanguardia recorriendo el mundo con su “barco” lleno de mágicos sueños que materializa en sus vídeo instalaciones. Evocando a la heroína infantil en innumerables entrevistas e intervenciones públicas, Rist mantendrá la historia de Pippi en el epicentro del sutil espíritu de su arte, donde el mundo se torna escenario y área de juego, y la vida, una gran aventura.

Mi universo en una pantalla
En Viena, Rist estudió ilustración, fotografía y publicidad. Además realizó Films Super-8 de animación, creados ex profeso para bandas musicales. Tras cuatro años en Austria, Rist volvió a Suiza y, entre 1986 y 1988, estudió video y animación en la Escuela de Diseño de Basilea. La serena paciencia de un animador combinada con la exhuberante irreverencia de una estrella del rock fueron perfilando las cualidades artísticas de Rist. Las obras de Pipilotti han tomado elementos y esencias rítmicas de la estética de los videoclips actualizando el discurso implícito en ellos y dándoles una visión inquietante, llena de paradojas, de ideas poéticas y, sobre todo, cargada de detonadores de sensaciones encontradas. Partiendo de un discurso muy personal, su mirada es capaz de abrirse a los demás porque establece un punto de diálogo a partir de la identificación y las similitudes de un código visual que parte de los medios masivos y da una vuelta de tuerca a partir del uso que hace de este código: usa las imágenes que nos son familiares como una herramienta con la cual deja vislumbrar los prejuicios y las nociones preconcebidas de las que están plagadas la televisión y la publicidad. Aunque no seamos del todo conscientes, estas ideas estereotipadas, determinan en gran medida nuestra manera de concebir el mundo. En uno de sus ensayos de 1989, titulado “Title”, Rist comentó: “Hacer vídeos… significa hacer terapia familiar; la televisión es un miembro de la familia que habla. Si mi trabajo es intenso, honesto y bueno, entonces su función terapéutica es también mi relevancia social”. Cuando escribió esto tenía 29 años, la explicación de Rist nos da un muy útil punto de partida en su trabajo más temprano. La idea de que la televisión no tiene una aplicación meramente funcional sino un carácter animado en la historia de la familia informa del espíritu del trabajo de Rist desde 1986 a 1996. El estilo de Pipilotti se compara con la estética del canal de televisión MTV (Music Television). De las grabaciones de los años ochenta, en las que adopta el formato vídeo-clip, destacan los montajes con cortes bruscos, alternados con rebobinados y tomas a cámara lenta. Sin duda, aunque se piense que es hija de la sencillez, la obra de Rist es rica y compleja, y como ella misma dice, sus vídeos son “como pinturas que se mueven detrás del cristal (pantalla)”.

 

Os iremos informando de las demás instalaciones que va a albergar el MUSAC a partir del día 17 de Diciembre.

EXPOSICION ESTUSSIAME/ENTUSIAMO

FUNDACIÓN ANTONIO TAPIES,BARCELONA.

 

Un proyecto de Cummings y Lewandowska
`Entusiasme' es un proyecto conjunto de Neil Cummings y Marysia Lewandowska. Su base es un archivo de películas realizadas por el movimiento polaco de cine amateur desde la década de los 50 hasta mediado de los 80. Su creatividad, la contracultura que llevaron a cabo, la revolución es lo que se explora en una muestra cargada de imágenes y textos llenos de un entusiasmo desbordante. Aquellas películas fueron la respuesta a la represión de la gente sencilla a través del sarcasmo, los documentales y la experimentación. La temática ha quedado dividida en 3 grandes temas: Amor, Trabajo y Deseo. Además de la exposición los domingos 30 de Octubre, 27 de noviembre y 15 de enero a las 18 h. se proyectará de forma gratuita la película de Krzysztof Kieslowski, `camera Buff'.

* Podréis ir a verlo desde hoy mismo,hasta el 15 de enero en:

Fundació Antoni Tapies Aragó 255

 

La primera colaboración entre Neil Cummings y Marysia Lewandowska dio lugar a la publicación Lost Property, editada por Chance Books y PADT en 1995. Posteriormente, en el mismo año, apareció Errata, como parte de la exposición Now/Here del Louisiana Museum of Modern Art de Dinamarca. Contents: Tiensevest 31 es un CD-ROM producido por Gallery Transit en Leuven, Bélgica. Una versión en diapositivas de Contents se incluyó en la muestra Material Culture de la Hayward Gallery, en 1997. 

 

Cummings y Lewandowska colaboraron en la guía Browse, que podía adquirirse en el British Museum y los almacenes Selfridges para Collected, una muestra internacional que se celebró en diversos museos, tiendas, y domicilios particulares del centro de Londres. El proyecto fue comisariado por Neil Cummings a iniciativa de The Photographers’ Gallery de Londres. Una exposición y una serie de eventos Pour les curieux se celebró en el Musée d’Art et d’Histoire de Ginebra en 1998. Al año siguiente, los artistas tomaron parte en Interarchiv, un proyecto comisariado por Hans Ulrich Obrist en la Universidad de Luneburg, y en Gesichter und Dinge del Neue Gesellschaft fur Bildende Kunst de Berlín.

 

En mayo/junio de 2000, la muestra Not Hansard; the common wealth, se expuso en la John Hansard Gallery de Southampton. También se incluyeron obras de estos artistas en Voilà, en el Musée d’Art Contemporain de la Ville de Paris, y en octubre, August/Birkhauser publicó en forma de libro un largo proyecto titulado The Value of Things y lo presentó en la Feria de Francfort. En diciembre de ese mismo año, la serie de eventos Documents marcó la culminación de la residencia anual de los artistas en el Design Council Archive de la University of Brighton. Un encargo de la Serpentine Gallery dio lugar a una instalación de sonido titulada Use Value como parte de Give and Take, en el Victoria & Albert Museum. Modern Chairs 1918-1970-2000 también formó parte de la muestra de celebración del centenario de la Whitechapel Art Gallery en marzo de 2001.

 

En mayo/octubre de 2001, Capital: Gift, una serie de seminarios y una publicación constituyeron el proyecto inaugural de la serie Contemporary Interventions de la Tate Modern, que implicó al Bank of England Museum. La obra Trafficking se incluyó en Trade, una gran exposición en el Fotomuseum de Winterthur, Suiza. En 2002, se exhibió una filmación de Capital integrada en la muestra The Gift organizada por el ICI de Nueva York, que itineró por varios museos americanos. Para la reapertura de la Manchester Art Gallery de Manchester les encargaron Free Trade, un conjunto de instalación, programa de conferencias y serie de paseos guiados. En 2003, la South London Gallery les encargó Reprise como parte de Independence.

 

En 2004, Enthusiasts from Amateur Film Clubs se inauguró en el Centre for Contemporary Art, en el castillo de Ujazdowski, en Varsovia, y una nueva obra con la forma de una serie de eventos dispersos The Commons <www.liverpoolcommons.org> se integró en International de la Liverpool Biennial 2004.

 

::MUSAC::

** EL LABORATORIO 987 TIENE NUEVA EXPOSICIÓN **

El Laboratorio 987 presenta bajo el título Between us / Entre nosotros la primera muestra individual en Europa del artista Ryan McGinley (New Jersey, EE.UU, 1978) en la que, mediante fotografías en color, se analizan conceptos que giran en torno la amistad, la diversión y determinados comportamientos juveniles de la sociedad contemporánea.

Exposición: Between us / Entre nosotros
Artista: Ryan McGinley (New Jersey, EE.UU, 1978)
Lugar: Laboratorio 987 (MUSAC) , León
Fechas: 28 de Octubre – 6 de Diciembre
Comisaria: Tania Pardo

La primera exposición europea del artista Ryan McGinley (New Jersey, EE.UU, 1978) mostrará unas 20 fotografías que recogen las características formales y temáticas más representativas del autor. En la estela de fotógrafos como Wolfgang Tillmans, Nan Goldin o Larry Clark, sus imágenes son diarios de la propia vida del fotógrafo; normalmente escenas donde los protagonistas son amigos y conocidos, formando grupos o individualizados en retratos.

Fotografías que parecen ser el documento de una determinada generación en las que muestra formas de comportamiento que relacionamos con los jóvenes, como por ejemplo los grupos de skateboardes, los grafteros, etc. Las imágenes de McGinley analizan así la frontera entre lo público y lo privado, de tal modo que convierte a la cámara fotográfica en cómplice tanto de la vida del retratado como de las de aquellos que observan.

Son muchos los artistas que a través de su cámara retratan y testimonian su propio círculo de amigos, amantes, e incluso su familia. La autobiografía vuelve a aparecer reflejada en las potentes escenas de Ryan McGinley, desde Tim Falling, Dakota Hair, pasando por las fotografías que muestran a su grupo de amigos bañándose bajo el agua y a los que, tras la congelación de la cámara, ha convertido en elementos acuáticos.

La espontaneidad de sus fotografías aparece en todos y cada uno de los temas a los que recurre: la música, el sexo o las diferentes subculturas urbanas. Convierte a la cámara en una extensión de él mismo y refleja fiestas, salidas nocturnas, retratos, etc., pero siempre, mostrando un gran pictoricismo en sus imágenes en las que, a su vez, utiliza, mediante la luz, distintas gamas de color. Imágenes potentes y sugerentes que, lejos de ser meros testimonios anecdóticos, se convierten en testigos implicados de una realidad: la del propio Ryan McGinley.

::Ryan McGinley, breve nota biográfica::
Ryan McGinley (New Jersey, EE.UU, 1977) Estudió fotografía en la Parsons School of Design de Nueva York y pronto se convirtió en una de las jóvenes promesas norteamericanas en el campo de la fotografía actual, sobre todo, a partir de la edición que él mismo realizo de un libro de sus fotografías en el año 2000 titulado The Kids are Alright. Ha participado en Bienales internacionales y colaborado con distintas galerías. Destaca la exposición individual que realizó en 2004 bajo el título New Photographs en el PS1- MOMA de Nueva York. Actualmente reside y trabaja Nueva York.

Mayor interés no puede suscitar,inquieto, transgresivo y con talento.

::TERESA ISASI Y LA SEMINCI::

«LA PRESENCIA INVISIBLE. TERESA ISASI.20 AÑOS DE FOTO FIJA EN EL CINE ESPAÑOL»

La sala de exposiciones del Teatro Calderón-Valladolid- acogerá desde el jueves 13 de octubre, a las 18 horas, la muestra La presencia invisible. Teresa Isasi. 20 años de foto fija en el cine español, que reúne más de 150 imágenes de las películas para las que ha trabajado en las dos últimas décadas una de las más importantes fotógrafas de cine en España.

Integrada en las actividades conmemorativas del 50 aniversario del Festival, esta muestra permanecerá abierta hasta el próximo 30 de octubre en la Sala Municipal de Exposiciones del Teatro Calderón. La inauguración oficial, que contará con la presencia de Teresa Isasi, tendrá lugar el martes 25 de octubre, a las 18.00 horas.

La exposición pretende acercarse a la disciplina cinematográfica de la foto fija. Dicha disciplina, a caballo entre el cine y la fotografía, es uno de los elementos de la preproducción, se desarrolla en la producción y finaliza en la postproducción.

A través de la obra de Teresa Isasi se pueden analizar los aspectos que conforman el desarrollo y proceso creativo de la foto-fija, una actividad cuyo cometido es esencial para el conocimiento, divulgación y presencia de las películas en los medios de comunicación.

Teresa Isasi, natural de Barcelona, estudió Filología en la Universidad Autónoma antes de pasar por el Taller D’Art Fotográfic. El ambiente cinematográfico familiar le proporciona sus primeros contactos con el cine, iniciándose como meritoria de foto fija en Libertad provisional (1976), de Roberto Bodegas, y en El perro (1977), de Antonio Isasi Isasmendi.

Durante veinte años ha participado en casi cuarenta largometrajes, compaginando esta actividad con trabajos en el campo de la arquitectura, moda y teatro. En este periodo, Teresa Isasi ha participado, entre otras películas, en El caballero del dragón (1985), La blanca paloma (1989), Días contados (1994), Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto (1995), Secretos del corazón (1997), Todo sobre mi madre (1999), Los otros (2001), Imagining Argentina (2003), Mar adentro (2004) y Princesas (2005). Actualmente colabora en el rodaje de El laberinto del fauno, de Guillermo del Toro.

Horario de la exposición a partir del viernes 14 de octubre: De 12 a 14 y de 18 a 21.30 horas, todos los días, incluidos sábados y festivos.

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EXPOSICION MUSAC

Segunda exposición temporal que nos ofrece el MUSAC(Museo de Arte contemporáneo de Castilla y León)albergado en la ciudad de León, del 10 de Septiembre al 4 de Diciembre.En ella podemos encontrar varias “secciones” que os iremos ampliando a continuación:

DORA GARCÍA – VIBRACIONES-

El trabajo de Dora García (1965, Valladolid, España) está caracterizado por un fuerte contenido conceptual que, partiendo de los más diversos soportes creativos, investiga en la construcción de ficciones para descodificar las infinitas relaciones que se producen entre el sujeto y el contexto en el que se ve inmerso. Transitando continuamente sobre el sutil límite que separa lo real y lo irreal y a partir de narraciones y escenografías muy concretas, sus obras reflexionan en torno a la búsqueda de una identidad. Una identidad que sólo se hace posible como fruto del proceso de negociación del individuo con su entorno. La relación entre estos dos elementos se produce en un estado de mutua dependencia, que hace indisociables al uno del otro.

SUJETO

Tras la inauguración del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León el pasado mes de Abril, el MUSAC presenta tres nuevas exposiciones de producción propia entre las que se encuentra Sujeto, una muestra colectiva que da una vuelta de tuerca más al tema del retrato contemporáneo colocando la representación del hombre en su absoluta neutralidad no sólo compositivamente hablando, sino en lo que se refiere al propio gesto. Una idea original de Rafael Doctor que aúna obras tanto de los fondos de la Colección MUSAC como otras tantas procedentes de colecciones institucionales y privadas. El MUSAC es una iniciativa de la Junta de Castilla y León a través de la Fundación SIGLO. Sujeto nace con la vocación de convertirse en una compilación de retratos sobre fondo neutro. Distribuidos en las salas 1 y 3 del MUSAC se muestra una selección de alrededor de 40 retratos con un denominador común: la presentación de individualidades en el contexto de su desnuda existencia, su “estar ahí”, constituyendo de diversas maneras un documento sobre “el otro”, la prueba de su existencia y, también con ello, un espejo de las incertidumbres existenciales del observador. Sin duda se propone un viaje al interior de nuestro “yo” a través de nuestro reflejo en el “otro”. A través de las obras de veinticuatro artistas, entre las que predomina la fotografía pero también se encuentra la escultura, la instalación o la pintura se plantea una pregunta muy clara: ¿seremos capaces todavía de mirar “al otro” en su plena dignidad humana para ver nuestro propio desnudo?

SHIRIN NESHAT – LA ULTIMA PALABRA

Con esta serie de proyectos, se propone repasar la extraordinaria carrera de Neshat (1957, Irán) a partir de la obra desarrollada durante los últimos diez años. Unas veinte fotografías entre sus más representativas y seis vídeo instalaciones, entre las once producidas por la artista, articularán el desarrollo de su carrera y ofrecerán una oportunidad única para analizar sus intereses y preocupaciones. Lejos de despejar la paradójica situación en la que se debate su obra, entre lo que los espectadores occidentales han interpretado con frecuencia como exotismo o representaciones orientalistas y lo que los espectadores de países islámicos han apuntado como estereotipos, esta retrospectiva producida y organizada por el MUSAC, se compromete con esta ambigüedad para iluminar la compleja construcción dinámica en la que se desenvuelve toda la creación de Shirin Neshat –inmersa entre estos dos orígenes culturales–. La revolución iraní que abolió la dictadura secular del régimen Pahlavi y llevó al poder a la teocracia despótica de la República Islámica de Irán coincidió con el proceso de globalización, el final de la guerra fría y el advenimiento del posmodernismo en Occidente. Esta situación es fundamental cuando reconocemos que Shirin Neshat es una artista ausente de su país natal cuya educación y cuya producción artística se ha desarrollado principalmente en Occidente, estableciendo necesario el examen de su experiencia diaspórica y transcultural para el entendimiento de su obra.
Shirin Neshat ha vivido en los Estados Unidos desde 1974. En 1990 visitó Irán, su país natal, después de 12 años de ausencia. Esta visita, como recuerda la artista, “fue una de las experiencias más sorprendentes que he tenido nunca: la diferencia entre lo que yo había recordado de la cultura iraní y lo que encontré era enorme. El cambio me entusiasmaba tanto como me asustaba… Cuando regresé a los Estados Unidos me obsesioné con la experiencia vivida y comencé a viajar regularmente al Irán”.

Si queréis informaros más profundamente podéis acudir a www.musac.org.es

CALATRAVA Y SUS CASITAS

El arquitecto valenciano Santiago Calatrava acaba de inagurar su nueva obra,"Turning Torso" (Torso en giro), el edificio residencial más alto de Suecia y uno de los más altos de Europa. En esta ocasión, el arquitecto español se ha inspirado en una escultura suya de un torso humano. Malmoe acogerá este innovador edificio después de tres años de construcción.

Turning Torso será el fin de un proyecto que arrancó en junio de 2001 y por el que el conocido arquitecto ha recibido el prestigioso premio MIPIM de Cannes al mejor edificio residencial del mundo.

Situada en el puerto oeste de Malmoe, cerca del puente Oeresund, que une Suecia con Dinamarca, esta lujosa torre de 190 metros de altura se retuerce sobre sí misma dando un giro de 90 grados desde la base hasta la planta más alta.

En total son 54 los pisos y 147 las viviendas que, estructuradas en nueve cubos rotatorios, conforman "Turning Torso", cuyo principal elemento estructural es un núcleo de hormigón armado. Su centro se corresponde exactamente con el eje de rotación de las plantas.

El origen de este edificio, construido en acero, vidrio y hormigón armado, se remonta al año 1999, cuando el entonces director general de la cooperativa sueca HSB -promotora de la obra-, Johnny Oerback, quedó impresionado al ver en un catálogo una escultura de un torso humano de Calatrava (Benimámet, Valencia, 1951), realizada en 1998, según las citadas fuentes.

HSB no dudó un momento en impulsar la construcción de la torre, cuya complicada estructura obliga a que la fachada esté doblemente curvada, al igual que las cerca de 2.250 ventanas planas y sus aproximadamente 2.800 paneles de aluminio.

Un nuevo paradigma de la 'arquitectura viva' de Calatrava

"Turning Torso" será desde hoy ejemplo de la "arquitectura viva" de Calatrava, en la que las fuentes de inspiración han sido siempre la anatomía y la naturaleza, algo que se aprecia también en otras obras como el estadio olímpico de Atenas o el centro de transportes del World Trade Center de Nueva York.

En las 54 plantas del edificio se distribuirán viviendas de lujo y oficinas. Estas últimas, ubicadas en las dos primeras unidades, ocupan una superficie total de 4.000 metros cuadrados, mientras las unidades tres a nueve constan de 147 viviendas cuya superficie varía entre los 45 y los 190 metros cuadrados.

Aunque la escultura que Calatrava realizó a finales de los 90 ha inspirado otros proyectos y el diseño de otras torres, este "Turning Torso" de Malmo es el primero que lleva a la práctica estos conceptos estructurales y estéticos. Es además su primer trabajo en Suecia, curiosamente, el país del que procede su mujer.

Con el mismo lenguaje arquitectónico, Calatrava ha proyectado otras torres, como las tres de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia, que se elevan hacia el cielo acompañadas de un edificio horizontal, a modo de rascacielos tumbado.

Fuente:TV5

El actor alemán Daniel Brühl, denuncia el racismo que existe en España, donde rueda "Salvador"

El actor alemán Daniel Brühl, que rueda en España "Salvador", del cineasta catalán Manuel Huerga, denuncia en una entrevista concedida al izquierdista diario "Die Tageszeitung" que existe "un racismo latente" en España.
El actor, que se dio a conocer en todo el mundo con las películas "Good Bye Lenin" y "Los Edukadores", constata que hay diferencias entre España y Alemania, ya que "por ejemplo, en España no hay éxitos electorales de partidos neonazis como en Alemania del este, pero sin embargo hay un racismo latente".
Brühl, que dará vida en el filme de Huerga al anarquista Salvador Puig Antich, pone como ejemplo que en los partidos de fútbol del F.C. Barcelona se oyen sonidos guturales que imitan a los monos contra jugadores negros.
El actor, hijo de un alemán y una española, asegura que si esto ocurriera en Alemania, inmediatamente saldría el canciller Gerhard Schroeder para denunciarlo, cosa que no ocurre en España, y lo achaca a que los españoles tienen "otra mentalidad".
Brühl asegura sentirse "nervioso" por las críticas que puede recibir "Salvador" cuando se estrene en España, ya que es su primera incursión en el cine español tras el éxito de crítica y de público que tuvo "Good Bye Lenin", una película sobre la reunificación alemana.
El actor comparte cartelera en "Salvador" con Tristán Ulloa ("Lucía y el sexo"), Leonardo Sbaraglia ("Deseo", "La puta y la ballena"), Leonor Watling ("La Mala Educación"), Ingrid Rubio ("El faro del sur", "El alquimista impaciente") y con Celso Bugallo ("Mar adentro").

INTRODUCCIÓN:FUNDACIÓ ANTONI TAPIES

La Fundació Antoni Tàpies fue creada en 1984 por el artista Antoni Tàpies para promover el estudio y el conocimiento del arte moderno y contemporáneo. Con ese objetivo, la Fundació abría sus puertas en junio de 1990 en la sede de la antigua Editorial Montaner y Simon, obra del arquitecto modernista Lluís Domènech y Montaner, restaurada y acondicionada por los arquitectos Roser Amadó y Lluís Domènech Girbau. Construido entre 1880 y 1885, en una fase temprana del desarrollo del modernismo catalán, este edificio fue el primero del Ensanche barcelonés que integraba la tipología y la tecnología industrial, combinando hierro y ladrillo visto, en el tejido del centro urbano.

Desde una perspectiva plural e interdisciplinaria, la Fundació Antoni Tàpies pretende establecer colaboraciones entre especialistas de las distintas áreas del saber para contribuir a un mejor entendimiento del arte y la cultura contemporáneas. Por esa razón, la Fundació combina la organización de exposiciones temporales, simposios, conferencias y ciclos de cine con la edición de publicaciones diversas que acompañan las actividades y con muestras periódicas dedicadas a Antoni Tàpies. En este sentido, la Fundació posee una de las colecciones más completas de obras de este artista, constituida mayoritariamente a partir de las donaciones de Antoni y Teresa Tàpies.

La Biblioteca de la Fundació Antoni Tàpies se sitúa en el antiguo almacén de la Editorial Montaner y Simon y conserva sus estanterías originales. La Biblioteca está especializada en arte moderno y contemporáneo. Acoge también el archivo más extenso de la obra de Tàpies, así como colecciones sobre las artes y la cultura asiáticas y precolombinas, así como las artes africanas y oceánicas que tanta importancia han tenido en la evolución del arte del siglo XX. Otros temas como la arquitectura, el diseño, las artes decorativas, la fotografía, el cine o el vídeo también están representados. El núcleo inicial de donaciones de Antoni Tàpies se ha incrementado con publicaciones recientes e históricas, además de vídeos y revistas internacionales, que completan una colección bibliográfica en constante crecimiento.

Al igual que con el MUSAC, periodicamente os iremos informando de su espacio,noticas exposiciones.

MUSAC EN IMAGENES

Os ofrecemos en esta primera entrega una serie de imágenes del Museo de Arte contemporáneo de León,que actualmente está exponiendo "Emergencias" y una magnífica serie de conferencias y talleres.
De tal forma en esta sección os iremos informando paulatinamente de los actos que se vayan organizando en el Musac,y más adelante, en los museos más imortantes de nuestro país-El contemporáneo de Barcelona,Patio herreriano de Valladolid,...-

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VOTACIONES 20MINUTOS.ES

Hemos metido al blog en un concurso de www.20minutos.es, si queréis podéis votar en http://www.20minutos.es/premios_20_blogs/listado/mejor_comunidad_blog/M/,y así de paso veis mas blogs,que los hay mu finos.

SUPERCIUDADES

Superflex, una empresa de proyectos muy innovadores y curiosos, hn creado dos ciudades virtuales de Europa:Wolsburgo y Karlskrona.
A partir de ahí podrmos entrar en estas ciudades(Karlskrona2/wolfburgo2) creadas por estos verdaderos inquietos y hablar con los "habitantes".
Además de este proyecto,tiene otros en desarrollo ,y la verdad, muy interesantes.Se les puede ver en el MUSAC de León hasta agosto un documental,o sino en www.superflex.dk

EXPOSICION:ISOLDINA

Bueno,aprovechando la época de Semana Santa qeu acabamos de vivir nos manda Isoldina este NAZARENO.

EXPOSICION:ISOLDINA

Título: K & I

EXPOSICION:SARA

Otra inquieta por la pintura,y con elegancia.

EXPOSICION:STAEL

Obra de Stael,que no dejará indiferente.

EXPOSICION:ANAKENYA

Primera obra que exponemos de Anakenya.En comentario podeis dejar vuestras opiniones

PROXIMA EXPOSICION::: STAEL :::

Ya tenemos una serie de bocetos realizados por Stael, que próximamente serán puestos en esta sección,esperamos que no os deje indiferentes.

1.JULIO CORTAZAR

Bueno me voy a dar el privilegio de inagurar la sección de arte con un artista de la creatividad en cada frase, imaginación hasta el infinito y un poco más allá y todo o relacionado con la orginalidad.
Belga de nacimiento, argentino de sangre y parisino por capricho y propia elección escribió entre otro el Bestiario, El perseguidor y su obra maestra:Rayuela,donde permite al lector la alternativa de leer el libro de manera aleatoria - guiado por él-, o bien seguir el libro por el método común de la pagina 1 al final.

Por todo lo ya citado,por el puente que construye entre el jazz y sus libros, por su forma de sentir la vida, por sus viajes y por la sensibilidad en su escritura, merece la pena profundizar en sus libros.